Şekil çizimi - Figure drawing - Wikipedia

Figür çizimi Leonardo da Vinci

Bir Şekil çizimi insan formunun çeşitli şekillerinin herhangi birindeki bir çizimidir ve duruşlar herhangi bir çizim kullanarak medya. Terim aynı zamanda böyle bir çizim. Temsil derecesi, oldukça ayrıntılı, anatomik olarak doğru görüntülerden gevşek ve etkileyici çizimlere kadar değişebilir. Bir "hayat resmi", bir canlıyı gözlemleyen insan figürünün bir çizimidir. model. Bir figür çizimi, bestelenmiş bir sanat eseri veya şekil çalışması bir resim gibi daha bitmiş bir iş için hazırlık yapılır.[1] Figür çizimi tartışmasız en zor konudur ve sanatçı genellikle karşılaşmalar ve tüm kurslar konuya adanmıştır. İnsan figürü, görsel sanatlarda en kalıcı temalardan biridir ve insan figürü temeli olabilir. portre, illüstrasyon, heykel, tıbbi illüstrasyon ve diğer alanlar.

Yaklaşımlar

Sanatçılar, insan figürünü çizmek için çeşitli yaklaşımlar kullanırlar. Canlı modellerden veya fotoğraflardan çekebilirler,[2] iskelet modellerinden veya hafızadan ve hayal gücünden. Çoğu öğretim, modellerin "hayat çizimi" kurslarında kullanımına odaklanır. Fotoğraf referansının kullanımı - geliştirilmesinden bu yana yaygın olmasına rağmen fotoğrafçılık - konunun dinamik yönlerini yakalayamayan "düz" görüntüler üretme eğilimi nedeniyle sıklıkla eleştirilir veya cesareti kırılır. Hayal gücünden çizim yapmak, genellikle teşvik ettiği ifade gücünden ötürü övülür ve sanatçının insan figürünü görselleştirmede bilgi eksikliği veya sınırlı hafızasının getirdiği yanlışlıklar nedeniyle eleştirilir; Sanatçının diğer yöntemlerle yaşadığı deneyim, bu yaklaşımın etkinliğinde büyük etkiye sahiptir.

Bazı sanatçılar, imgeyi geliştirirken, vücut yüzeylerinde açık ve koyu değerlerin karşılıklı etkileşiminin yarattığı şekillere odaklanır. Diğerleri, içsel yaklaşıma yaklaşarak başlayarak anatomik bir yaklaşım benimser. iskelet iç organların üst üste binmesi ve kas sistemi ve bu şekilleri deri ve son olarak (varsa) giysi ile kaplamak; insan iç anatomisinin incelenmesi genellikle bu teknikte yer alır. Başka bir yaklaşım, vücudu gevşek bir şekilde geometrik şekiller, örneğin, kafatası için bir küre, gövde için bir silindir, vb. daha sonra bu şekilleri insan formuna daha çok benzeyecek şekilde rafine eder.

Görsel referans olmadan çalışanlar için (veya kişinin çalışmasını kontrol etmenin bir yolu olarak), yaygın olarak önerilen oranlar şekil çiziminde:[3]

  • Ortalama bir insan genellikle 7 buçuk kafa boyundadır (kafa dahil). Bu, bedenlerinin uzunluğunu görsel olarak göstermek için kağıt tabaklar kullanılarak sınıftaki öğrencilere gösterilebilir.
  • Asalet veya zarafet izlenimi için kullanılan ideal bir figür, 8 kafa boyunda çizilir.
  • Tanrıların ve süper kahramanların tasvirinde kullanılan bir kahraman figürü, sekiz buçuk kafa uzunluğundadır. Ek uzunluğun çoğu daha büyük bir göğüs ve daha uzun bacaklardan gelir.

Bu oranlar en çok ayakta duran model için kullanışlıdır. Tanıtan pozlar önceden kısaltma çeşitli vücut parçalarının farklı olmasına neden olur.

Medya

Oturan kadın, siyah mum boya ile çizim, okul Rembrandt (17. yüzyıl)

Fransız Salonu 19. yüzyılda kullanımını tavsiye etti Conté mum, yağ ve pigment çubukları olan boya kalemleri, özel olarak formüle edilmiş kağıtla birleştirilir. Silmeye izin verilmedi; bunun yerine sanatçının daha koyu, daha görünür işaretler yapmadan önce figürü hafif vuruşlarla tanımlaması bekleniyordu.

Şekil çizimi Lovis Korint. 1925 öncesi

Popüler bir modern teknik, odun kömürü özel asmalardan ve daha sert bir kağıttan hazırlanmış çubuk. Kömür, kağıda gevşek bir şekilde yapışarak çok kolay silme sağlar, ancak son çizim, kömürün sürtünmesini önlemek için püskürtmeli bir "sabitleyici" kullanılarak korunabilir. Daha sert sıkıştırılmış odun kömürü, daha kasıtlı ve hassas bir etki yaratabilir ve dereceli tonlar, parmaklarla lekelenerek veya a adı verilen silindirik bir kağıt aletle üretilebilir. güdük.

Grafit kalem ayrıca şekil çiziminde yaygın olarak kullanılır. Bu amaçla, sanatçı kalemleri 9B (çok yumuşak) ile 1B (orta yumuşak) ve 1H (orta sert) ile 9H (çok sert) arasında değişen çeşitli formülasyonlarda satılmaktadır. Kömür gibi, bir güdük kullanılarak silinebilir ve manipüle edilebilir.

Mürekkep, başka bir popüler ortamdır. Sanatçı, çizimi çizmek veya taslağını çizmek için genellikle grafit kalemle başlayacak, ardından son çizgi çalışması, kalıcı mürekkeple bir kalem veya fırça ile yapılır. Mürekkep, mürekkep yıkama adı verilen bir teknik olan tonlamalar oluşturmak için suyla seyreltilebilir. Mürekkep uygulandıktan sonra kurşun kalem işaretleri silinebilir veya koyu mürekkepler onları etkisiz hale getirecek şekilde yerinde bırakılabilir.

Bazı sanatçılar, bir karakalem eskiz hazırlamadan doğrudan mürekkeple çizim yaparlar, hataları düzeltme yeteneğini sınırlandırmasına rağmen bu yaklaşımın kendiliğindenliğini tercih ederler. Matisse bu şekilde çalıştığı bilinen bir sanatçıdır.

Tercih edilen bir yöntem Watteau ve diğer 17. ve 18. yüzyıl sanatçıları Barok ve Rokoko çağ, beyaz ve siyahın ortasında renkli bir ton zemini ile başlamak ve kalem ve mürekkep veya "mum boya" kullanarak siyahta gölge ve beyazda vurgular eklemekti.

Tarih

İnsan figürü tarih öncesi çağlardan beri çizimlere konu olmuştur. Antik dönem sanatçılarının stüdyo uygulamaları büyük ölçüde bir varsayım meselesi olsa da, çoğunlukla çıplak modellerden çizip modelledikleri, çalışmalarının anatomik karmaşıklığıyla öne çıkıyor. İle ilgili bir anekdot Pliny nasıl olduğunu açıklar Zeuxis genç kadınları inceledi Agrigentum ideal bir görüntüyü boyamak için özelliklerini birleştireceği beş kişiyi seçmeden önce çıplak.[4] Ortaçağ sanatçısının atölyesinde çıplak modellerin kullanımı, Cennino Cennini ve bir el yazması Villard de Honnecourt hayattan çizim yapmanın 13. yüzyılda yerleşik bir uygulama olduğunu doğruluyor.[4] Carracci, kim açtı Accademia degli Incamminati 1580'lerde Bologna'da, hayatı merkezi disiplini çizerek daha sonraki sanat okulları için model oluşturdu.[5] Eğitim süreci gravürlerin kopyalanmasıyla başladı, ardından alçı kalıplardan çizime geçildi, ardından öğrenciler canlı modelden çizim konusunda eğitildi.

18. yüzyılın sonlarında, Jacques-Louis David stüdyosu titiz bir eğitim programını takip etti. Çizimde ustalık, resmin ön koşulu olarak kabul edildi. Her gün yaklaşık altı saat boyunca, öğrenciler bir hafta boyunca aynı pozda kalan bir modelden çizim yaptılar.[6] "Jacques-Louis David'e atfedilenler gibi on sekizinci yüzyıl çizimleri, genellikle kırmızı veya siyah tebeşirle beyaz vurgulu ve karanlık bir zemine sahip renkli kağıt üzerinde gerçekleştirildi. Modellerin pozları aktif olma eğilimindeydi: ayakta duran figürler kıpırdamak üzere ve Oturan figürler bile dramatik bir şekilde hareket eder. Modelin vücudunun yakından gözlemlenmesi, jestinin sunumundan ikincildir ve birçok çizim - akademik teoriyle uyumlu - belirli bir vücut veya yüz yerine temsili bir figür sunar. Karşılaştırıldığında, akademiler ondokuzuncu yüzyıl [...] tipik olarak beyaz kağıt üzerine siyah tebeşir veya odun kömürü ile yapılmıştır ve canlı modelin vücudunun özelliklerinin ve kendine özgü özelliklerinin titiz tasviridir. Sanatçının elinin kanıtı en aza indirilmiştir ve uzanmış veya oturmuş pozlar olmasına rağmen nadirdir, ayakta pozlar bile nispeten durağandır ... " [7] 19. yüzyılın sonlarından önce, kadınlar genellikle figür resim derslerine kabul edilmiyordu.[8]

Akademi figürü

Bir akademi figürü bir çizim, boyama veya heykel gerçek anlamda çıplak insan vücudu canlı bir model kullanarak, tipik olarak yarı gerçek boyutta.[kaynak belirtilmeli ]

Bu, öğrencilerin ihtiyaç duyduğu ortak bir egzersizdir. sanat okulları ve akademiler, hem geçmişte hem de günümüzde, dolayısıyla adı.[9]

KADIN

Neoklasik ressamdan aşılmış bir akademi figürü Pierre Subleyras

Tarihsel hesaplar, gelecek vadeden çıplak modellerin kadın sanatçılar büyük ölçüde mevcut değildi. Kadınların bazı kurumlara girmeleri, uygunsuz ve hatta çıplak modellerle çalışmak onlar için muhtemelen tehlikeli olduğu için yasaklandı.[10] Erkeklere hem erkek hem de kadın çıplaklarına erişim izni verilmiş olsa da, kadınlar alçılardan ve modellerden anatomiyi öğrenmekle sınırlıydı. 1893 yılına kadar, Londra'daki Kraliyet Akademisi'nde kız öğrencilerin yaşam resimlerine erişmelerine izin verilmiyordu.[11] ve o zaman bile modelin kısmen örtülmesi gerekiyordu.[12]

Çıplak figürlere sınırlı erişim, kadın sanatçıların kariyerlerini ve gelişimini engelledi. En prestijli resim biçimleri, sistematik olarak kadınlara reddedilen derin anatomi bilgisi gerektiriyordu.[12] böylelikle daha az kabul gören resim biçimlerine yönlendirilenler Tür, natürmort, manzara ve portre. İçinde Linda Nochlin "Neden Büyük Kadın Sanatçılar Yok" adlı makalesi, kadınların çıplak figür çizimine sınırlı erişiminin, kadınların sanatsal gelişimine tarihsel olarak önemli bir engel olduğunu belirtiyor.[12]

Çağdaş stüdyo eğitimi

Çapraz ayaklı oturan bir adam çizimi
Çıplak çalışma: Annibale Carracci

Şekil çizim talimatı çoğu kişinin güzel Sanatlar ve illüstrasyon programları. İtalya'da güzel sanatlar akademileri var Scuola libera del nudo ("ücretsiz çıplaklar okulu") lisans programının bir parçasını oluşturur, ancak aynı zamanda dışarıdan öğrencilere de açıktır.[13] Tipik bir figür çizim stüdyosu sınıfında, öğrenciler bir modelin etrafında yarım daire veya tam daire şeklinde otururlar. İki öğrenci tam olarak aynı görüşe sahip değildir, bu nedenle çizimleri, sanatçının modele göre benzersiz konumunun perspektifini yansıtacaktır. Model, öğrencilerin engelsiz bir görüşü daha kolay bulmasını sağlamak için genellikle bir stand üzerinde poz verir. Poz türüne bağlı olarak mobilya ve / veya sahne dekorları kullanılabilir. Bunlar genellikle sanatçı tarafından görülebildikleri ölçüde çizime dahil edilir. Bununla birlikte, amaç figürlerin bir ortama yerleştirilmesini öğrenmek olmadığı sürece arka planlar genellikle göz ardı edilir. Bireysel modeller en yaygın olanıdır, ancak daha ileri sınıflarda birden çok model kullanılabilir. Birçok stüdyo, çeşitli aydınlatma düzenlemelerine izin verecek şekilde donatılmıştır.

Üniversite düzeyinde öğretildiğinde, şekil çizim modelleri genellikle (her zaman değil) çıplak (küçük mücevherler, aksesuarlar veya göze çarpmayan diğer eşyalar dışında). Poz verirken modelin genellikle tamamen hareketsiz kalması istenir. Bunu uzun bir süre yapmanın zorluğu nedeniyle, modelin dinlenmesi ve / veya gerilmesi için periyodik aralar genellikle daha uzun seanslar ve daha zor pozlar için dahil edilir.

Bir figür çizim seansının başlangıcında, modelden genellikle arka arkaya hızlı bir şekilde bir dizi kısa poz vermesi istenir. Bunlar jest pozları olarak adlandırılır ve tipik olarak her biri bir ila üç dakikadır. Hareketle çizim bu, birçok sanatçı için bir ısınma egzersizi olsa da, bazı sanatçılar bu hareketi her figür çiziminin ilk adımı olarak çiziyor.[14] Bu geniş vuruşlar sadece bir bileği hareket ettirerek değil, aynı zamanda modelin hareketini yakalamak için tüm kolu kullanarak yapılır. Ayrıca sanatçının kağıt yerine modele odaklanmasına yardımcı olur. İnsan vücudu söz konusu olduğunda, sanatçılar acı verici bir eleştiridir; Bir hareketsiz yaşamın orantılarının otantik görünmesi için mükemmel bir şekilde çizilmesi gerekmez, ancak insan oranlarındaki en ufak bir hata bile kolayca tespit edilebilir.

Modern ve çağdaş sanatçılar, modellerin pozunun jestini veya algılanan ruh halini vurgulamak için oranları abartmayı veya çarpıtmayı seçebilirler. Sonuçlar, hem konuyu, hem gözlemi, hem de duygusallığı ifade eden ve sanatçı figür çizim deneyimine tepki veren bitmiş bir sanat eseri olarak kabul edilebilir.

Anatomi, yaşam derslerinde yalnızca ilk endişe düzeyidir. Şekil-zemin ilişkiler ve kompozisyonun diğer yönleri de dikkate alınır. Bir kompozisyonun dengesi daha önemli hale gelir ve bu nedenle hayat çizimiyle daha anlaşılır hale gelir. Sanatçılar kinestetik poza tepki ve bunun bir sanat medyası seçimi yoluyla nasıl iletildiği daha ileri bir endişe kaynağıdır. etnik kökenler genellikle yalnızca güzel modeller veya "ideal" rakamlar. Bazı eğitmenler özellikle moda fotoğrafçıları tarafından tercih edilen modellerden kaçınmaya, daha "gerçekçi" örnekler arayıp cinsel nesneleştirmenin herhangi bir imasından kaçınmaya çalışıyor. Eğitmenler ayrıca, sağladıkları benzersiz konturlara veya yüzey dokularına dayalı olarak belirli vücut tiplerinin modellerini tercih edebilirler. Kiralanan modellerin çeşitliliği, uzun süre poz tutma ihtiyacı (huzursuz çocukları ve zayıf yaşlıları ortadan kaldırma) ve modeller çıplak göründüğünde alçakgönüllülük ve yasallık endişeleri (küçüklerin kullanımını kısıtlama) nedeniyle sınırlanabilir.

Ayrıca bakınız

Notlar

  1. ^ Berry, Ch. 8 - "Hazırlık Olarak Çizim"
  2. ^ Maureen Johnson ve Douglas Johnson (2006). Sanat Modelleri: Çizim, Boyama ve Yontma için Yaşam Nüleri. Canlı Model Kitapları. ISBN  978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 Ocak 2014). "İnsan vücudunun standart oranları". makingcomics.com. Alındı 6 Eylül 2020.
  4. ^ a b Kesinlikle Akademik 1974 s. 6.
  5. ^ Kesinlikle Akademik 1974, s. 7.
  6. ^ Kesinlikle Akademik 1974, s. 8.
  7. ^ S. Waller, Modelin Buluşu: Paris'te Sanatçılar ve Modeller, 1830-1870. 2016, S. 5.
  8. ^ Kesinlikle Akademik 1974, s. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» ve «Modèle», Encyclopédie méthodique dans. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. Kaynaktan alıntı yapılan fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Ondokuzuncu Yüzyıl Fransa'sında Kadın Sanatçılar". Metropolitan Sanat Müzesi.
  11. ^ Levin, Kim. "En İyi On ARTnews Hikayesi: Gizli Olanı Açığa Çıkarma"'". ArtNews.
  12. ^ a b c Nochlin, Linda. "Neden Büyük Kadın Sanatçı Yok?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, s. 829–830. ISBN  8838778639 (italyanca)
  14. ^ Sanat Modelinin El Kitabı http://www.artmodelbook.com

Referanslar

Dış bağlantılar

Kütüphane kaynakları hakkında
Şekil çizimi