Heykel - Sculpture - Wikipedia
Heykel şubesi görsel Sanatlar içinde çalışır üç boyut. Biridir plastik Sanatlar. Başlangıçta kullanılan dayanıklı heykelsi süreçler oymacılık (malzemenin çıkarılması) ve modelleme (malzemenin kil olarak eklenmesi) taş, metal, seramik, Odun ve diğer malzemeler, ancak Modernizm neredeyse tam bir malzeme ve işlem özgürlüğü olmuştur. Oyma gibi kaldırılarak, bir araya getirilerek çok çeşitli malzemeler işlenebilir. kaynak veya modelleme veya kalıplanmış veya oyuncular.
Taştan yapılmış heykel, dayanıksız malzemelerden yapılmış sanat eserlerinden çok daha iyi hayatta kalır ve çoğu zaman hayatta kalan eserlerin çoğunu temsil eder ( çanak çömlek ) eski kültürlerden, tersine ahşap heykel gelenekleri neredeyse tamamen ortadan kalkmış olabilir. Ancak, eski heykellerin çoğu parlak bir şekilde boyanmıştı ve bu kayboldu.[2]
Heykel, birçok kültürde dini bağlılığın merkezinde yer aldı ve son yüzyıllara kadar, özel şahısların yaratamayacağı kadar pahalı olan büyük heykeller, genellikle din veya siyasetin bir ifadesiydi. Heykelleri miktarlarda varlığını sürdüren bu kültürler arasında eski Akdeniz, Hindistan ve Çin kültürlerinin yanı sıra Orta ve Güney Amerika ve Afrika'daki birçok kültür var.
Batı heykel geleneği başladı Antik Yunan ve Yunanistan, geniş çapta, büyük başyapıtlar ürettiği görülüyor. klasik dönem. Esnasında Orta Çağlar, Gotik heykel, Hıristiyan inancının acılarını ve tutkularını temsil ediyordu. Klasik modellerin yeniden canlanması Rönesans gibi ünlü heykeller üretti Michelangelo 's David. Modernist heykel, geleneksel süreçlerden ve insan vücudunun tasvirine yapılan vurgudan uzaklaştı. inşa edilmiş heykel ve sunumu bulunan nesneler bitmiş sanat eserleri olarak.
Türler
Temel bir ayrım, yuvarlak, serbest duran heykeldeki heykeller arasındadır. heykeller, başka herhangi bir yüzeye tutturulmamış (muhtemelen tabanda hariç) ve çeşitli Rahatlama, en azından kısmen bir arka plan yüzeyine tutturulmuş. Rölyef genellikle duvardan alçak veya alçak olan projeksiyon derecesine göre sınıflandırılır. kısma, yüksek rahatlama ve bazen orta seviye orta kabartma. Batık kabartma sınırlı bir tekniktir Antik Mısır. Rölyef, büyük figür grupları ve anlatı konuları için olağan heykelsi ortamdır ve turda başarılması zor olan ve her ikisi için de kullanılan tipik tekniktir. mimari heykel, binalara tutturulmuş ve diğer nesneleri süsleyen küçük ölçekli heykeller için çanak çömlek, metal işleri ve mücevher. Kabartma heykel de süsleyebilir steller, genellikle taştan, genellikle yazıtlar içeren dik levhalar.
Diğer bir temel ayrım, örneğin taş veya ahşap gibi mevcut bir blok veya yığıntan malzemeyi çıkaran eksiltici oyma teknikleri ile malzemeden işi şekillendiren veya oluşturan modelleme teknikleri arasındadır. Gibi teknikler döküm, damgalama ve kalıplama, işi üretmek için tasarımı içeren bir ara matris kullanır; bunların çoğu birkaç kopya üretilmesine izin verir.
"Heykel" terimi genellikle çoğunlukla, bazen adı verilen büyük işleri tanımlamak için kullanılır. anıtsal heykel, yani büyük veya bir binaya bağlı heykellerden biri veya her ikisi. Ancak bu terim, madeni paralar ve madalyalar, sert taş oymaları, Taştaki küçük oymalar için ayrıntılı çalışma alabilen bir terim.
Çok büyük veya "devasa" heykel, o zamandan beri kalıcı bir çekiciliğe sahip. antik dönem; kayıtlardaki en büyük 182 m'de (597 ft) 2018 Hintli Birlik Heykeli. Portre heykelinin bir başka büyük biçimi de binicilik heykeli Son yıllarda ender görülen bir at binicisinin. Gerçek boyutlu portre heykelinin en küçük biçimleri, tam da bunu gösteren "kafa" ya da büst, bir kişinin göğsünden yukarısının temsili. Küçük heykel biçimleri şunları içerir: heykelcik normalde en fazla 18 inç (46 cm) uzunluğunda bir heykel ve kabartmalar için plaket, madalya veya madeni para.
Modern ve çağdaş sanat, geleneksel olmayan bir dizi heykel biçimini ekledi. ses heykeli, hafif heykel, çevre sanatı, çevresel heykel, sokak sanatı heykeli, kinetik heykel (yönlerini içeren fiziksel hareket ), arazi sanatı, ve siteye özgü sanat. Heykel, önemli bir Halk sanatı. Bahçe ortamında bir heykel koleksiyonuna heykel bahçesi.
Amaçlar ve konular
Heykelin en yaygın amaçlarından biri, din ile bir şekilde ilişkilendirilmesidir. Kült görüntüler birçok kültürde yaygındır, ancak bunlar genellikle tanrıların devasa heykelleri olmasalar da antik Yunan sanatı, gibi Olympia'daki Zeus Heykeli. Şehrin en içteki kutsal alanlarındaki gerçek kült görüntüleri Mısır tapınakları hiçbiri günümüze kalamamış, en büyük tapınaklarda bile belli ki oldukça küçüktü. Aynı şey genellikle Hinduizm, çok basit ve eski biçiminin Lingam en yaygın olanıdır. Budizm dini figürlerin heykelini, daha önce eşdeğer bir geleneğin olmadığı görünen Doğu Asya'ya getirdi. bi ve cong muhtemelen dini önemi vardı.
Kişisel eşya olarak küçük heykeller, en eski tarih öncesi sanata ve çok büyük heykellerin kullanılmasına kadar uzanır. Halk sanatı özellikle izleyiciyi bir cetvelin gücüyle etkilemek için en azından Müthiş Sfenks yaklaşık 4,500 yıl önce. İçinde arkeoloji ve sanat tarihi bir kültürde büyük veya anıtsal heykelin ortaya çıkması ve bazen ortadan kalkması büyük önem arz etse de, ortaya çıkışının izini sürmek, heykelin ahşapta ve diğer bozulabilir materyallerde hiçbir kaydı kalmamış olduğu varsayılan varlığından dolayı genellikle karmaşıktır;[3]
totem direği arkeolojiye iz bırakmayan ahşaptan yapılmış anıtsal heykel geleneğinin bir örneğidir. Genellikle çok ağır malzemeler taşıyarak ve genellikle tam zamanlı heykeltıraş olarak kabul edilenlerin ödemesini ayarlayarak anıtsal heykel yaratmak için kaynakları toplama yeteneği, sosyal organizasyon açısından nispeten gelişmiş bir kültürün işareti olarak kabul edilir. Eski Çin'in son beklenmedik keşifleri Bronz Çağı rakamlar Sanxingdui, bazıları insan boyutunun iki katından fazla olması, daha önce yalnızca çok daha küçük bronzlar bilindiğinden, erken Çin uygarlığı hakkında tutulan birçok fikri rahatsız etti.[4]
Kuşkusuz bazı ileri kültürler, örneğin Indus vadisi uygarlığı çok sofistike figürinler ve mühürler üretmesine rağmen, anıtsal bir heykelinin olmadığı görülüyor. Mississippian kültürü çöktüğü zaman küçük taş figürlerle kullanımına doğru ilerliyor gibi görünüyor. Eski Mısır ve Mısır gibi diğer kültürler Paskalya Adası kültürü, çok erken bir aşamadan itibaren çok büyük ölçekli anıtsal heykele muazzam kaynaklar ayırmış görünüyor.
Önceki dönemler de dahil olmak üzere heykel koleksiyonu Yunanistan, Çin ve Mezoamerika'da yaklaşık 2.000 yıl öncesine dayanıyor ve pek çok koleksiyon modern dönemden çok önce yarı halka açık sergileniyordu. müze icat edildi. 20. yüzyıldan itibaren, büyük heykellerde bulunan nispeten sınırlı konu yelpazesi, soyut konular ve artık yaygın olan her tür konunun kullanımı veya temsili ile büyük ölçüde genişledi. Günümüzde galerilerde ve müzelerde aralıklı olarak sergilenmek için çok sayıda heykel yapılıyor ve giderek büyüyen eserleri taşıma ve saklama yeteneği, inşaatlarında bir faktör. Küçük dekoratif figürinler, çoğu zaman seramikte, bugün de popüler (yine de tuhaf bir şekilde ihmal ediliyor) modern ve Çağdaş sanat ) olduğu gibi Rokoko veya eski Yunanistan'da Tanagra figürinler büyük bir endüstriydi veya Doğu Asya'da ve Kolomb öncesi sanat. Mobilya ve diğer nesneler için küçük yontulmuş donanımlar, eski çağlara geri dönüyor. Nimrud fildişi, Begram fildişi ve mezarından buluntular Tutankhamun.
Portre heykel Mısır'da başladı. Narmer Paleti MÖ 32. yüzyılın hükümdarını gösterir ve Mezopotamya, hayatta kalan 27 kişinin olduğu yerde Gudea heykelleri, kim yönetti Lagash c. MÖ 2144–2124. Antik Yunan ve Roma'da, halka açık bir yerde bir portre heykelinin dikilmesi neredeyse en yüksek onur ve bir madeni para üzerinde tasvir edilebilecek seçkinlerin hırsıydı.[5] Mısır ve Yakın Doğu gibi diğer kültürlerde halka açık heykeller neredeyse tamamen hükümdarın korumasıydı, diğer zengin insanlar ise yalnızca mezarlarında tasvir ediliyordu. Cetveller, Kolomb öncesi kültürlerde tipik olarak portre verilen tek kişidir. Olmec devasa kafalar yaklaşık 3.000 yıl önce. Doğu Asya portre heykeli tamamen dinseldi, önde gelen din adamları heykellerle, özellikle manastırların kurucularıyla anılıyordu, ancak hükümdarlar veya atalar değil. Akdeniz geleneği, Orta Çağ'da başlangıçta yalnızca mezar heykelleri ve madeni paralar için yeniden canlandı, ancak kişisel portre gibi yeni formlar icat eden Rönesans'ta büyük ölçüde genişledi. madalya.
Hayvanlar, insan figürü ile birlikte, heykel için en eski konulardır ve her zaman popüler, bazen gerçekçi, ancak çoğu zaman hayali canavarlar olmuştur; Çin'de mezarların ve tapınakların dışındaki taş heykeller için neredeyse tek geleneksel konular hayvanlar ve canavarlardır. Bitkiler krallığı yalnızca mücevherler ve dekoratif kabartmalarda önemlidir, ancak bunlar neredeyse tüm büyük heykelleri oluşturur. Bizans sanatı ve İslam sanatı ve Avrasya geleneklerinin çoğunda çok önemlidir. palmette ve asma parşömenleri iki bin yıldan fazla bir süredir doğu ve batıdan geçti.
Dünyanın dört bir yanındaki tarih öncesi kültürlerde bulunan bir heykel biçimi, bir tür törensel kullanım veya sergileme veya teklif olarak, pratik olmayan değerli malzemelerden yaratılan sıradan aletlerin, silahların veya kapların özel olarak büyütülmüş versiyonlarıdır. Yeşim taşı veya diğer tür yeşil taş Çin'de kullanıldı, Olmec Meksika ve Neolitik Avrupa Erken Mezopotamya'da taştan büyük çanak çömlek şekilleri üretildi. Bronz, Avrupa ve Çin'de büyük baltalar ve bıçaklar için kullanıldı. Oxborough Dirk.
Malzemeler ve teknikler
Heykelde kullanılan malzemeler tarih boyunca değişiyor ve çeşitlilik gösteriyor. Olağanüstü dayanıklılığa sahip klasik malzemeler özellikle metaldir bronz taş ve çanak çömlek, ahşap, kemik ve boynuz daha az dayanıklı ama daha ucuz seçenekler. Gibi değerli malzemeler altın, gümüş, yeşim, ve fildişi genellikle küçük lüks işler için ve bazen daha büyük işler için kullanılır. krizelefantin heykeller. Daha geniş tüketim için heykel için daha yaygın ve daha ucuz malzemeler kullanıldı: sert ahşap (gibi meşe, kutu / şimşir, ve kireç / ıhlamur ); pişmiş toprak ve diğeri seramik mum (döküm için modeller için çok yaygın bir malzeme ve izlenimlerini alma silindir contalar ve oyulmuş taşlar) ve metaller gibi döküm kalaylı ve çinko (çinko). Ancak heykellerin bir parçası olarak, etnografik ve antik eserlerde modern olanlar kadar çok sayıda başka malzeme de kullanılmıştır.
Heykeller genellikle boyalı, ancak genellikle boyalarını veya restoratörlerini kaybederler. Heykel yapımında birçok farklı boyama tekniği kullanılmıştır. mizaç, yağlı boya, yaldız, ev boyası, aerosol, emaye ve kumlama.[2][6]
Birçok heykeltıraş, sanat yapmak için yeni yollar ve malzemeler arar. Biri Pablo Picasso en ünlü heykelleri dahil bisiklet parçalar. Alexander Calder ve diğer modernistler, boyalı çelik. 1960'lardan beri Akrilikler ve diğer plastikler de kullanılmıştır. Andy Goldsworthy Olağandışı geçici heykellerini doğal ortamlarda neredeyse tamamen doğal malzemelerden yapıyor. Gibi bazı heykeller buz heykel, kumdan heykel, ve gaz heykeli, kasıtlı olarak kısa ömürlüdür. Son heykeltıraşlar kullandı vitray, işlerini şekillendirmek için aletler, makine parçaları, donanım ve tüketici ambalajı. Heykeltıraşlar bazen kullanır bulunan nesneler, ve Çinli bilgin kayaları yüzyıllardır takdir edilmektedir.
Taş
Taş heykel kaba doğal parçaların bulunduğu eski bir faaliyettir. taş tarafından şekillendirilir kontrollü taşın kaldırılması. Malzemenin kalıcılığından ötürü, dünyanın her yerinde Mısır, Yunanistan, Hindistan ve Avrupa'nın çoğu gibi oyma için o kadar iyi taş bulunmasa da, en eski toplumların bile bir tür taş işçiliğine düşkün olduğuna dair kanıtlar bulunabilir. . Petroglifler (kaya gravürleri olarak da adlandırılır) belki de en eski biçimdir: kalan kaya yüzeyinin bir kısmının kaldırılmasıyla oluşturulan görüntüler yerinde, kazıma, gagalama, oyma ve aşındırma yoluyla. Anıtsal heykel büyük işleri kapsar ve mimari heykel binalara bağlı olan. Hardstone oyma sanatsal amaçlı oymadır yarı değerli gibi taşlar yeşim, akik, oniks, kaya kristali, sard veya carnelian ve bu şekilde yapılmış bir nesne için genel bir terim. Kaymaktaşı veya mineral alçıtaşı daha küçük işler için oyması kolay ve yine de nispeten dayanıklı olan yumuşak bir mineraldir. Oyulmuş taşlar dahil olmak üzere küçük oyma mücevherlerdir kamera hücresi, başlangıçta şu şekilde kullanıldı mühür halkaları.
Hemen hemen tamamı kopyalarından bilinen antik Yunan heykelleri için çok önemli olan taştan orijinal bir heykelin kopyalanması geleneksel olarak "işaret ", daha serbest yöntemlerle birlikte. İşaretleme, orijinali çevreleyen ahşap bir çerçeve üzerine tel karelerden bir ızgara oluşturmayı ve ardından ızgara üzerindeki konumu ve bir dizi ayrı noktanın ızgara ile heykeli arasındaki mesafeyi ölçmeyi ve ardından bu bilgi, kopyanın yapıldığı bloğa oyulacaktır.[8]
Metal
Bronz ve ilgili bakır alaşımları en eski ve hala en popüler metallerdir oyuncular metal heykeller; bir kadro bronz heykel genellikle sadece "bronz" olarak adlandırılır. Yaygın bronz alaşımları, sertleşmeden hemen önce biraz genişleme ve böylece bir kalıbın en ince ayrıntılarını doldurma gibi alışılmadık ve istenen bir özelliğe sahiptir. Güçleri ve kırılganlık eksikliği (süneklik), özellikle çeşitli şekillere kıyasla, hareket halindeki figürler oluşturulduğunda bir avantajdır. seramik veya taş malzemeler (bkz. mermer heykel birkaç örnek için). Altın en yumuşak ve en değerli metaldir ve mücevher; ile gümüş çekiç ve diğer aletlerin yanı sıra alçı ile çalışılabilecek kadar yumuşaktır; repoussé ve kovalamak altın kullanılan teknikler arasındadır ve Gümüşçülük.
Döküm sıvı bir malzemenin (bronz, bakır, cam, alüminyum, demir) (genellikle) istenen şekle sahip içi boş bir boşluk içeren bir kalıba döküldüğü ve daha sonra katılaşmaya bırakıldığı bir üretim işlemleri grubudur. Katı döküm daha sonra işlemi tamamlamak için çıkarılır veya kırılır,[9] bitmiş oyuncu kadrosunu "soğuk çalışmanın" son bir aşaması takip edebilir. Döküm, sıcak sıvı metaller veya çeşitli malzemeler oluşturmak için kullanılabilir. soğuk set bileşenlerin karıştırılmasından sonra (örneğin epoksiler, Somut, Alçı ve kil ). Döküm genellikle başka yöntemlerle yapılması zor veya ekonomik olmayan karmaşık şekiller yapmak için kullanılır. Hayatta kalan en eski döküm, MÖ 3200'den kalma bakır bir Mezopotamya kurbağasıdır.[10] Özel teknikler şunları içerir: kayıp balmumu döküm, alçı kalıp dökümü ve kum döküm.
Kaynak farklı metal parçalarının farklı şekiller ve tasarımlar oluşturmak için bir araya getirildiği bir süreçtir. Gibi birçok farklı kaynak biçimi vardır. Oksi-yakıt kaynağı, Örtülü kaynak, MIG kaynağı, ve TIG kaynağı. Oksi-yakıt, çelik heykeller oluşturmak söz konusu olduğunda muhtemelen en yaygın kaynak yöntemidir, çünkü çeliği şekillendirmek ve çeliğin temiz ve daha az fark edilir birleşimlerini yapmak için kullanımı en kolay yoldur. Oksi-yakıt kaynağının anahtarı, birleştirilecek her bir metal parçasını, hepsi kırmızı olana ve onlara bir parlaklık verene kadar eşit şekilde ısıtmaktır. Her parçanın üzerinde o parlaklık olduğunda, bu parlaklık yakında metalin sıvılaştırıldığı ve kaynakçının metali kaynaştırarak havuzları bir araya getirmesi gereken bir "havuz" haline gelecektir. Soğuduktan sonra, havuzların birleştiği yer artık kesintisiz bir metal parçası. Oxy-fuel heykel yaratımında da yoğun olarak kullanılan dövme dövme. Dövme farklı şekillerde şekillenecek kadar yumuşatmak için metalin belli bir noktaya kadar ısıtılması işlemidir. Çok yaygın bir örnek, çelik bir çubuğun ucunu ısıtmak ve kırmızı ısıtılmış uca bir örs üzerindeyken bir çekiçle vurarak bir nokta oluşturmaktır. Çekiç salınımları arasında, dövücü çubuğu döndürür ve çelik çubuğun keskin olmayan ucundan kademeli olarak keskin bir nokta oluşturur.
Bardak
Bardak büyük eserler için kullanılması yeni bir gelişme olsa da, çok çeşitli çalışma teknikleriyle heykel için kullanılabilir. Büyük zorluklarla oyulabilir; Romalı Likurgus Kupası tamamen benzersizdir.[11] Sıcak döküm, erimiş camın, kum, oyulmuş grafit veya detaylı sıva / silika kalıplara preslenerek oluşturulan kalıplara doldurulmasıyla yapılabilir. Fırın döküm camı, cam parçalarının bir fırında sıvı hale gelinceye kadar ısıtılmasını ve fırında altındaki bekleme kalıbına akmasını içerir. Cam aynı zamanda el aletleriyle katı bir kütle olarak veya şişirilmiş bir nesnenin parçası olarak üflenebilir ve / veya sıcak şekillendirilebilir. Daha yeni teknikler, plaka camı, polimer silikatlar ve UV ışığı ile yontma ve yapıştırmayı içerir.[12]
Çömlekçilik
Çömlekçilik, heykel için en eski malzemelerden biridir ve kil, metalden dökülen birçok heykelin orijinal olarak döküm için modellendiği ortamdır. Heykeltıraşlar genellikle küçük ön çalışmalar yaparlar. maketler gibi geçici malzemelerin Paris ALÇISI, balmumu, yanmamış kil veya hamuru.[13] Birçok kültür, bir kap işlevini heykelsi bir formla birleştiren çömlek üretti ve küçük figürinler modern Batı kültüründe olduğu kadar sıklıkla popüler olmuştur. Pullar ve kalıplar çoğu eski uygarlık tarafından kullanılmıştır. Antik Roma ve Mezopotamya'dan Çin'e.[14]
Ahşap oymacılığı
Ahşap oymacılığı son derece yaygın olarak uygulanmaktadır, ancak diğer ana malzemelerden çok daha az hayatta kalır, çürümeye, böcek hasarına ve yangına karşı savunmasızdır. Bu nedenle birçok kültürün sanat tarihinde önemli bir gizli öğe oluşturur.[3] Dış mekan ahşap heykelleri dünyanın çoğu yerinde uzun sürmez, bu nedenle totem direği gelenek gelişti. Özellikle Çin ve Japonya'nın en önemli heykellerinin çoğu ahşaptır ve büyük çoğunluğu ahşaptır. Afrika heykeli ve bu Okyanusya ve diğer bölgeler.
Ahşap hafiftir, taşınması amaçlanan maskeler ve diğer heykeller için çok uygundur ve çok ince detaylar alabilir. Ayrıca çalışmak taştan çok daha kolaydır. Genellikle oyulduktan sonra boyanır, ancak boya ahşaptan daha az aşınır ve hayatta kalan parçalarda genellikle eksiktir. Boyanmış ahşap genellikle teknik olarak "ahşap ve çok renkli ". Genellikle bir katman Gesso veya ahşaba sıva uygulanır ve ardından boya uygulanır.
Heykeltıraşların sosyal statüsü
Dünya çapında heykeltıraşlar genellikle eserleri imzasız olan esnaftır; bazı geleneklerde, örneğin Çin, heykelin prestijini paylaşmadığı literati boyama bu heykelin statüsünü etkiledi.[15] Hatta Antik Yunan gibi heykeltıraşların Phidias ünlendiklerinde, diğer zanaatkârlarla hemen hemen aynı sosyal statüleri korudukları görülüyor ve bazıları eserlerini imzalamalarına rağmen, belki de çok daha büyük mali ödülleri yok.[16] İçinde Orta Çağlar 12. yüzyıl gibi sanatçılar Gislebertus bazen çalışmalarını imzaladılar ve farklı şehirler tarafından, özellikle de Trecento İtalya'da ileriye doğru Arnolfo di Cambio, ve Nicola Pisano ve oğlu Giovanni. Değerli malzemelerle uğraşan ve genellikle bankacı olarak ikiye katlanan kuyumcular ve kuyumcular, güçlü loncalar ve kayda değer bir statüye sahipti, genellikle sivil makamlara sahipti. Birçok heykeltıraş başka sanatlarda da çalıştı; Andrea del Verrocchio ayrıca boyandı ve Giovanni Pisano, Michelangelo ve Jacopo Sansovino -di mimarlar. Bazı heykeltıraşlar büyük atölyeler düzenledi. Rönesans'ta bile eserin fiziksel doğası Leonardo da Vinci ve diğerleri tarafından sanattaki heykelin statüsünü aşağı çekiyor olarak algılandı, ancak Michelangelo'nun itibarı belki de bu uzun süredir devam eden fikri bir kenara bıraktı.
İtibaren Yüksek Rönesans Michelangelo gibi sanatçılar, Leone Leoni ve Giambologna heykel ve resmin görece statüsü üzerine keskin bir tartışma döneminden sonra zenginleşip soylu hale gelebilir ve prensler çemberine girebilir.[17] Binalardaki dekoratif heykellerin çoğu bir ticaret olarak kaldı, ancak tek tek parçalar üreten heykeltıraşlar ressamlarla aynı düzeyde tanındı. 18. yüzyıldan veya daha önceki dönemlerden itibaren heykel, resim yapmaktan daha yavaş olmasına rağmen orta sınıf öğrencilerini de cezbetti. Kadın heykeltıraşların görünmesi kadın ressamlardan daha uzun sürdü ve 20. yüzyıla kadar daha az öne çıktı.
Anti-heykel hareketleri
Aniconism sınırlı kaldı Yahudilik 19. yüzyıla kadar figüratif heykeli kabul etmeyen,[18] genişlemeden önce Erken Hıristiyanlık Başlangıçta büyük heykelleri kabul eden. Hıristiyanlık ve Budizm'de heykel çok önemli hale geldi. Hıristiyan Doğu Ortodoksluğu anıtsal heykeli asla kabul etmedi ve İslâm kabartmalardaki çok küçük figürler ve bir çeşmeyi destekleyen ünlü aslanlar gibi yararlı bir işlevi yerine getiren bazı hayvan figürleri dışında neredeyse tüm figüratif heykelleri sürekli olarak reddetmiştir. Alhambra. Birçok formu Protestanlık dini heykele de onay vermiyor. Çok oldu ikonoklazm dini motiflerden, İlk Hıristiyanlardan, Beeldenstorm of Protestan reformu 2001 yıkımına Bamyan Budaları tarafından Taliban.
Tarih
Tarih öncesi dönemler
Avrupa
Tartışmasız en eski heykel örnekleri, Aurignacian kültürü Avrupa ve güneybatı Asya'da bulunan ve Üst Paleolitik. Bilinen en eski bazılarını üretmenin yanı sıra mağara sanatı Bu kültürün insanları, ince işlenmiş taş aletler, kolye, bilezik, fildişi boncuk ve kemik yivlerinin yanı sıra üç boyutlu figürinler imal etti.[19][20]
30 cm boyunda Löwenmensch Almanya'nın Hohlenstein Stadel bölgesinde bulunan bir antropomorfik aslan-adam figürü tüylü mamut fildişi. Yaklaşık 35–40.000 tarihlidir BP, bunu yapmakla birlikte Hohle Fels Venüsü Figüratif sanatın bilinen en eski tartışmasız örneğidir.[21]
Hayatta kalanların çoğu tarih öncesi sanat küçük bir kadın grubu ile küçük taşınabilir heykeller Venüs figürleri benzeri Willendorf Venüsü (24–26,000 BP) orta Avrupa'da bulundu.[22] Yüzme Ren geyiği yaklaşık 13.000 yıl öncesinin en iyilerinden biridir. Magdalenian kemikteki oymalar veya hayvanların boynuzları Üst Paleolitik sanat Bazen heykel olarak sınıflandırılan oyulmuş parçalarla sayıca az olmalarına rağmen.[23] En büyük tarih öncesi heykellerden ikisi, Tuc d'Audobert mağaraları Fransa'da, yaklaşık 12-17.000 yıl önce usta bir heykeltıraş, bir kireçtaşı kayaya karşı killi bir çift büyük bizonu modellemek için spatula benzeri bir taş alet ve parmaklar kullandı.[24]
Başlangıcı ile Mezolitik Avrupa'da figüratif heykel büyük ölçüde azaldı,[25] ve Roma dönemine kadar, sanatta pratik nesnelerin kabartma süslemesinden daha az yaygın bir unsur olarak kaldı. Gundestrup kazanı -den Avrupa Demir Çağı ve Tunç Çağı Trundholm güneş arabası.[26]
Antik Yakın Doğu
İtibaren antik Yakın Doğu, aşırı yaşam boyutlu taş Urfa Adamı modernden Türkiye MÖ 9.000'den geliyor ve Ain Ghazal Heykelleri Yaklaşık 7200 ve 6500 BCE. Bunlar modernden Ürdün kireçli sıva ve kamıştan yapılmış ve yaklaşık yarı gerçek boyutlu; yan yana iki başlı 15 heykel ve 15 büst vardır. Yakın Doğu'nun birçok yerinde küçük kil insan ve hayvan figürleri bulundu. Çömlekçilik Öncesi Neolitik ve bölgede aşağı yukarı devamlı bir geleneğin başlangıcını temsil eder.
Löwenmensch, şuradan Hohlenstein-Stadel şimdi Ulmer Müzesi'nde, Ulm, Almanya bilinen en eski antropomorfik hayvan-insan heykelciği, Aurignacian çağ, c. 35–40,000 BP
Willendorf Venüsü, c. 24,000–26,000 BP
Laussel Venüsü c. 27,000 BP, bir Üst Paleolitik oyma, Bordeaux müzesi, Fransa
Sürünen Sırtlan, c. 12–17,000 BP, mamut fildişi, içinde bulunan La Madeleine, Fransa
Yüzme Ren geyiği c. 13.000 BP, dişi ve erkek ren geyiği yüzüyor - geç Magdalenian dönem, Montastruc, Tarn et Garonne, Fransa'da bulundu
Urfa Adamı, içinde Şanlıurfa Müzesi; kumtaşı, 1.80 metre, yak. MÖ 9.000
Trundholm güneş arabası, belki MÖ 1800–1500; bu taraf yaldızlı diğeri "karanlık".
Antik Yakın Doğu
Protoliterasyon dönemi içinde Mezopotamya hakim Uruk gibi sofistike eserlerin üretimini gördü Warka Vazo ve silindir contalar. Guennol Dişi Aslan olağanüstü bir küçük kireçtaşı şekil Elam yaklaşık 3000-2800 BCE, yarı insan ve yarı dişi aslan.[27] Bir süre sonra tapınağa katılan iri gözlü rahiplerin ve tapanların çoğu kaymaktaşında ve bir ayak yüksekliğine kadar olan figürleri var. kült görüntüler Tanrının bir parçası, ancak bunlardan çok azı hayatta kaldı.[28] Heykeller Sümer ve Akad dönem genellikle büyük, bakan gözlere ve erkeklerde uzun sakallara sahipti. Kraliyet Mezarlığı'nda da birçok şaheser bulundu. Ur (yaklaşık MÖ 2650), bir Çalılıkta Koç, Bakır Boğa ve bir boğa başı Ur Lirleri.[29]
Yükselişinden önceki birçok sonraki dönemden Yeni Asur İmparatorluğu MÖ 10. yüzyılda Mezopotamya sanatı birkaç biçimde varlığını sürdürür: silindir contalar, yuvarlakta nispeten küçük figürler ve ev için ucuz kalıplı çömlek plakaları dahil, bazıları dini, bazıları ise görünüşte olmayan çeşitli boyutlarda kabartmalar.[30] Burney Rölyefi alışılmadık derecede ayrıntılı ve nispeten büyüktür (20 x 15 inç, 50 x 37 cm) pişmiş toprak yırtıcı bir kuşun ayaklarıyla çıplak kanatlı bir tanrıçanın plakası ve görevli baykuşlar ve aslanlar. MÖ 18. veya 19. yüzyıllardan gelir ve ayrıca kalıplanabilir.[31] Taş stel, adak teklifleri veya muhtemelen zaferleri anan ve ziyafetler sergileyenler, daha resmi olanların aksine onları açıklayacak yazıtlardan yoksun olan tapınaklarda bulunur;[32] parça parça Akbabaların Steli yazılı türün erken bir örneğidir,[33] ve Asur III.Salmaneser Siyah Dikilitaşı büyük ve sağlam bir geç olan.[34]
Tüm Mezopotamya'nın ve çevredeki pek çok bölgenin Asurlular tarafından fethi, bölgenin daha önce bildiğinden daha büyük ve daha zengin bir devlet yarattı ve saraylarda ve halka açık yerlerde çok görkemli bir sanat yarattı, kuşkusuz kısmen sanatın ihtişamıyla eşleşmeyi amaçladı. komşu Mısır imparatorluğu. Daha önceki devletlerin aksine, Asurlular Kuzey Irak'tan kolayca oyulmuş taşları kullanabilirlerdi ve bunu büyük miktarda yaptılar. Asurlular aşırı derecede çok ince detaylı anlatımın büyük şemaları alçak kabartmalar saraylar için taştan, savaş veya av sahneleriyle; ingiliz müzesi dahil olmak üzere olağanüstü bir koleksiyona sahiptir Asurbanipal Aslan Avı ve Laki kabartmaları bir kampanya gösteriyor. İnsan başlı devasa koruyucu figürleri dışında, turda çok az heykel ürettiler. Lamassu Dikdörtgen bir bloğun iki tarafında yüksek kabartma olarak oyulmuş, kafaları etkin bir şekilde yuvarlaktır (ve ayrıca beş ayak, böylece her iki görünüm de eksiksiz görünür). Bölgeye hakim olmadan önce bile, genellikle son derece enerjik ve rafine tasarımlarla silindir conta geleneğini sürdürmüşlerdi.[35]
Guennol Dişi Aslan MÖ 3. bin, 3,25 inç (8,3 cm) yükseklik
18'den biri Gudea Heykelleri MÖ 2090 civarında bir hükümdar
Burney Rölyefi, Eski Babil, MÖ 1800 civarında
Bir bölümü Asurbanipal Aslan Avı, c. 640 BCE, Ninova
Antik Mısır
anıtsal heykel Antik Mısır'ın tarihi dünyaca ünlüdür, ancak rafine ve hassas küçük eserler çok daha fazla sayıda mevcuttur. Mısırlılar kendine özgü tekniğini kullandılar. batık yardım, çok parlak güneş ışığına çok uygundur. Kabartmalardaki ana figürler, resimdeki gibi aynı şekil geleneğine bağlıdır, bacakları (oturmadığında) ve yandan gösterilen kafa, ancak önden gövde ve şekli oluşturan standart bir oranlar seti, 18'i kullanarak. yerden saç çizgisine kadar uzanan "yumruklar".[36] Bu, Narmer Paleti Hanedandan I. Bununla birlikte, başka yerlerde olduğu gibi, kongre, tutsaklar ve cesetler gibi bazı faaliyetlerde bulunan küçük figürler için kullanılmaz.[37] Diğer gelenekler erkeklerin heykellerini kadınlardan daha koyu yapar. Oldukça gelenekselleştirilmiş portre heykelleri, MÖ 2.780'den önce, II. Hanedanlığın başından beri ortaya çıkmaktadır.[38] ve hariç Amarna döneminin sanatı nın-nin Ahkenaten,[39] ve diğer Mısır sanatsal gelenekleri gibi, hükümdarların idealize edilmiş özellikleri olan Hanedan XII gibi diğer bazı dönemler, Yunan fethine kadar çok az değişti.[40]
Mısırlı Firavunlar her zaman tanrı olarak kabul edildi, ancak diğer tanrılar, firavunu temsil etmeleri dışında, büyük heykellerde çok daha az yaygındır. gibi başka bir tanrı; ancak diğer tanrılar sıklıkla resim ve kabartmalarda gösterilmektedir. Şehrin dışındaki ünlü dört devasa heykel dizisi Abu Simbel'deki ana tapınak her gösteri Rameses II, tipik bir şema, ancak burada son derece büyük.[41] Küçük tanrı figürleri veya onların hayvan karakterleri çok yaygındır ve çanak çömlek gibi popüler malzemelerde bulunur. Daha büyük heykellerin çoğu günümüzde Mısır tapınakları veya mezarlar; Hanedan IV (2680–2565 BCE) tarafından en geç Ka heykeli sağlam bir şekilde kurulmuştur. Bunlar mezarlara dinlenme yeri olarak konulmuştur. ka ruhun kısmı ve bu yüzden, Mısır'da iklimin bin yıl boyunca ahşabın hayatta kalmasına izin verdiği birkaç yerden biri olduğu için, çoğu ahşaptan yapılmış, hali vakti yerinde idareciler ve eşlerinin daha az gelenekselleşmiş heykellerine sahibiz. Sözde yedek kafalar düz tüysüz kafalar, özellikle natüralisttir. İlk mezarlar ayrıca ölen kişinin öbür dünyada yaşam tarzını sürdürmesi için gerekli olan kölelerin, hayvanların, binaların ve tekneler gibi nesnelerin küçük modellerini içeriyordu ve daha sonra Ushabti rakamlar.[42]
Faks of Narmer Paleti, c. Halihazırda kanonik Mısır profili görünümünü ve şeklin oranlarını gösteren MÖ 3100
Menkaura (Mycerinus) ve kraliçe, Eski Krallık, Hanedan 4, 2490–2472 BCE. Pozun formalitesi kraliçenin kocasının etrafındaki kolu ile azaltılır
Ahşap mezar modelleri, Hanedan XI; yüksek bir yönetici sığırlarını sayar
Genç Memnon c. MÖ 1250, ingiliz müzesi
Osiris bir lapis lazuli ortadaki sütun, çevrili Horus solda ve Isis sağda, 22 hanedanı, Louvre
ka heykeli ka'nın tezahür etmesi için fiziksel bir yer sağladı. Mısır Müzesi, Kahire
Blok heykeli Pa-Ankh-Ra'nın, gemi kaptanı Ptah. Geç Dönem, c. 650–633 BCE, Cabinet des Médailles
Avrupa
Antik Yunan
İlk ayırt edici tarzı antik Yunan heykeli Erken Tunç Çağı'nda geliştirildi Kiklad Genellikle kadın ve küçük mermer figürlerin zarif bir şekilde sadeleştirilmiş geometrik bir tarzda temsil edildiği dönem (M.Ö.3. bin yıl). En tipik olanı, kolların önden çaprazlandığı ayakta duran bir pozdur, ancak diğer figürler, bir sandalyeye oturan karmaşık bir arpçı figürü de dahil olmak üzere farklı pozlarda gösterilir.[43]
Sonraki Minos ve Miken kültürler Suriye'den ve başka yerlerden etkilenerek heykelleri daha da geliştirdiler, ancak daha sonra Arkaik dönem MÖ 650 civarında Kuros gelişmiş. Bunlar tapınaklarda ve mezarlarda bulunan çıplak gençlerin büyük heykelleridir. Kore özenle giydirilmiş saçları olan kıyafetli kadın muadili olarak; ikisinin de "arkaik gülümseme ". Belki de bazen tanrıları temsil eden ve bazen de bir mezara gömülen kişiyi temsil eden bir dizi işlevi yerine getirmiş gibi görünüyorlar. Kroisos Kouros. Mısır ve Suriye tarzlarından açıkça etkileniyorlar, ancak Yunan sanatçılar stil içinde denemeye çok daha hazırdı.
6. yüzyılda Yunan heykeli hızla gelişti, daha doğal hale geldi ve anlatı sahnelerinde çok daha aktif ve çeşitli figür pozlarıyla, yine de idealleştirilmiş gelenekler dahilinde. Heykel alınlıklar eklendi tapınaklar, I dahil ederek Parthenon MÖ 480'de Perslerin yağmalanmasından sonra yeni binalar için dolgu malzemesi olarak kullanıldı ve 1880'lerden sonra taze, havasız durumda kurtarıldı. Diğer önemli mimari heykel kalıntıları Paestum İtalya'da, Korfu, Delphi ve Aphaea Tapınağı içinde Aegina (şimdi çok Münih ).[44] Çoğu Yunan heykelinin orijinalinde en azından biraz renk vardı; Ny Carlsberg Glyptotek Müzesi Kopenhag, Danimarka'da, orijinal renkler üzerinde kapsamlı bir araştırma ve rekreasyon gerçekleştirdi.[45][46]
Kiklad heykeli MÖ 2700-2300. Kadın figüründen baş, H.27 santimetre (11 inç)
Kiklad Kadın Heykelcik, yak. MÖ 2500–2400, 41,5 cm (16,3 inç) yükseklik
Miken, MÖ 1600-1500. Alnında altın boynuzlu ve rozetli gümüş ritton
Canlandırmak New York Kouros, c. 590–580 BCE, Metropolitan Sanat Müzesi
Peplos Kore, c. MÖ 530, Atina, Akropolis Müzesi
Doğu alınlığındaki Geç Arkaik savaşçı Aphaea Tapınağı, c. 500
Amathus lahit, şuradan Amathus, Kıbrıs MÖ 5. yüzyılın 2. çeyreği Arkaik dönem, Metropolitan Sanat Müzesi
Klasik
Klasik dönemin ilk evresine ait daha az orijinal kalıntı vardır ve bunlara genellikle Şiddetli stil; Serbest duran heykeller artık çoğunlukla bronzdan yapıldı ve her zaman hurda değeri vardı. Şiddetli üslup, kabartmalarda yaklaşık 500'den ve heykellerde 480'den hemen sonra yaklaşık 450'ye kadar sürdü. Figürlerin nispeten sert pozları gevşedi ve asimetrik dönüş pozisyonları ve eğik görünümler yaygınlaştı ve kasıtlı olarak arandı. Bu, anatominin daha iyi anlaşılması ve yontulmuş figürlerin uyumlu yapısı ve daha önce bulunmayan bir amaç olarak natüralist temsil arayışı ile birleştirildi. Kazılar Zeus Tapınağı, Olympia since 1829 have revealed the largest group of remains, from about 460, of which many are in the Louvre.[47]
The "High Classical" period lasted only a few decades from about 450 to 400, but has had a momentous influence on art, and retains a special prestige, despite a very restricted number of original survivals. The best known works are the Parthenon Mermerleri, traditionally (since Plutarch ) executed by a team led by the most famous ancient Greek sculptor Phidias, active from about 465–425, who was in his own day more famous for his colossal krizelefantin Olympia'daki Zeus Heykeli (c. 432), one of the Antik Dünyanın Yedi Harikası, onun Athena Parthenos (438), the cult image of the Parthenon, ve Athena Promachos, a colossal bronze figure that stood next to the Parthenon; all of these are lost but are known from many representations. He is also credited as the creator of some life-size bronze statues known only from later copies whose identification is controversial, including the Ludovisi Hermes.[48]
The High Classical style continued to develop realism and sophistication in the human figure, and improved the depiction of drapery (clothes), using it to add to the impact of active poses. Facial expressions were usually very restrained, even in combat scenes. The composition of groups of figures in reliefs and on pediments combined complexity and harmony in a way that had a permanent influence on Western art. Relief could be very high indeed, as in the Parthenon illustration below, where most of the leg of the warrior is completely detached from the background, as were the missing parts; relief this high made sculptures more subject to damage.[49] The Late Classical style developed the free-standing female nude statue, supposedly an innovation of Praxiteles, and developed increasingly complex and subtle poses that were interesting when viewed from a number of angles, as well as more expressive faces; both trends were to be taken much further in the Hellenistic period.[50]
Helenistik
Helenistik dönem is conventionally dated from the death of Büyük İskender in 323 BCE, and ending either with the final conquest of the Greek heartlands by Roma in 146 BCE or with the final defeat of the last remaining successor-state to Alexander's empire after the Actium Savaşı in 31 BCE, which also marks the end of Republican Rome.[51] It is thus much longer than the previous periods, and includes at least two major phases: a "Pergamene" style of experimentation, exuberance and some sentimentality and vulgarity, and in the 2nd century BCE a classicising return to a more austere simplicity and elegance; beyond such generalizations dating is typically very uncertain, especially when only later copies are known, as is usually the case. The initial Pergamene style was not especially associated with Bergama, from which it takes its name, but the very wealthy kings of that state were among the first to collect and also copy Classical sculpture, and also commissioned much new work, including the famous Bergama Sunağı whose sculpture is now mostly in Berlin and which exemplifies the new style, as do the Halikarnas Mozolesi (another of the Seven Wonders), the famous Laocoön and his Sons içinde Vatikan Müzeleri, a late example, and the bronze original of Ölen Galya (illustrated at top), which we know was part of a group actually commissioned for Pergamon in about 228 BCE, from which the Ludovisi Galya was also a copy. The group called the Farnese boğası, possibly a 2nd-century marble original, is still larger and more complex,[52]
Hellenistic sculpture greatly expanded the range of subjects represented, partly as a result of greater general prosperity, and the emergence of a very wealthy class who had large houses decorated with sculpture, although we know that some examples of subjects that seem best suited to the home, such as children with animals, were in fact placed in temples or other public places. For a much more popular home decoration market there were Tanagra figürinler, and those from other centres where small pottery figures were produced on an industrial scale, some religious but others showing animals and elegantly dressed ladies. Sculptors became more technically skilled in representing facial expressions conveying a wide variety of emotions and the portraiture of individuals, as well representing different ages and races. The reliefs from the Mausoleum are rather atypical in that respect; most work was free-standing, and group compositions with several figures to be seen in the round, like the Laocoon and the Pergamon group celebrating victory over the Gauls became popular, having been rare before. Barberini Faun gösteriliyor satir sprawled asleep, presumably after drink, is an example of the moral relaxation of the period, and the readiness to create large and expensive sculptures of subjects that fall short of the heroic.[53]
After the conquests of Alexander Hellenistic culture was dominant in the courts of most of the Near East, and some of Orta Asya, and increasingly being adopted by European elites, especially in Italy, where Yunan kolonileri initially controlled most of the South. Hellenistic art, and artists, spread very widely, and was especially influential in the expanding Roman Republic and when it encountered Buddhism in the easternmost extensions of the Hellenistic area. The massive so-called İskender Lahdi içinde bulunan Sidon in modern Lebanon, was probably made there at the start of the period by expatriate Greek artists for a Hellenized Persian governor.[54] The wealth of the period led to a greatly increased production of luxury forms of small sculpture, including oyulmuş taşlar and cameos, jewellery, and gold and silverware.
Riace Bronzes, very rare bronze figures recovered from the sea, c. 460–430
Hermes ve Bebek Dionysos, possibly an original by Praxiteles 4. yüzyıl
Two elegant ladies, pottery figurines, 350–300
Bronze Statuette of a Horse, late 2nd – 1st century BCE Metropolitan Sanat Müzesi
Semadirek'in Kanatlı Zaferi, c. 190 BCE, Louvre
Venus de Milo, c. 130–100 BCE, Yunan, Louvre
Laocoön and his Sons, Greek, (Late Helenistik ), perhaps a copy, between 200 BCE and 20 CE, Beyaz mermer, Vatikan Müzesi
Leochares, Apollo Belvedere, c. 130–140 CE. Roman copy after a Greek bronze original of 330–320 BCE. Vatikan Müzeleri
Europe after the Greeks
Roma heykeli
Early Roman art was influenced by the art of Greece and that of the neighbouring Etrüskler, themselves greatly influenced by their Greek trading partners. An Etruscan speciality was near life size tomb effigies in pişmiş toprak, usually lying on top of a lahit lid propped up on one elbow in the pose of a diner in that period. As the expanding Roma Cumhuriyeti began to conquer Greek territory, at first in Southern Italy and then the entire Hellenistic world except for the Partiyen far east, official and aristokrat sculpture became largely an extension of the Hellenistic style, from which specifically Roman elements are hard to disentangle, especially as so much Greek sculpture survives only in copies of the Roman period.[55] By the 2nd century BCE, "most of the sculptors working at Rome" were Greek,[56] often enslaved in conquests such as that of Korint (146 BCE), and sculptors continued to be mostly Greeks, often slaves, whose names are very rarely recorded. Vast numbers of Greek statues were imported to Rome, whether as booty or the result of extortion or commerce, and temples were often decorated with re-used Greek works.[57]
A native Italian style can be seen in the tomb monuments, which very often featured portrait busts, of prosperous middle-class Romans, and portre is arguably the main strength of Roman sculpture. There are no survivals from the tradition of masks of ancestors that were worn in processions at the funerals of the great families and otherwise displayed in the home, but many of the busts that survive must represent ancestral figures, perhaps from the large family tombs like the Scipios'un Mezarı or the later mausolea outside the city. The famous bronze head supposedly of Lucius Junius Brutus is very variously dated, but taken as a very rare survival of Italic style under the Republic, in the preferred medium of bronze.[58] Similarly stern and forceful heads are seen on coins of the Late Republic, and in the Imperial period coins as well as busts sent around the Empire to be placed in the bazilikalar of provincial cities were the main visual form of imperial propaganda; hatta Londinium had a near-colossal statue of Nero, though far smaller than the 30-metre-high Colossus of Nero in Rome, now lost.[59]
The Romans did not generally attempt to compete with free-standing Greek works of heroic exploits from history or mythology, but from early on produced historical works in relief, culminating in the great Roman triumphal columns with continuous narrative reliefs winding around them, of which those commemorating Trajan (CE 113) and Marcus Aurelius (by 193) survive in Rome, where the Ara Pacis ("Altar of Peace", 13 BCE) represents the official Greco-Roman style at its most classical and refined. Among other major examples are the earlier re-used reliefs on the Konstantin Kemeri ve temeli Antoninus Pius Sütunu (161),[60] Campana reliefs were cheaper pottery versions of marble reliefs and the taste for relief was from the imperial period expanded to the sarcophagus. All forms of luxury small sculpture continued to be patronized, and quality could be extremely high, as in the silver Warren Kupası, bardak Likurgus Kupası, and large cameos like the Gemma Augustea, Gonzaga Cameo ve "Fransa'nın Büyük Cameo ".[61] For a much wider section of the population, moulded relief decoration of pottery vessels and small figurines were produced in great quantity and often considerable quality.[62]
After moving through a late 2nd-century "baroque" phase,[63] in the 3rd century, Roman art largely abandoned, or simply became unable to produce, sculpture in the classical tradition, a change whose causes remain much discussed. Even the most important imperial monuments now showed stumpy, large-eyed figures in a harsh frontal style, in simple compositions emphasizing power at the expense of grace. The contrast is famously illustrated in the Konstantin Kemeri of 315 in Rome, which combines sections in the new style with yuvarlaklar in the earlier full Greco-Roman style taken from elsewhere, and the Four Tetrarchs (c. 305) from the new capital of İstanbul, now in Venice. Ernst Kitzinger found in both monuments the same "stubby proportions, angular movements, an ordering of parts through symmetry and repetition and a rendering of features and drapery folds through incisions rather than modelling... The hallmark of the style wherever it appears consists of an emphatic hardness, heaviness and angularity—in short, an almost complete rejection of the classical tradition".[64]
This revolution in style shortly preceded the period in which Hıristiyanlık was adopted by the Roman state and the great majority of the people, leading to the end of large religious sculpture, with large statues now only used for emperors. However, rich Christians continued to commission reliefs for sarcophagi, as in the Junius Bassus'un Lahdi, and very small sculpture, especially in ivory, was continued by Christians, building on the style of the consular diptych.[65]
"Capitoline Brutus ", dated to the 3rd or 1st century BCE
Prima Porta'nın Augustus'u, statue of the emperor Augustus, 1st century CE. Vatikan Müzeleri
Tomb relief of the Decii, 98–117 CE
Büstü İmparator Claudius, c. 50 CE, (reworked from a bust of emperor Caligula ), It was found in the so-called Otricoli basilica in Lanuvium İtalya, Vatikan Müzeleri
Dört Tetrark, c. 305, showing the new anti-classical style, in porfir şimdi San Marco, Venice
cameo gem olarak bilinir "Fransa'nın Büyük Cameo ", c. 23 CE, with an alegori nın-nin Augustus ve onun ailesi
Early Medieval and Byzantine
Erken Hıristiyanlar were opposed to monumental religious sculpture, though continuing Roman traditions in portrait busts and lahit reliefs, as well as smaller objects such as the consular diptych. Such objects, often in valuable materials, were also the main sculptural traditions (as far as is known) of the barbaric civilizations of Göç dönemi, as seen in the objects found in the 6th-century burial treasure at Sutton Hoo, and the jewellery of Scythian art and the hybrid Christian and animal style yapımları Insular sanatı. Following the continuing Byzantine tradition, Karolenj sanatı revived ivory carving, often in panels for the treasure bindings of grand ışıklı el yazmaları, Hem de Crozier heads and other small fittings.
Bizans sanatı, though producing superb ivory reliefs and architectural decorative carving, never returned to monumental sculpture, or even much small sculpture in the round.[66] However, in the West during the Karolenj ve Ottoniyen periods there was the beginnings of a production of monumental statues, in courts and major churches. This gradually spread; by the late 10th and 11th century there are records of several apparently life-size sculptures in Anglosakson churches, probably of precious metal around a wooden frame, like the Essen'in Altın Madonna. No Anglo-Saxon example has survived,[67] and survivals of large non-architectural sculpture from before 1,000 are exceptionally rare. Much the finest is the Gero Cross, of 965–970, which is a haç, which was evidently the commonest type of sculpture; Şarlman had set one up in the Aachen'deki Palatine Şapeli around 800. These continued to grow in popularity, especially in Germany and Italy. rune stones of İskandinav world, the Pikt taşı of Scotland and possibly the yüksek çapraz reliefs of Christian Great Britain, were northern sculptural traditions that bridged the period of Christianization.
Archangel Ivory, 525–550, İstanbul
Geç Karolenj ivory panel, probably meant for a book-cover
Harbaville Triptych, Bizans fildişi, mid-10th century
Romanesk
From about 1000 there was a general rebirth of artistic production in all Europe, led by general economic growth in production and commerce, and the new style of Romanesk sanat was the first medieval style to be used in the whole of Western Europe. The new cathedrals and pilgrim's churches were increasingly decorated with architectural stone reliefs, and new focuses for sculpture developed, such as the kulak zarı over church doors in the 12th century, and the inhabited Başkent with figures and often narrative scenes. Outstanding abbey churches with sculpture include in France Vézelay ve Moissac and in Spain Silolar.[68]
Romanesque art was characterised by a very vigorous style in both sculpture and painting. The capitals of columns were never more exciting than in this period, when they were often carved with complete scenes with several figures.[69] Büyük ahşap haç was a German innovation right at the start of the period, as were free-standing statues of the enthroned Madonna, but the yüksek rahatlama was above all the sculptural mode of the period. Compositions usually had little depth, and needed to be flexible to squeeze themselves into the shapes of capitals, and church typanums; the tension between a tightly enclosing frame, from which the composition sometimes escapes, is a recurrent theme in Romanesque art. Figures still often varied in size in relation to their importance portraiture hardly existed.
Objects in precious materials such as ivory and metal had a very high status in the period, much more so than monumental sculpture — we know the names of more makers of these than painters, illuminators or architect-masons. Metalwork, including decoration in emaye, became very sophisticated, and many spectacular shrines made to hold relics have survived, of which the best known is the Shrine of the Three Kings at Cologne Cathedral tarafından Verdun Nicholas. The bronze Gloucester candlestick ve brass font of 1108–17 now in Liège are superb examples, very different in style, of metal casting, the former highly intricate and energetic, drawing on manuscript painting, while the font shows the Mosan style at its most classical and majestic. The bronze doors, a triumphal column and other fittings at Hildesheim Katedrali, Gniezno Kapılar, and the doors of the Basilica di San Zeno içinde Verona are other substantial survivals. aquamanile, a container for water to wash with, appears to have been introduced to Europe in the 11th century, and often took fantastic zoomorfik formlar; surviving examples are mostly in brass. Many wax impressions from impressive seals survive on charters and documents, although Romanesque coins are generally not of great aesthetic interest.[70]
Cloisters Cross is an unusually large fildişi haç, with complex carving including many figures of peygamberler and others, which has been attributed to one of the relatively few artists whose name is known, Master Hugo, who also illuminated manuscripts. Like many pieces it was originally partly coloured. Lewis satranç figürleri are well-preserved examples of small ivories, of which many pieces or fragments remain from croziers, plaques, pektoral haçlar and similar objects.
The tympanum of Vézelay Manastırı, Bordo, France, 1130s
Facade, Katedrali Ourense 1160, Spain
Pórtico da Gloria, Santiago de Compostela Katedrali, Galicia, İspanya, yak. 12. – 13. yüzyıllar
Gotik
The Gothic period is essentially defined by Gotik mimari, and does not entirely fit with the development of style in sculpture in either its start or finish. The facades of large churches, especially around doors, continued to have large typanums, but also rows of sculpted figures spreading around them. The statues on the Western (Royal) Portal at Chartres Katedrali (c. 1145) show an elegant but exaggerated columnar elongation, but those on the south transept portal, from 1215 to 1220, show a more naturalistic style and increasing detachment from the wall behind, and some awareness of the classical tradition. These trends were continued in the west portal at Reims Katedrali of a few years later, where the figures are almost in the round, as became usual as Gothic spread across Europe.[71]
İtalya'da Nicola Pisano (1258–1278) and his son Giovanni developed a style that is often called Proto-Rönesans, with unmistakable influence from Roman sarcophagi and sophisticated and crowded compositions, including a sympathetic handling of nudity, in relief panels on their pulpit of Siena Cathedral (1265–68), Fontana Maggiore içinde Perugia, and Giovanni's pulpit in Pistoia of 1301.[72] Another revival of classical style is seen in the Uluslararası Gotik işi Claus Sluter and his followers in Bordo ve Flanders 1400 civarı.[73] Late Gothic sculpture continued in the North, with a fashion for very large wooden sculpted altarpieces with increasingly virtuoso carving and large numbers agitated expressive figures; most surviving examples are in Germany, after much iconoclasm elsewhere. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss and others continued the style well into the 16th century, gradually absorbing Italian Renaissance influences.[74]
Life-size tomb effigies in stone or kaymaktaşı became popular for the wealthy, and grand multi-level tombs evolved, with the Scaliger Mezarları nın-nin Verona so large they had to be moved outside the church. By the 15th century there was an industry exporting Nottingham kaymaktaşı altar reliefs in groups of panels over much of Europe for economical parishes who could not afford stone retables.[75] Small carvings, for a mainly lay and often female market, became a considerable industry in Paris and some other centres. Types of ivories included small devotional Poliptikler, single figures, especially of the Virgin, mirror-cases, combs, and elaborate caskets with scenes from Romances, used as engagement presents.[76] The very wealthy collected extravagantly elaborate jewelled and enamelled metalwork, both secular and religious, like the Duc de Berry 's Holy Thorn Reliquary, until they ran short of money, when they were melted down again for cash.[77]
West portal of Chartres Katedrali (c. 1145)
South portal of Chartres Katedrali (c. 1215–1220)
West portal at Reims Katedrali, Duyuru grup
Nicola Pisano, Doğuş ve magi'nin hayranlığı from the pulpit of the Pisa Vaftizhanesi
Bamberg Süvari 1237, near life-size stone binicilik heykeli, the first of this kind since antik dönem.
Lid of the Walters Casket, ile Aşk Kalesi Kuşatması solda ve mızrak dövüşü. Paris, 1330–1350
Aşk Kalesi Kuşatması bir ayna kasasında Louvre, 1350–1370; bayanlar kaybediyor.
Orta Almanca Meryemana resmi, 1330–1340
Claus Sluter, David ve bir peygamber -den Well of Moses
Bankası Holy Thorn Reliquary, bir Ölülerin Dirilişi in gold, enamel and gems
Section of a panelled altarpiece with Mesih'in Dirilişi, English, 1450–1490, Nottingham kaymaktaşı with remains of colour
Detay Geçen akşam yemeği itibaren Tilman Riemenschneider 's Altar of the Holy Blood, 1501–1505, Rothenburg ob der Tauber, Bavyera
Rönesans
Renaissance sculpture proper is often taken to begin with the famous competition for the doors of the Floransa Vaftizhanesi in 1403, from which the trial models submitted by the winner, Lorenzo Ghiberti, ve Filippo Brunelleschi hayatta kalmak. Ghiberti's doors are still in place, but were undoubtedly eclipsed by his second pair for the other entrance, the so-called Cennet Kapıları, which took him from 1425 to 1452, and are dazzlingly confident classicizing compositions with varied depths of relief allowing extensive backgrounds.[78] The intervening years had seen Ghiberti's early assistant Donatello develop with seminal statues including his Davids in marble (1408–09) and bronze (1440s), and his Equestrian statue of Gattamelata, as well as reliefs.[79] A leading figure in the later period was Andrea del Verrocchio, en çok onun için bilinir binicilik heykeli nın-nin Bartolomeo Colleoni in Venice;[80] his pupil Leonardo da Vinci designed an equine sculpture in 1482 At için Milan -but only succeeded in making a 24-foot (7.3 m) clay model which was destroyed by French archers in 1499, and his other ambitious sculptural plans were never completed.[81]
The period was marked by a great increase in patronage of sculpture by the state for public art and by the wealthy for their homes; especially in Italy, public sculpture remains a crucial element in the appearance of historic city centres. Church sculpture mostly moved inside just as outside public monuments became common. Portrait sculpture, usually in busts, became popular in Italy around 1450, with the Napoliten Francesco Laurana specializing in young women in meditative poses, while Antonio Rossellino and others more often depicted knobbly-faced men of affairs, but also young children.[82] Portre madalya tarafından icat edildi Pisanello also often depicted women; Rahatlama plaketler were another new small form of sculpture in cast metal.
Michelangelo was an active sculptor from about 1500 to 1520, and his great masterpieces including his David, Meryemana resmi, Musa, and pieces for the Tomb of Pope Julius II ve Medici Şapeli could not be ignored by subsequent sculptors. His iconic David (1504) has a Contrapposto pose, borrowed from classical sculpture. It differs from previous representations of the subject in that David is depicted before his battle with Goliath and not after the giant's defeat. Instead of being shown victorious, as Donatello and Verocchio had done, David looks tense and battle ready.[83]
Lorenzo Ghiberti, panel of the İshak'ın kurbanı -den Floransa Vaftizhanesi doors; oblique view here
Luca della Robbia detay Cantoria, c. 1438, Museo dell'Opera del Duomo, Floransa
Donatello, David c. 1440s, Bargello Museum, Floransa
Donatello, Judith ve Holofernes, c. 1460, Palazzo Vecchio, Floransa
Francesco Laurana, female bust (cast)
Verrocchio, Şüphe eden Thomas, 1467–1483, Orsanmichele, Floransa
Michelangelo, David, c. 1504, Galleria dell'Accademia, Floransa
Michelangelo, Dying Slave, c. 1513–1516
Maniyerist
As in painting, early Italian Maniyerist sculpture was very largely an attempt to find an original style that would top the achievement of the Yüksek Rönesans, which in sculpture essentially meant Michelangelo, and much of the struggle to achieve this was played out in commissions to fill other places in the Piazza della Signoria in Florence, next to Michelangelo's David. Baccio Bandinelli took over the project of Herkül ve Cacus from the master himself, but it was little more popular than it is now, and maliciously compared by Benvenuto Cellini to "a sack of melons", though it had a long-lasting effect in apparently introducing relief panels on the kaide of statues. Like other works of his and other Mannerists it removes far more of the original block than Michelangelo would have done.[84] Cellini's bronze Perseus with the head of Medusa is certainly a masterpiece, designed with eight angles of view, another Mannerist characteristic, but is indeed mannered compared to the Davids of Michelangelo and Donatello.[85] Originally a goldsmith, his famous gold and enamel Salt Cellar (1543) was his first sculpture, and shows his talent at its best.[86] As these examples show, the period extended the range of secular subjects for large works beyond portraits, with mythological figures especially favoured; previously these had mostly been found in small works.
Small bronze figures for collector's dolaplar, often mythological subjects with nudes, were a popular Renaissance form at which Giambologna, aslında Flaman but based in Florence, excelled in the later part of the century, also creating life-size sculptures, of which two joined the collection in the Piazza della Signoria. He and his followers devised elegant elongated examples of the Figura serpentinata, often of two intertwined figures, that were interesting from all angles.[87]
Sıva açık kapı -de Fontainebleau, muhtemelen tasarlayan Primaticcio, who painted the oval inset, 1530s or 1540s
Benvenuto Cellini, Perseus with the head of Medusa, 1545–1554
Giambologna, Samson Bir Filistinliyi Öldürüyor, about 1562
Giambologna, Sabine Kadınlarına Tecavüz, 1583, Florence, Italy, 13' 6" (4.1 m) high, mermer
Baroque and Rococo
In Baroque sculpture, groups of figures assumed new importance, and there was a dynamic movement and energy of human forms— they spiralled around an empty central vortex, or reached outwards into the surrounding space. Baroque sculpture often had multiple ideal viewing angles, and reflected a general continuation of the Renaissance move away from the relief to sculpture created in the round, and designed to be placed in the middle of a large space—elaborate fountains such as Bernini's Fontana dei Quattro Fiumi (Rome, 1651), or those in the Versailles Bahçeleri were a Baroque speciality. Barok style was perfectly suited to sculpture, with Gian Lorenzo Bernini the dominating figure of the age in works such as The Ecstasy of St Theresa (1647–1652).[88] Much Baroque sculpture added extra-sculptural elements, for example, concealed lighting, or water fountains, or fused sculpture and architecture to create a transformative experience for the viewer. Artists saw themselves as in the classical tradition, but admired Helenistik and later Roman sculpture, rather than that of the more "Classical" periods as they are seen today.[89]
Protestan reformu brought an almost total stop to religious sculpture in much of Northern Europe, and though secular sculpture, especially for portrait busts and mezar anıtları, continued, the Hollanda Altın Çağı has no significant sculptural component outside goldsmithing.[90] Partly in direct reaction, sculpture was as prominent in Roma Katolikliği as in the late Middle Ages. Statues of rulers and the nobility became increasingly popular. In the 18th century much sculpture continued on Baroque lines—the Trevi Çeşmesi was only completed in 1762. Rokoko stil daha küçük işler için daha uygundu ve tartışmasız ideal heykel biçimini erken Avrupa porselenleri, and interior decorative schemes in wood or plaster such as those in French domestic interiors and Austrian and Bavarian pilgrimage churches.[91]
Büstü Louis XIV, 1686, yazan Antoine Coysevox
Saint Veronica by Francesco Mochi (1640), Aziz Petrus Bazilikası
Pierre Paul Puget, Perseus ve Andromeda, 1715, Louvre Müzesi
Neo-Klasik
Neoklasik tarz that arrived in the late 18th century gave great emphasis to sculpture. Jean-Antoine Houdon exemplifies the penetrating portrait sculpture the style could produce, and Antonio Canova 's nudes the idealist aspect of the movement. The Neoclassical period was one of the great ages of public sculpture, though its "classical" prototypes were more likely to be Roman copies of Hellenistic sculptures. In sculpture, the most familiar representatives are the Italian Antonio Canova İngiliz John Flaxman and the Dane Bertel Thorvaldsen. The European neoclassical manner also took hold in the United States, where its pinnacle occurred somewhat later and is exemplified in the sculptures of Hiram Powers.
Jean-Antoine Houdon, Büstü Benjamin Franklin, 1778, Metropolitan Sanat Müzesi
John Flaxman, Memorial in the church at Porsuk, Shropshire, c. 1780'ler
Asya
Greco-Buddhist sculpture and Asia
Greko-Budist sanatı sanatsal tezahürü Greko-Budizm kültürel senkretizm arasında Klasik Yunanca kültür ve Budizm, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the Büyük İskender'in fetihleri in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as Apsaras. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Korint başkenti appearing.[92]
The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Greko-Bactrian krallığı (250–130 BCE), located in today's Afganistan, from which Hellenistic culture radiated into the Hint Yarımadası with the establishment of the small Hint-Yunan krallığı (180–10 BCE). Altında Hint-Yunanlılar ve sonra Kuşanlar, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Gandhara, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Mathura ve sonra Hindu sanatı Gupta imparatorluğu, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Orta Asya, sanatını güçlü bir şekilde etkileyen Tarım Havzası ve Dunhuang Caves, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.[93]
Gandhara frizi adanmışlarla muz tamamen Helenistik tarzda yapraklar Korint sütunları, 1st–2nd century CE. Buner, Swat, Pakistan. Victoria ve Albert Müzesi
Sikke Baktriya Kralı I. Demetrius MÖ 200-180 civarında hüküm süren ve Kuzey Hindistan'ı işgal eden
Sıva Bir kez boyanmış Buda kafası Hadda, Afganistan, 3. – 4. yüzyıllar
Gandhara Poseidon (Eski Şark Müzesi )
Bamiyan'ın Uzun Buda'sı, c. 547 CE, 1963'te ve 2008'de, Mart 2001'de Taliban
Çin
Çin ritüel bronzları -den Shang ve Batı Zhou Hanedanları bin yıldan fazla bir süredir c. MÖ 1500 ve üzerinde sürekli bir etkiye sahip Çin sanatı. Karmaşık desenli ve zoomorfik dekorasyon, ancak yakın zamanda keşfedilen devasa figürlerin aksine insan figüründen kaçının Sanxingdui.[94] Olağan üstü Terracotta Ordusu mezarı için toplandı Qin Shi Huang MÖ 221'den 210'a kadar birleşik bir Çin'in ilk imparatoru, ölenlerin ölümden sonraki yaşamda yaşarken olduğu gibi aynı yaşam tarzından zevk almasını sağlamak için uzun süredir mezarlara yerleştirilen figürlerin büyük bir imparatorluk versiyonu olarak, çok erken dönemlerin gerçek fedakarlıklarının yerini aldı. Çanak çömlek veya ahşaptan daha küçük figürler, yüzyıllar sonra mezarlara yerleştirildi ve kalite zirvesine ulaştı. Tang hanedanı mezar figürleri.[95] Alışılmadık derecede büyük çanak çömlek figürleri geleneği Tang aracılığıyla Çin'de devam etti. Sancai yakın yaşam boyu seti gibi daha sonraki Budist heykellerine mezar figürleri Yixian sırlı seramik luohans ve daha sonra tapınaklar ve mezarlar için figürler. Bunlar daha önceki ahşap eşdeğerlerinin yerini almaya geldi.
Yerli Çin dinleri genellikle tanrıların kült imgelerini kullanmazlar, hatta onları temsil etmezler ve büyük dini heykel neredeyse tamamı Budisttir, çoğunlukla 4. yüzyıldan 14. yüzyıla tarihlenir ve başlangıçta Greko-Budist modelleri kullanır. İpek yolu. Budizm aynı zamanda tüm büyük portre heykellerinin bağlamıdır; diğer bazı bölgelerin tamamen aksine, ortaçağ Çin'inde imparatorun boyalı resimleri bile özel olarak kabul edildi. İmparatorluk mezarları, Mısır'a uygun bir ölçekte gerçek ve mitolojik hayvanlarla kaplı muhteşem yaklaşım yollarına sahiptir ve daha küçük versiyonlar tapınakları ve sarayları süslemektedir.[96]
Küçük Budist figürleri ve grupları bir dizi medyada çok yüksek kalitede üretildi,[97] başta metal işçiliği olmak üzere her türlü nesnenin kabartma bezemesinde olduğu gibi yeşim.[98] Daha önceki dönemlerde hac mağara komplekslerinde ve dışarıda olduğu gibi canlı kayalardan büyük miktarlarda heykeller kesilmiştir. kaya kabartmaları. Bunlar çoğunlukla orijinal olarak boyanmıştır. Dikkate değer bir tezat olarak Literati ressamlar, her türden heykeltıraş zanaatkar olarak kabul edildi ve çok az isim kaydedildi.[99] İtibaren Ming Hanedanı daha sonra, dini ve laik figürlerin heykelcikleri, Çin porselenleri ve önemli bir ihracat haline gelen diğer medya.
Bronz ding geç Shang Hanedanı (MÖ 13. yüzyıl - 10. yüzyıl)
Ruhunu korumak veya yönlendirmek için genellikle mezar kapılarının içine yerleştirilen mezar koruyucusu, Savaşan Devletler dönemi, c. MÖ 3. yüzyıl
Calvalryman'ı Terracotta Ordusu, Qin hanedanı, c. MÖ 3. yüzyıl
Kartal başlı altın geyik ve boynuzlarda on tane daha kafa. Sibirya Altay dağının sanatından esinlenen bir nesne, muhtemelen Pazyryk, Nalinggaotu sahasında ortaya çıkarıldı, Shenmu İlçe, yakın Xi'an, Çin.[100] Muhtemelen "Kuzey Çin'deki kırlarda yaşayan Hun halkından". MÖ 4.-3. Yüzyıla tarihlenen,[100] veya Han Hanedanı dönem.[101] Shaanxi Tarih Müzesi.[101]
Dans eden kızın mezar figürü, Han Hanedanı (MÖ 202 - CE 220)
Bronz deniz kabuğu konteyner ile yaks, itibaren Dian Kingdom (MÖ 4. yüzyıl - MÖ 109) Batı Han
Kuzey Wei hanedanı Maitreya (386–534)
Tang hanedanı mezar figürü içinde Sancai sır çanak çömlek, at ve damat (618–907)
Oturmuş Buda, Tang hanedanı c. 650.
Leshan Dev Buda, Tang hanedanı, 803'te tamamlandı.
Ahşap Bodhisattva -den Song hanedanı (960–1279)
Çin yeşim Ejderha Saplı Kupa, Song hanedanı, 12. yüzyıl
Guanyin Bodhisattva içinde Blanc de Chine (Dehua porselen), tarafından O Chaozong, Ming Hanedanı 17. yüzyılın başları
Piposuyla bir adamın mavi sıraltı heykeli, Jingdezhen porselen, Ming Wanli dönemi (1573–1620)
Bir Çinli koruyucu aslan dışarıda Yonghe Tapınağı, Pekin, Qing hanedanı, c. 1694
Japonya
Uzunluğun sonuna doğru Neolitik Jōmon dönemi, biraz çanak çömlek kapları sadece heykelsi denebilecek abartılı uzantılara sahip "alev çerçeveli",[102] ve çok stilize seramikler köpek figürler üretildi ve çoğu karakteristik "kar gözlüğü" gözlere sahipti. MS 3. - 6. yüzyıl Kofun döneminde, Haniwa basit bir tarzda pişmiş toprak insan ve hayvan figürleri önemli mezarların dışına dikilmiştir. Budizm'in 6. yüzyılda gelişi, Kore aracılığıyla aracılık edilen Çin stillerini, heykeltraşlıkta sofistike gelenekleri beraberinde getirdi. 7. yüzyıl Hōryū-ji ve içeriği, bugüne kadarki Doğu Asya Budist tapınaklarından daha sağlam bir şekilde ayakta kalmıştır. Shaka Trinity 623'te bronz, iki bodhisattva ile çevrili tarihi Buda'yı ve ayrıca Dört Yönün Koruyucu Kralları.[103]
Sakyamuni'nin, "tarihi" Buda'nın ahşap görüntüsü (9. yüzyıl), ikinci bir binada kutsaldır. Murō-ji, erken dönem için tipiktir Heian hompa-shiki (yuvarlanan dalga) stilinde oyulmuş kalın perdelik kıvrımlarla kaplı ağır gövdesi ve yalın, geri çekilmiş yüz ifadesiyle heykel. Kei Okulu heykeltıraşların, özellikle Unkei, yeni ve daha gerçekçi bir heykel stili yarattı.
Japonya'daki hemen hemen tüm önemli büyük heykeller Budist'ti, bazıları Şinto Muadiller ve Budizm 15. yüzyılda Japonya'da geriledikten sonra, anıtsal heykel büyük ölçüde mimari dekorasyon haline geldi ve daha az önemli hale geldi.[104] Bununla birlikte, dekoratif sanatlardaki heykelsi çalışma, göze çarpan bir teknik başarı seviyesine ve küçük nesnelerde arıtma seviyesine geliştirildi. giriş ve Netsuke birçok malzemede ve metalde Tosogu veya Japon kılıç montajları. 19. yüzyılda aşırı virtüözlü küçük bronz heykeller, fildişi ve porselen figürinler ve diğer küçük heykel türleri ihracat endüstrileri vardı ve bu da teknik başarıyı giderek daha fazla vurguluyordu.
Köpekū "kar gözlüğü" gözlü, MÖ 1000-400
6. yüzyıl Haniwa şekil
Kongo Rishiki (Koruyucu Tanrı) Merkez Kapısı'nda Hōryū-ji
Rahip Ganjin (Jianzhen), Nara dönemi, 8. yüzyıl
Dainichi Nyorai tarafından Unkei, 1176, Enjō-ji
Tsuba 1670 ile 1744 yılları arasında "Sonbahar Ayını Gören Tavşan" ile kılıç, bronz, altın ve gümüş
Izumiya Tomotada, Netsuke köpek şeklinde, 18. yüzyılın sonları
Suzuki Chokichi tarafından kartal, 1892, Tokyo Ulusal Müzesi
Yamada Chōzaburō, Rüzgar tanrısı içinde repoussé demir, c. 1915
Hindistan
Bilinen ilk Hint yarımadasındaki heykel dan Indus vadisi uygarlığı (3300–1700 BCE), şu sitelerde bulundu: Mohenjo-daro ve Harappa günümüzde Pakistan. Bunlara ünlü küçük bronz kadın dansçı da dahildir. Bununla birlikte, bronz ve taştan bu tür figürler nadirdir ve çanak çömlek figürinleri ve taş mühürlerle, çoğu zaman çok ince tasvir edilen hayvanların veya tanrıların sayıca üstündedir. İndus Vadisi medeniyetinin çöküşünden sonra, Budist dönemine kadar, (biraz tartışmalı olarak) c'nin bakır figürlerinden oluşan bir istif dışında, çok az heykel kaydı vardır. MÖ 1500 Daimabad.[105] Böylelikle, diğer kültürlere göre büyük Hint anıtsal heykel geleneği başladı ve Hint uygarlığının gelişmesi nispeten geç, hükümdarlığı ile Asoka MÖ 270'den 232'ye ve Ashoka Sütunları Hindistan'ın etrafında dikildi, fermanlarını taşıdı ve üstünde altı tanesi hayatta kalan, çoğu aslan olan ünlü hayvan heykelleri vardı.[106] Çoğunlukla kabartma olan büyük miktarda figüratif heykel, her şeyden önce Erken Budist hac stupalarından günümüze ulaşmıştır. Sanchi; bunlar muhtemelen aynı zamanda benimseyen ahşap kullanılarak bir gelenekten gelişmiştir. Hinduizm.[107]
Pembe kumtaşı Hindu, Jain ve Budist heykelleri Mathura 1. yüzyıldan 3. yüzyıla kadar CE, hem yerli Hint geleneklerini hem de Gandhara'nın Greko-Budist sanatı aracılığıyla alınan Batı etkilerini yansıttı ve sonraki Hint dini heykelinin temelini etkili bir şekilde oluşturdu.[107] Stil geliştirildi ve Hindistan'ın çoğunda yayıldı. Gupta İmparatorluğu (c. 320–550) Hint heykeltıraşlığı için "klasik" bir dönem olarak kalır ve daha önceki dönemleri de kapsar. Ellora Mağaraları,[108] rağmen Elephanta Mağaraları muhtemelen biraz daha geç.[109] Daha sonra büyük ölçekli heykeller neredeyse tamamen dindar ve genellikle muhafazakar kalır, apsaras ve apsaralar gibi görevli ruhlar olsa da, genellikle tanrılar için basit önden ayakta durma pozlarına geri döner. Yakshi genellikle duyusal bir şekilde kıvrımlı pozlar var. Oyma, genellikle yüksek rölyefte ana figürün arkasındaki karmaşık bir destekle oldukça ayrıntılıdır. Ünlü bronzları Chola Güney Hindistan'dan gelen hanedan (yaklaşık 850–1250), çoğu geçit törenlerinde taşınmak üzere tasarlanmış, ikonik biçimi Shiva gibi Nataraja,[110] büyük granit oymalarla Mahabalipuram öncekinden kalma Pallava hanedan.[111]
Dans eden kız Mohenjo Daro ", MÖ 3. bin (kopya)
Ashoka Sütunu, Vaishali, Bihar, c. MÖ 250
Dan Buddha Sarnath, MS 5-6. Yüzyıl
Devasa Trimurti -de Elephanta Mağaraları
Kaya tapınakları Ellora
Jain türbe ile Rishabhanatha, Parshvanatha, Neminatha, ve Mahavira 6. yüzyıl
Hindu, Chola dönem, 1000
Tipik ortaçağ ön ayakta heykeli Vishnu, 950–1150
Khajuraho tapınak şakak .. mabet
Gopuram of Thillai Nataraja Tapınağı, Chidambaram, Tamil Nadu sıralar halinde boyanmış heykellerle dolu
Sri Jalagandeeswarar Tapınağı, Vellore, Tamil Nadu Mandapam girişinde Guardian Heykeli
Güneydoğu Asya
Bölgenin heykelleri, Hindu ve Budistlerin büyük anıtlarında görüldüğü gibi, yüksek derecede süsleme ile karakterize olma eğilimindedir. Khmer heykeli (9. - 13. yüzyıllar) Angkor Wat ve başka yerlerde, muazzam 9. yüzyıl Budist kompleksi Borobudur içinde Java ve Hindu anıtları Bali.[112] Bunların her ikisinde de birçok rölyef ve turda figürler bulunmaktadır; Borobudur, 2.672 rölyef paneline, 504 Buda heykeline sahiptir, çoğu açık işçilikte yarı gizlenmiştir. stupalar ve birçok büyük koruyucu figür.
Tayland ve Laos'ta heykel ağırlıklı olarak Buda görüntüleri genellikle yaldızlı, hem tapınaklar ve manastırlar için büyük, hem de özel evler için küçük figürinler. Geleneksel heykel Myanmar önce ortaya çıktı Bagan dönemi. Bölgenin başka yerlerinde olduğu gibi, Bagan ve Ava dönemlerine ait ahşap heykellerin çoğu kaybolmuştur.
Geleneksel Anitist Filipinler'den gelen heykeller, kullanılan aracı ve ilgili kültürü yansıtan Anitist tasarımların hakimiyetindedir ve bu tür heykellerin genellikle yerleştirildiği ortamlar tarafından vurgulanmaktadır. Filipinler'den Hristiyan ve İslami heykeller, başka yerlerdeki diğer Hristiyan ve İslami heykellere kıyasla farklı motiflere sahiptir. Daha sonraki dönemlerde Çin etkisi Vietnam, Laos ve Kamboçya'da baskın hale geldi ve bölgenin dört bir yanından daha fazla ahşap heykel hayatta kaldı.
Biri Anitist Maitum antropomorfik seramik dan Sarangani, Filipinler c. 5 BC-370 AD
Bronz Avalokiteshvara gövde Chaiya, Güney Tayland, Srivijayan sanat, c. 8. yüzyıl
Bronz Avalokiteshvara itibaren Bidor, Perak, Malezya, c. 8-9. Yüzyıl
Anitist Agusan resmi Agusan del Sur, Filipinler, 9-10. yüzyıl
Vishnu Kaynak Prasat Rup Arak, Kulen, Khmer sanatı, Kamboçya, c. 800–875
Başı Jayavarman VII, Khmer sanatı, Kamboçya, c. 12. yüzyılın sonları
Buda içeride Ananda Tapınağı, Bagan, Myanmar, c. 1105
Prajnaparamita Singhasari Sanat, Doğu Java, Endonezya, yak. 13. yüzyıl
İslami bir heykeltıraş Buraq, güney Filipinler
Phra Achana, Wat Si Chum, Big Buddha görüntüsü Sukhothai, Tayland, c. 14. yüzyıl
"Buda dünyayı tanık olmaya çağırıyor", Buda'nın elleri bhūmisparsa mudrā (Māra'yı bastırarak) pozisyonu. Ho Phra Kaeo tapınağı, Vientiane, Laos
İslâm
İslâm dır-dir ünlü anikonik bu nedenle heykelin büyük çoğunluğu arabesk bitkisel motiflere dayalı, ancak geometrik soyut formlara eğilimli kabartma veya delikli süslemeler. Çok erken Mshatta Cephe (740'lar), şimdi çoğunlukla Berlin yüksek kabartmalı yoğun arabeskler içinde hayvanlar vardır ve çoğunlukla alçak kabartmalı hayvan ve erkek figürleri, metal işçiliği, fildişi ve seramik dahil olmak üzere çeşitli malzemelerdeki birçok sonraki parçada bezeme ile birlikte bulunur.[113]
Yuvarlaktaki hayvan figürleri, nesne açıkça pratikse, özel bağlamlarda kullanılan eserler için genellikle kabul edilebilirdi, bu nedenle ortaçağ İslam sanatı, Aquamaniles, tütsü meşhur olanı destekleyen taş aslanlarda olduğu gibi, çeşmeler için brülörler veya destekleyiciler Alhambra, bilinen en büyük ortaçağ İslami hayvan figürü ile sonuçlanan Pisa Griffin. Aynı şekilde lüks sert taş oymaları hançer kabzaları ve kupalar gibi hayvanlar, özellikle Babür sanatı. Katı İslami kuralların bu tür gevşemelerinin kabul edilebilirlik derecesi dönemler ve bölgeler arasında değişir. İslami İspanya, İran ve Hindistan genellikle rahatlamaya liderlik ediyor ve tipik olarak saray bağlamında en yüksek seviyededir.[114]
Mshatta Cephe yakın bir saraydan Şam, 740'lar
Pisa Griffin 107 cm yüksekliğinde, muhtemelen 11. yüzyıl
Afrika
Tarihsel olarak, bazı anıtsal Mısır heykelleri haricinde, Afrika heykellerinin çoğu, birkaç yüzyıl öncesinden günümüze gelemeyen ahşap ve diğer organik malzemelerden yapılmıştır; daha eski çanak çömlek figürleri birkaç alanda bulunur. Maskeler İnsan figürlerinin yanı sıra, çoğu insanın sanatında oldukça stilize edilmiş önemli unsurlardır. Nesnenin kullanımına bağlı olarak aynı kaynak bağlamında sıklıkla değişen çok çeşitli stiller vardır, ancak geniş bölgesel eğilimler açıktır; heykel en yaygın olanıdır. Nijer ve Kongo nehirleri "Batı Afrika'da.[115] Doğrudan tanrı imgeleri nispeten seyrektir, ancak özellikle maskeler dini törenler için yapılır veya yapılır; günümüzde pek çoğu turistler için "havaalanı sanatı" olarak yapılmaktadır.[116] Afrika maskeleri Avrupa'yı etkiliyordu Modernist doğal tasvire duydukları ilgisizlikten ilham alan sanat.
Nubiyen Kush Krallığı Modern Sudan'da Mısır'la yakın ve sık sık düşmanca temas halindeydi ve çoğunlukla kuzeyde üsluplardan türetilmiş anıtsal heykeller üretti. Batı Afrika'da bilinen en eski heykeller, Nok kültürü Tipik olarak uzun gövdeli ve köşeli şekillere sahip kil figürleriyle, modern Nijerya'da 500 BCE ile 500 CE arasında gelişti. Daha sonra Batı Afrika kültürleri, ünlü sarayları süslemek için rölyefler için bronz döküm geliştirdi. Benin Bronzları ve etrafından çok ince natüralist kraliyet başları Yoruba kasaba Ife pişmiş topraktan ve metalden yapılmıştır. Akan altın ağırlıkları 1400-1900 yılları arasında üretilen küçük metal heykellerin bir biçimi, bazıları görünüşte atasözleri Afrika heykellerinde nadir görülen bir anlatı öğesi ve kraliyet kıyafetleri etkileyici altın heykel unsurları içeriyordu.[117]
Birçok Batı Afrika figürü dini ritüellerde kullanılır ve genellikle tören teklifleri için üzerlerine yerleştirilen malzemelerle kaplanır. Mande Aynı bölgenin konuşan halkları geniş, düz yüzeyli, kolları ve bacakları silindir şeklinde olan odun parçaları yapar. Orta Afrika'da ise, temel ayırt edici özellikler içe doğru kıvrılmış ve daire ve nokta desenleri sergileyen kalp şeklindeki yüzlerdir.
Popülasyonlar Afrika Büyük Gölleri heykelleriyle tanınmaz.[115] Bununla birlikte, bölgeden bir stil, insan şeklinde oyulmuş ve geometrik formlarla süslenmiş direk heykelleri, üst kısımları ise hayvan, insan ve çeşitli nesnelerle oyulmuş. Bu kutuplar daha sonra mezarların yanına yerleştirilir ve ölüm ve ataların dünyası ile ilişkilendirilir. Bilinen kültür Büyük Zimbabve heykelden daha etkileyici binalar bıraktı ama sekiz sabuntaşı Zimbabve Kuşları özel bir önemi varmış gibi görünüyor ve monolitler. Sabuntaşındaki modern Zimbabwe heykeltıraşları, önemli uluslararası başarı. Güney Afrika'nın bilinen en eski kil figürleri MS 400 ila 600 yılları arasına tarihlenir ve insan ve hayvan özelliklerinin bir karışımı olan silindirik kafalara sahiptir.
Nok pişmiş toprak, MÖ 6. yüzyıl - MS 6. yüzyıl
Ife kafa pişmiş toprak, muhtemelen MS 12–14. yüzyıllar
Benin'den bir 'Ana Kraliçe' heykeli, 16. yüzyıl.
Benin'den 16. yüzyıl fildişi maskesi
Biri Benin Bronzları, 16–18. Yüzyıl, Nijerya.
Maskeden Burkina Faso, 19. yüzyıl
Mambila şekil, Nijerya
Etiyopya ve Eritre
Etiyopya'da heykellerin oluşturulması ve Eritre krallıkları ile eski geçmişine kadar izlenebilir Dʿmt ve Aksum. Hıristiyan sanatı Etiyopya'da putperestlik -e Hıristiyanlık 4. yüzyılda, kralın hükümdarlığı sırasında Axum'lu Ezana.[118] Hristiyan tasviri Asksumite döneminde ve sonraki dönemlerde kiliseleri süsledi.[119] Örneğin, Lalibela, yaşam boyu azizler Bet Golgotha Kilisesi'ne oyulmuş; geleneklere göre bunlar, Zagwe cetvel Gebre Mesqel Lalibela 12. yüzyılda, ancak büyük olasılıkla 15. yüzyılda hazırlanmışlardı. Solomon hanedanı.[120] Ancak Saint George Kilisesi, Lalibela birkaç örnekten biri kaya kesme mimarisi karmaşık oymalar içeren Lalibela'da, arkeolojinin de kanıtladığı gibi, 10-13. yüzyıllarda inşa edilmiştir.[121]
Taş heykel Addi-Galamo, Tigray Eyaleti, MÖ 6. – 5. yüzyıl
Erken bir kavanoz ağzı Aksum Krallığı
Axum Dikilitaşı MS 4. yüzyıl
Bir alaylı çapraz, Zagwe hanedanı, 12. yüzyıl
Yedi gerçek boyuttan biri azizler Bet Golgotha Kilisesi'nin duvarına oyulmuş, Lalibela, 15. yüzyıl (geleneksel olarak hükümdarlığı sırasında yapıldığına inanılıyor) Gebre Mesqel Lalibela )[120]
Sudan
İçinde eski Sudan heykelin gelişimi, heykelin basit çanak çömleklerinden uzanır. Kerma kültürü MÖ 2500 civarında başlayarak anıtsal heykel ve mimariye kadar Kush Krallığı, son aşaması - Meroitik dönem - MS 350 civarında (Etiyopya'dan Aksum tarafından fethedilerek).[122][123] Kerma kültürü, çanak çömlek parçalarının ötesinde, yatak ayakları gibi altın sığır toynakları gibi heykeller içeren mobilyalar da yaptı.[122] Kush Krallığı sırasındaki heykeller, çağdaş antik Mısır heykel geleneğinden etkilenen tam boyutlu heykeller (özellikle krallar ve kraliçeler), daha küçük figürinler (en çok kraliyet hizmetkarlarını tasvir eden) ve taş kabartmaları içeriyordu.[124][125]
Seramik bir sürahi Kerma kültürü
Sütun ve fil - tapınak kompleksinin bir parçası Musawwarat es-Sufra MÖ 3. yüzyıl
Prens'i tasvir eden bir kabartma üzerinde boya izleri Arikhankharer düşmanlarına vurarak Meroitik dönem of Kush Krallığı, MS 1. yüzyılın başlarında
Bir cetvelin kabartması, bir Meroë Candace isimli Kandake Amanitore, MS 1. yüzyıl
Amerika
Şimdi Latin Amerika'da iki ayrı ve farklı alanda geliştirilen heykel, Mezoamerika kuzeyde ve Peru güneyde. Her iki alanda da heykel başlangıçta taştan, daha sonra ise pişmiş toprak ve bu alanlardaki medeniyetler teknolojik olarak daha yetkin hale geldikçe metal.[126] Mezoamerikan bölgesi daha anıtsal heykeller üretti, devasa blok benzeri eserlerden Olmec ve Toltec kültürler, en düşük seviyeye kabartmalar karakterize eden Maya ve Aztek kültürler. And bölgesinde, heykeller tipik olarak küçüktü, ancak genellikle mükemmel beceriler gösteriyor.
Kolomb Öncesi
Olmec Bebek Figürü MÖ 1200-900
Olmec Jadeite Maskesi MÖ 1000-600
Olmec Devasa Kafa No. 3 1200–900 BCE
La Mojarra Stela 1 MS 2. yüzyıl
Teotihuacan'dan Chalchiuhtlicue 200–500 CE
Teotihuacan maske 200–600 CE
Teotihuacan- Tapınağın Detayları Tüylü Yılan 200–250 CE
Bir cenaze çömleği "yarasa tanrısı" veya jaguar şeklinde, Oaxaca, 300–650 CE
Moche portre gemisi ile üzengi musluğu Peru, MÖ 100 - MS 700
K'inich Janaab Pakal I nın-nin Palenque, Maya, MS 603–683
Palenque'li Ahkal Mo 'Naab III, MS 8. yüzyıl
Upakal K'inich 8. yüzyıl CE, Palenque
Jaina Adası tip şekil (Maya) 650–800 CE
Klasik Veracruz kültürü 600–900 CE
Dan Atlante Tula, c. 1000 CE
Çift başlı yılan, Turkuaz ahşap üzerine kırmızı ve beyaz mozaik, Aztek (muhtemelen) Mixtec, c. 1400–1521,
Modern sanata geçiş
Kuzey Amerika
Kuzey Amerika'da ahşap, totem direkleri maskeler, mutfak eşyaları, Savaş kanoları ve farklı kültürler ve bölgeler arasında farklı farklılıklar içeren çeşitli diğer kullanımlar. En gelişmiş stiller, Pasifik Kuzeybatı Kıyısı, bugün devam eden bir geleneğin temelini oluşturan bir grup ayrıntılı ve oldukça stilize biçimsel stilin geliştiği yer. Ünlü totem direklerine ek olarak, boyanmış ve oyulmuş ev cepheleri içte ve dışta oyulmuş direkler, morg figürleri ve diğer öğelerle tamamlanmıştır. Arasında Inuit Uzak kuzeyde ise fildişi ve sabuntaşı geleneksel oyma stilleri hala devam etmektedir.[127]
Avrupa Katolik kültürünün gelişi, yerel becerileri hâkim olanlara kolayca uyarladı. Barok stil, son derece ayrıntılı üretmek Retablos ve çeşitli melez tarzlarda çoğunlukla kilise heykelleri.[128] Kanada'daki bu tür örneklerin en ünlüsü, Notre Dame Bazilikası Köylü tarafından oyulmuş olan Quebec, Montreal'de sakin işçiler. Daha sonra, Batı akademik geleneğinde eğitilen sanatçılar, 19. yüzyılın sonlarına kadar, özellikle Meksika olarak bilinen barok grotesk tarzında, yerli etkilere yeniden çekilmeye başlayana kadar Avrupa tarzlarını takip ettiler. Churrigueresque. Aborijin halkları ayrıca kilise heykelini çeşitli şekillerde uyarladılar. Marangoz Gotik; ünlü bir örnek Kutsal Haç Kilisesi içinde Skookumchuck Kaplıcaları, Britanya Kolombiyası.
Tarihi Amerika Birleşik Devletleri'nde heykel Avrupalıların gelişinden sonra ülkenin 18. yüzyıldaki kuruluşunu yansıtıyor. Roma cumhuriyetçi yurttaşlık değerleri ve Protestan Hıristiyanlık. İspanyolların sömürgeleştirdiği bölgelerle karşılaştırıldığında, heykel, İngiliz kolonilerinde son derece yavaş bir başlangıç yaptı, kiliselerde neredeyse hiç yer yoktu ve sadece bağımsızlıktan sonra milliyeti iddia etme ihtiyacıyla ivme kazandı. 19. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar Amerikan heykeli genellikle klasikti, genellikle romantikti, ancak dramatik, anlatı, neredeyse gazetecilik gerçekçiliğine eğilimliydi. 19. yüzyılın son çeyreğinde ve 20. yüzyılın ilk yarısında kamu binaları, özellikle rölyefte heykel için genellikle mimari bir ortam sağladı. 1930'larda Uluslararası Stil mimari ve tasarım ve art deco işi ile karakterize Paul Manship ve Lee Lawrie ve diğerleri popüler oldu. 1950'lere gelindiğinde, geleneksel heykel eğitiminin yerini neredeyse tamamen bir Bauhaus -den etkilenen endişe Öz tasarım. Minimalist heykel, kamusal alanlarda figürün yerini aldı ve mimarlar tasarımlarında veya tasarımlarında heykel kullanmayı neredeyse tamamen bıraktılar. Modern heykeltıraşlar (21. yüzyıl) hem klasik hem de soyut esintili tasarımları kullanır. 1980'lerden başlayarak, figüratif kamu heykeline doğru bir dönüş oldu; 2000 yılına gelindiğinde, Birleşik Devletler'deki yeni halka açık parçaların çoğu tasarım açısından figüratifti.
Gutzon Borglum ve oğlu Lincoln Borglum, Rushmore dağı, 1927–1941. L – R, George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt, ve Abraham Lincoln.
Robert Gould Shaw Anıtı tarafından Augustus Saint-Gaudens, 1884–1897, alçı versiyon
Lee Lawrie, Ekici, 1928 Art Deco rahatlama Beaumont Kulesi, Michigan Eyalet Üniversitesi
Daniel Chester Fransız, Abraham Lincoln (1920) içinde Lincoln Anıtı, Washington DC.
K'alyaan Totem Kutbu Tlingit Kiks.ádi Clan, dikildi Sitka Ulusal Tarihi Parkı 1804'te kaybedilen hayatları anmak için Sitka Savaşı
Frederic Remington, Bronco Buster, 1895, oyuncular 1918. Metropolitan Museum of Art
Paul Manship, Dansçı ve Ceylan, 1916, Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi, Washington DC
Gertrude Vanderbilt Whitney, Buffalo Bill - İzci, 1924, anma Manda faturası içinde Cody, Wyoming
19. - 20. yüzyılın başları, erken Modernizm ve devam eden gerçekçilik
François Rude, bir Romantik Jeanne d'Arc, 1852, Louvre
Auguste Rodin Calais Burghers 1889, Calais, Fransa
Alfred Gilbert, sözde Eros, 1893, dünyanın ilk alüminyum heykel Piccadilly Alanı, Londra
Auguste Rodin, Düşünür, 1902, Musée Rodin, Paris
Antoine Bourdelle, Gündüz ve gecemermer, 1903, Musée Bourdelle, Paris
Camille Claudel, Vals, 1905 ikinci versiyonun oyuncu kadrosu
Jan Štursa, Hamamdan önce 1906, Prag'daki Ulusal Galeri
Aristide Maillol, Gece (La Nuit) 1909, Tuileries Bahçesi, Paris
Robert Wlérick, Düşünce 1933, Morez
Modern klasisizm, natüralizme bağlılıklarla karakterize edilen 19. yüzyılın klasik heykeliyle birçok yönden tezat oluşturuyordu (Antoine-Louis Barye ) - melodramatik (François Rude ) duygusallık (Jean-Baptiste Carpeaux ) —Ya da bir tür görkemli ihtişam (Lord Leighton ). Yüzyıl dönerken klasik geleneğin birkaç farklı yönü alındı, ancak canlı model ve Rönesans sonrası geleneğin incelenmesi onlar için hala temeldi.Auguste Rodin 20. yüzyılın en ünlü Avrupalı heykeltıraşıydı.[129][130] Genellikle heykelsi olarak kabul edilir İzlenimci öğrencileri de dahil olmak üzere Camille Claudel, ve Hugo Rheinhold Sıradan hayatın geçici bir anını modellemeye çalışan Modern klasisizm, natüralizme daha az ilgi ve biçimsel stilizasyona daha fazla ilgi gösterdi. Hacimlerin ve alanların ritimlerine ve yüzeyin zıt niteliklerine (açık, kapalı, düzlemsel, kırık vb.) Daha fazla dikkat edilirken, anatomi veya kostümün hikaye anlatan ve ikna edici ayrıntılarına daha az dikkat edildi. . Fiziksel gerçekçiliğe göre psikolojik etkiye daha fazla dikkat edildi ve dünya çapında önceki stillerin etkileri kullanıldı.
Modern klasisizmin ilk ustaları şunları içeriyordu: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. Yüzyıl ilerledikçe, modern klasisizm, iki büyük Avrupa totaliter imparatorluğunun ulusal tarzı olarak kabul edildi: Nazi Almanyası ve Sovyet Rusya Kolbe gibi daha önceki sanatçıların çalışmalarını birlikte seçen ve Wilhelm Lehmbruck Almanyada[131] ve Rusya'da Matveyev. SSCB'nin 70 yılı boyunca, yeni nesil heykeltıraşlar kendi sistemleri içinde eğitildi ve seçildi ve farklı bir üslupla, sosyalist gerçekçilik 19. yüzyılın melodram ve natüralizm vurgusuna geri dönen geliştirildi.
Klasik eğitim, 1970 yılına kadar Batı Avrupa'da (ve Amerika'da) sanat eğitiminden çıkarıldı ve 20. yüzyılın klasik varyantları modernizm tarihinde marjinalleştirildi. Ancak klasisizm, 1990 yılına kadar Sovyet akademilerinde sanat eğitiminin temeli olarak devam etti ve Doğu Avrupa ve Ortadoğu'nun bazı bölgelerinde etkileyici figüratif sanat için bir temel oluşturdu. 2000 yılına gelindiğinde, Avrupa klasik geleneği halka geniş bir ilgi göstermeye devam ediyor, ancak çağdaş gelişimini canlandırmak için bir eğitim geleneğini bekliyor.
Modern klasiklerin bir kısmı ya daha dekoratif / art deco oldu (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles ) veya daha soyut stilize edilmiş veya daha etkileyici (ve Gotik) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini ) - ya da daha çok Rönesans'a döndü (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti ) veya aynı kaldı (Charles Despiau, Marcel Gimond ).
Modernizm
Modernist heykel hareketleri içerir Kübizm, Geometrik soyutlama, De Stijl, Süprematizm, Yapılandırmacılık, Dadaizm, Gerçeküstücülük, Fütürizm, Biçimcilik Soyut dışavurumculuk, Pop sanat, Minimalizm, Arazi sanatı, ve Kurulum sanatı diğerleri arasında.
20. yüzyılın ilk günlerinde, Pablo Picasso yaratmaya başladığında heykel sanatında devrim yaptı yapılar farklı nesnelerin ve malzemelerin tek bir yapılı heykel parçasında birleştirilmesiyle biçimlendirilmiş; heykel eşdeğeri kolaj iki boyutlu sanatta. Gelişi Gerçeküstücülük zaman zaman "istemsiz heykel" gibi, daha önce hiç görülmemiş olan şeylerin "heykel" olarak tanımlanmasına yol açtı. coulage. Sonraki yıllarda Picasso üretken oldu çömlekçi, dünyanın dört bir yanından tarihi çanak çömleklere olan ilgiyle, seramik sanatı gibi rakamlarla George E. Ohr ve ardından Peter Voulkos, Kenneth Price, ve Robert Arneson. Marcel Duchamp "bulunan nesne "(Fransızca: objet trouvé) veya hazır gibi parçalarla Çeşme (1917).
Benzer şekilde, işi Constantin Brâncuși yüzyılın başında daha sonraki soyut heykellerin yolunu açtı. Rodin'in ve 19. yüzyıl sonundaki çağdaşlarının natüralizmine karşı isyan eden Brâncuși, özleri özlerine kadar saflaştırdı. Uzayda Kuş serisi (1924).[132]
Brâncuși'nin etkisi, indirgeme ve soyutlama kelime dağarcığı ile 1930'lar ve 1940'lar boyunca görülür ve aşağıdaki gibi sanatçılar tarafından örneklenir: Gaston Lachaise, Efendim Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[133] ve 1940'larda soyut heykel etkilendi ve genişletildi Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, ve Frederick Kiesler öncüleri kimdi Kinetik sanat.
Modernist heykeltıraşlar, kamusal sanattaki büyük patlamayı büyük ölçüde kaçırdılar. savaş anıtları İki Dünya Savaşı için, ancak 1950'lerden itibaren halk ve görevlendirme organları Modernist heykellerle daha rahat hale geldi ve hem soyut hem de figüratif büyük kamu komisyonları ortak hale geldi. Picasso, bir maket 15 m yüksekliğindeki devasa bir halka açık heykel için, sözde Chicago Picasso (1967). Tasarımı belirsiz ve biraz tartışmalıydı ve figürün neyi temsil ettiği net değil; bir kuş, bir at, bir kadın veya tamamen soyut bir şekil olabilir.
1950'lerin sonlarında ve 1960'larda soyut heykeltıraşlar geniş bir yelpazede yeni malzemeler ve çalışmalarını yaratmak için farklı yaklaşımlar denemeye başladılar. Sürrealist imgeler, antropomorfik soyutlama, yeni malzemeler ve yeni enerji kaynaklarının kombinasyonları ve çeşitli yüzeyler ve nesneler, çok yeni modernist heykellerin karakteristik özelliği haline geldi. Peyzaj tasarımcıları, mimarlar ve peyzaj mimarları ile ortak projeler, dış mekan alanını ve bağlamsal entegrasyonu genişletti. Gibi sanatçılar Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, ve Louise Nevelson modern heykelin görünümünü karakterize etmeye geldi.
1960'larda Soyut dışavurumculuk, Geometrik soyutlama ve Minimalizm heykeli en temel ve temel özelliklerine indirgeyen, ağır basmaktadır. Dönemin bazı eserleri: David Smith'in Cubi eserleri ve Sör Anthony Caro, Hem de kaynaklı heykel çok çeşitli heykeltıraşlar tarafından, John Chamberlain ve çevresel kurulum ölçeği Mark di Suvero. Diğer Minimalistler arasında Tony Smith Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, ve John Güvenli çizginin saflığı temasına hareket ve anıtsallık ekleyen.[134]
1960'lar ve 1970'ler boyunca modernist sanatçıların stilize formlarda figüratif heykelleri, Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham klasik mafsallı bir tarzda ve Fernando Botero resminin 'büyük boyutlu figürlerini' anıtsal heykellere dönüştürmek.
Modernist heykel galerisi
André Derain, Nu çıkış1907, kireçtaşı, Musée National d'Art Moderne
Henri Matisse, Şekil dekor, 1908, bronz
Amedeo Modigliani, Kadın Baş, 1911–12, Metropolitan Sanat Müzesi
Joseph Csaky, Groupe de femmes (Groupe de trois femmes, Groupe de trois personnages), 1911–12, alçı, kayıp
Alexander Archipenko, La Vie Familiale (Aile hayatı), 1912, yok edildi
Constantin Brâncuși, Matmazel Pogany'nin portresi, 1912, beyaz mermer; kireçtaşı bloğu, Philadelphia Sanat Müzesi. 1913'te sergilendi Cephanelik Gösterisi
Otto Gutfreund, Çellist, 1912–13
Marcel Duchamp, Çeşme, 1917
Jacob Epstein, Gündüz ve geceiçin oyulmuş Londra yeraltı karargahı, 1928.
Käthe Kollwitz, Yas Tutan Ebeveynler, 1932, I.Dünya Savaşı anıtı (oğlu Peter için), Vladslo Alman savaş mezarlığı
Jacques Lipchitz, Musların Doğuşu, 1944–1950
Barbara Hepworth, Monolit-Empyrean, 1953
Henry Moore, Üç Parçalı Uzanmış Figür No. 1, 1961, Yorkshire
Pablo Picasso, Chicago Picasso, 1967, Chicago, Illinois
George Rickey, Geviert'te Dört Kare, 1969, teras Yeni Ulusal Galeri, Berlin, Almanya, Rickey bir Kinetik heykeltıraş
Alexander Calder, Crinkly avec disk ruj1973, Schlossplatz, Stuttgart
Louise Nevelson, Atmosfer ve Çevre XII, 1970–1973, Philadelphia Sanat Müzesi
Sör Anthony Caro, Siyah Kapak Düz1974, çelik, Tel Aviv Sanat Müzesi
Joan Miró, Kadın ve Kuş, 1982, Barselona, İspanya
Louise Bourgeois, Maman, 1999, dışarıda Museo Guggenheim
Çağdaş hareketler
Palma de Mallorca, Plaça de la Porta de Santa Catalina
Bölgeye özgü ve çevre sanatı eserler sanatçılar tarafından temsil edilmektedir: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,[136] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,[137] George Rickey ve Christo ve Jeanne-Claude çağdaş soyut heykele yeni yönlere yöneldi. Sanatçılar oluşturuldu çevresel heykel 'deki geniş sitelerdeAmerikan Batı'sında arazi sanatı proje grubu. Bunlar arazi sanatı veya "toprak sanatı" gibi sanatçılar tarafından örneklenen çevresel ölçekli heykel çalışmaları Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Krateri ). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman ve Dennis Oppenheim diğerleri arasında öncüleri vardı Postminimalist heykel.
Ayrıca 1960'lar ve 1970'ler boyunca sanatçılar Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Kurt Vostell, Duane Hanson, ve John DeAndrea soyutlamayı, imgeyi ve figürasyonu keşfetti video sanatı çevre, hafif heykel ve kurulum sanatı yeni yollarla.
Kavramsal sanat eserde yer alan kavram (lar) ın veya fikirlerin geleneksel estetik ve maddi kaygılardan öncelikli olduğu sanattır. İşleri içerir Bir ve Üç Sandalye, 1965 tarafından Joseph Kosuth, ve Meşe Ağacı tarafından Michael Craig-Martin ve bunlar Joseph Beuys, James Turrell ve Jacek Tylicki.
Minimalizm
Tony Smith, Serbest sürüş, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (standart bir ABD kapı açıklığının yüksekliği), Modern Sanat Müzesi, New York
Larry Bell, İsimsiz 1964, bizmut, krom, altın ve altın kaplama pirinç üzerine rodyum; Hirshhorn Müzesi ve Heykel Bahçesi
Donald Judd, İsimsiz 1977, Münster, Almanya
Richard Serra, Fulcrum 1987, 55 ft yüksekliğinde serbest duran heykel Cor-ten çelik yakın Liverpool Street istasyonu, Londra
Donald Judd, İsimsiz, 1991, İsrail Müzesi Art Garden, Kudüs
Postminimalizm
Richard Long, South Bank Circle, 1991 Tate Liverpool, İngiltere
Jean-Yves Lechevallier, Kontrollü kanat. 1991
Anish Kapoor, Dünyayı Baş aşağı Döndürmek, İsrail Müzesi, 2010
Rachel Whiteread, Holokost Anıtı 2000 Judenplatz, Viyana
Zaman Muhafızları, hafif heykel tarafından Manfred Kielnhofer -de Işık Sanatı Bienali Avusturya 2010
Dublin kulesi resmen başlıklı Işık Anıtı, paslanmaz çelik, 121,2 metre (398 fit), dünyanın en uzun heykeli
Çağdaş türler
Bazı modern heykel formları artık açık havada uygulanıyor. çevre sanatı ve çevresel heykel, genellikle seyircilerin tam bakış açısıyla. Hafif heykel, sokak sanatı heykeli ve siteye özgü sanat ayrıca sık sık çevreyi kullanır. Buz heykel hammadde olarak buzu kullanan geçici bir heykel şeklidir. Çin, Japonya, Kanada, İsveç ve Rusya'da popülerdir. Buz heykelleri, özellikle Asya'da bazı mutfaklarda dekoratif olarak yer alır. Kinetik heykeller hareket etmek için tasarlanmış heykellerdir. cep telefonları. Kar heykelleri genellikle tek bir kar bloğundan her bir tarafta yaklaşık 1,8 ila 4,6 m (6 ila 15 fit) oyulur ve yaklaşık 20-30 ton ağırlığındadır. Kar, yapay yollarla üretildikten veya kar yağışından sonra yerden toplandıktan sonra yoğun bir şekilde bir forma sıkıştırılır. Ses heykelleri iç mekan ses enstalasyonları, rüzgar harpları, otomatlar gibi dış mekân enstalasyonları şeklini alın veya aşağı yukarı geleneksel müzik aletlerine yakın olun. Ses heykeli genellikle bölgeye özgüdür. Sanat oyuncaklar 1990'ların sonundan beri çağdaş sanatçılar için başka bir format haline geldi, örneğin Takashi Murakami ve Çocuk Robotu, tarafından tasarlandı Michael Lau veya el yapımı Michael Leavitt (sanatçı).[138]
Koruma
Heykeller aşağıdaki gibi çevresel koşullara duyarlıdır: sıcaklık, nem ve ışığa maruz kalma ve morötesi ışık. Asit yağmuru bazı yapı malzemelerine ve tarihi anıtlara da zarar verebilir. Bu ne zaman sonuçlanır sülfürik asit yağmurda taşlardaki kalsiyum bileşikleriyle (kireçtaşı, kumtaşı, mermer ve granit) kimyasal olarak reaksiyona girerek alçıtaşı, sonra pul pul dökülür.
Herhangi bir zamanda birçok çağdaş heykel genellikle halka açık yerlerde sergilenmiştir; Çalınması parçalar anında tanınabilir olduğundan bir sorun değildi. 21. yüzyılın başlarında metalin değeri o kadar arttı ki, metalin değeri için masif bronz heykel çalınması bir sorun haline geldi; Metalin nispeten düşük değeri için çalınan ve eritilen milyonlarca değerinde bir heykel, sanat eserinin değerinin çok küçük bir kısmı.[139]
Ayrıca bakınız
- Heykeltıraşların listesi
- Kadın heykeltıraşların listesi
- Anahat heykel
- Taş Devri sanatının listesi
- Heykel parkları listesi
- En pahalı heykellerin listesi
- Arborsculpture
- Mimari heykel
- Montaj
- Tereyağı heykeli
- Cass Heykel Vakfı
- Kolaj
- Elektrotipleme
- Çiçek tasarımı (İkebana )
- Fransız heykel
- Bahçe heykeli
- Heykel bahçesi
- Gaz heykel
- Cam üfleme
- Tepe figürü
- Asya sanatının tarihi
- Hologram
- Inuit sanatı
- Yaşayan heykel
- Maske
- Cep Telefonları
- Anıtsal heykel
- Japon kağıt katlama sanatı
- Alçı döküm
- Balmumu heykeli
- Kaynaklı heykel
- Görsel Sanatlar
Notlar
- ^ en.museicapitolini.org (italyanca).
- ^ a b "Renkli Tanrılar: Klasik Antik Çağdan Boyalı Heykel" Eylül 2007 - Ocak 2008, Arthur M. Sackler Müzesi Arşivlendi 4 Ocak 2009, Wayback Makinesi
- ^ a b Örneğin bkz. Martin Robertson, Yunan sanatının daha kısa tarihi, s. 9, Cambridge University Press, 1981, ISBN 978-0-521-28084-6
- ^ NGA, Washington sergide özellik.
- ^ Ptolemaioslar madeni paralar üzerinde Helenistik cetvel portreleri geleneğini başlattı ve Romalılar, MÖ 1. yüzyılda ölü politikacıları göstermeye başladı. julius Sezar tasvir edilecek ilk yaşayan figür; İmparatorların altında İmparatorluk ailesinin portreleri standart hale geldi. Bkz. Burnett, 34–35; Howgego, 63–70.
- ^ Morris Cox Makalesi.
- ^ Bir bölümü Renkli Tanrılar sergi. Harvard sergisi Arşivlendi 2014-10-06 at Wayback Makinesi
- ^ Cook, 147; eski Yunan kopyacılarının sonrakilere göre çok daha az nokta kullanmış göründüğünü ve kopyaların genellikle kompozisyonda ve bitişte önemli ölçüde farklılık gösterdiğini belirtiyor.
- ^ "Kayıp balmumu döküm işleminin flash animasyonu". James Peniston Heykeli. Alındı 30 Kasım 2008.
- ^ Ravi, B. (2004). "Metal Döküm - Genel Bakış" (PDF). Enerji Verimliliği Bürosu, Hindistan. Alıntı dergisi gerektirir
| günlük =(Yardım) - ^ British Museum - Likurgus Kupası.
- ^ Williams, Arthur (2005). Resimli Heykel Referansı. Gulfport, MS. s. 179. ISBN 978-0-9755383-0-2.
- ^ V&A Müzesi, Heykel teknikleri: kil modelleme Arşivlendi 2 Ağustos 2012, Wayback Makinesi, 31 Ağustos 2012'de erişildi.
- ^ Rawson, 140–44; Frankfort 112–13; Henig, 179–80.
- ^ Rawson, 134–35.
- ^ Burford, Alison, "Yunanistan, antik, §IV, 1: Anıtsal heykel: Genel Bakış, 5 c)" Oxford Art Online, 24 Ağustos 2012'de erişildi.
- ^ Olsen, 150–51; Künt.
- ^ Yahudi sanal kütüphanesi, Yahudi heykelinin tarihi.
- ^ P. Mellars, Arkeoloji ve Modern İnsanların Avrupa'da Dağılımı: Aurignacian'ın Yapısızlaştırılması, Evrimsel Antropoloji, cilt. 15 (2006), s. 167–82.
- ^ de Laet, Sigfried J. (1994). İnsanlık Tarihi: Prehistorya ve medeniyetin başlangıcı. UNESCO. s. 211. ISBN 978-92-3-102810-6.
- ^ Cook, J. (2013) Buz Devri sanatı: modern zihnin gelişi, The British Museum, ISBN 978-0-7141-2333-2.
- ^ Sandars, 8–16, 29–31.
- ^ Hahn, Joachim, "Prehistoric Europe, §II: Palaeolithic 3. Portable art" in Oxford Art Online, accessed August 24, 2012; Sandars, 37–40.
- ^ Kleiner, Fred (2009). Gardner's Art through the Ages: The Western Perspective, Volume 1. s. 36. ISBN 978-0-495-57360-9.
- ^ Sandars, 75–80.
- ^ Sandars, 253−57, 183−85.
- ^ Frankfort, 24–37.
- ^ Frankfort, 45–59.
- ^ Frankfort, 61–66.
- ^ Frankfort, Chapters 2–5.
- ^ Frankfort, 110–12.
- ^ Frankfort, 66–74.
- ^ Frankfort, 71–73.
- ^ Frankfort, 66–74, 167.
- ^ Frankfort, 141–93.
- ^ Smith, 33.
- ^ Smith, 12–13 and note 17.
- ^ Smith, 21–24.
- ^ Smith, 170–78, 192–94.
- ^ Smith, 102–03, 133–34.
- ^ Smith, 4–5, 208–09.
- ^ Smith, 89–90.
- ^ images of Getty Villa 85.AA.103
- ^ Cook, 72, 85–109; Boardman, 47–59
- ^ "Araştırma". Glyptoteket. Alındı 23 Eylül 2017.
- ^ "Tracking Colour". www.trackingcolour.com. Alındı 23 Eylül 2017.
- ^ Cook, 109–19; Boardman, 87–95.
- ^ Lapatin, Kenneth D.S., Phidias, Oxford Art Online, accessed August 24, 2012.
- ^ Cook, 119–31.
- ^ Cook, 131–41.
- ^ Alexander The Great and the Hellenistic Age, p. xiii. Green P. ISBN 978-0-7538-2413-9.
- ^ Cook, 142–56.
- ^ Cook, 142–54.
- ^ Cook, 155–58.
- ^ Strong, 58–63; Hennig, 66–69.
- ^ Hennig, 24.
- ^ Henig, 66–69; Strong, 36–39, 48; At the trial of Verres, former governor of Sicily, Çiçero 's prosecution details his depredations of art collections at great length.
- ^ Henig, 23–24.
- ^ Henig, 66–71.
- ^ Henig, 73–82; Strong, 48–52, 80–83, 108–17, 128–32, 141–59, 177–82, 197–211.
- ^ Henig, Chapter 6; Strong, 303–15.
- ^ Henig, Chapter 8.
- ^ Strong, 171–76, 211–14.
- ^ Kitzinger, 9 (both quotes), more generally his Ch 1; Strong, 250–57, 264–66, 272–80.
- ^ Strong, 287–91, 305–08, 315–18; Henig, 234–40.
- ^ Robinson, 12, 15.
- ^ Dodwell, Chapter 2.
- ^ Calkins, 79–80, 90–102.
- ^ Calkins, 107–14.
- ^ Calkins, 115–32.
- ^ Honour and Fleming, 297–300; Henderson, 55, 82–84.
- ^ Olson, 11–24; Honour and Fleming, 304; Henderson, 41.
- ^ Snyder, 65–69.
- ^ Snyder, 305–11.
- ^ [1] V&A Müzesi feature on the Nottingham alabaster Swansea Altarpiece.
- ^ Calkins, 193–98.
- ^ Cherry, 25–48; Henderson, 134–41.
- ^ Olson, 41–46, 62–63.
- ^ Olson, 45–52, and see index.
- ^ Olson, 114–18, 149–50.
- ^ Olson, 149–50.
- ^ Olson, 103–10, 131–32.
- ^ Olson, Chapter 8, 179–81.
- ^ Olson, 179–82.
- ^ Olson, 183–87.
- ^ Olson, 182–83.
- ^ Olson, 194–202.
- ^ Boucher, 134–42 on the Cornaro chapel; see index for Bernini generally.
- ^ Boucher, 16–18.
- ^ Honour and Fleming, 450.
- ^ Honour and Fleming, 460–67.
- ^ Boardman, 370–78; Harle, 71–84.
- ^ Boardman, 370–78; Sickman, 85–90; Paine, 29–30.
- ^ Rawson, Chapter 1, 135–36.
- ^ Rawson, 138–38.
- ^ Rawson, 135–45, 145–63.
- ^ Rawson, 163–65
- ^ Rawson, Chapters 4 and 6.
- ^ Rawson, 135.
- ^ a b Rawson, Jessica (1999). "Design Systems in Early Chinese Art". Yönelimler: 52.
- ^ a b "Shaanxi History Museum notice". Shaanxi Tarih Müzesi.
- ^ Middle Jomon Sub-Period Arşivlendi 2009-05-25 de Wayback Makinesi, Niigata Prefectural Museum of History, accessed August 15, 2012.
- ^ Paine & Soper, 30–31.
- ^ Paine & Soper, 121.
- ^ Harle, 17–20.
- ^ Harle, 22–24.
- ^ a b Harle, 26–38.
- ^ Harle, 87; his Part 2 covers the period.
- ^ Harle, 124.
- ^ Harle, 301–10, 325–27
- ^ Harle, 276–84.
- ^ Honour & Fleming, 196–200.
- ^ Piotrovsky and Rogers, 23, 26–27, 33–37.
- ^ Piotrovsky and Rogers, 23, 33–37.
- ^ a b Honour & Fleming, 557.
- ^ Honour & Fleming, 559–61.
- ^ Honour & Fleming, 556–61.
- ^ De Lorenzi (2015), pp. 15–16.
- ^ Briggs (2015), p. 242.
- ^ a b Briggs (2015), p. 331.
- ^ Sobania (2012), p. 462.
- ^ a b Harkless (2006), p. 174.
- ^ "Nubian Art Arşivlendi 2018-05-28 de Wayback Makinesi ". Güzel Sanatlar Müzesi, Boston. Accessed 28 May 2018.
- ^ Harkless (2006), pp. 174–75.
- ^ March 2011. "Nubia: Afrika'nın Eski Krallıkları ". Antik Dünya Araştırmaları Enstitüsü (New York University). Accessed May 28, 2018.
- ^ Castedo, Leopoldo, A History of Latin American Art and architecture, New York: Frederick A. Praeger, Publisher, 1969.
- ^ Honour & Fleming, 553–56.
- ^ Neumeyer, Alfred, The Indian Contribution to Architectural Decoration in Spanish Colonial America. Sanat Bülteni, June 1948, Volume XXX, Number two.
- ^ Elsen, Albert E. (2003). Rodin's Art: The Rodin Collection of the Iris & Gerald B. Cantor Center for the Visual Arts. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-513381-1.
- ^ Rodin to Now: Modern Sculpture, Palm Springs Desert Museum.
- ^ Curtis, Penelpoe, Taking Positions: Figurative Sculpture and the Third Reich, Henry Moore Institute, London, 2002.
- ^ Visual arts in the 20th century, Author Edward Lucie-Smith, Edition illustrated, Publisher Harry N. Abrams, 1997, Original from the University of Michigan, ISBN 978-0-8109-3934-9
- ^ The Oxford dictionary of American art and artists, Author Ann Lee Morgan, Publisher Oxford University Press, 2007, Original from the University of Michigan, ISBN 0-19-512878-8, 978-0-19-512878-9
- ^ National Air and Space Museum Receives Yükseliş Sculpture for display at Udvar-Hazy Center [2][kalıcı ölü bağlantı ]
- ^ NY Times, Umbrella Crushes Woman
- ^ Guggenheim museum Arşivlendi January 4, 2013, at the Wayback Makinesi
- ^ Dia Foundation
- ^ "Art Army by Michael Leavitt", hypediss.com[3], December 13, 2006.
- ^ BBC: Barbara Hepworth sculpture stolen from Dulwich Park, 20 December 2011. Example of theft of large bronze sculpture for the value of the metal.
Referanslar
- Boucher, Bruce, İtalyan Barok Heykeli, 1998, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 0-500-20307-5
- Künt Anthony, Artistic Theory in Italy, 1450–1660, OUP, 1940 (refs to 1985 edn), ISBN 0-19-881050-4
- Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art, OUP, 1993, ISBN 0-19-814386-9
- Briggs, Philip (2015) [1995]. Etiyopya. Chalfont St Peter: Bradt Travel Guides. ISBN 978-1-84162-922-3.
- Burnett, Andrew, Madeni paralar; Geçmişi Yorumlamak, California Üniversitesi / British Museum, 1991, ISBN 0-520-07628-1
- Calkins, Robert G .; Ortaçağ Sanatı AnıtlarıDutton, 1979, ISBN 0-525-47561-3
- Cherry, John. The Holy Thorn Reliquary, 2010, British Museum Press (British Museum objects in focus), ISBN 0-7141-2820-1
- Cook, R.M., Yunan Sanatı, Penguin, 1986 (1972'nin yeni baskısı), ISBN 0-14-021866-1
- De Lorenzi, James (2015). Guardians of the Tradition: Historians and Historical Writing in Ethiopia and Eritrea. Rochester: Rochester Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-1-58046-519-9.
- Dodwell, C.R., Anglosakson Sanatı, Yeni Bir Bakış Açısı, 1982, Manchester University Press, ISBN 0-7190-0926-X
- Frankfort, Henri, Eski Doğu'nun Sanatı ve Mimarisi, Pelican History of Art, 4th ed 1970, Penguin (şimdi Yale History of Art), ISBN 0-14-056107-2
- Harkless, Necia Desiree (2006). Nubian Pharaohs and Meroitic Kings: The Kingdom of Kush. Bloomington, Indiana: Yazar Evi. ISBN 1-4259-4496-5.
- Harle, J. C., Hint Yarımadası'nın Sanatı ve Mimarisi, 2. baskı 1994, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN 0-300-06217-6
- Henderson, George. Gotik, 1967, Penguin, ISBN 0-14-020806-2
- Henig, Martin (ed.), A Handbook of Roman ArtPhaidon, 1983, ISBN 0-7148-2214-0
- Paine, Robert Treat, in: Paine, R. T., & A. Soper, Japonya Sanatı ve Mimarisi, 3rd edn 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN 0-14-056108-0
- Hugh Onur ve John Fleming, Bir Dünya Sanat Tarihi, 1st edn. 1982 (many later editions), Macmillan, London, page refs to 1984 Macmillan 1st edn paperback. ISBN 0-333-37185-2
- Howgego, Christopher, Madeni Paralardan Antik Tarih, Routledge, 1995, ISBN 0-415-08993-X
- Kitzinger, Ernst, Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd–7th century, 1977, Faber & Faber, ISBN 0-571-11154-8 (US: Cambridge UP, 1977)
- Olson, Roberta J. M., İtalyan Rönesans Heykeli, 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 978-0-500-20253-1
- Rawson, Jessica (ed.). The British Museum Book of Chinese Art, 2007 (2nd edn), British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2446-9
- Piotrovsky, M. B., and J. M. Rogers (eds), Heaven on Earth: Art from Islamic Lands, 2004, Prestel, ISBN 3-7913-3055-1
- Robinson, James, Ortaçağ Sanatının Başyapıtları, 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
- Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe, Penguin (Pelican, now Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn.; early datings now superseded)
- Scholten, Frits (2011). European sculpture and metalwork. New York: Metropolitan Sanat Müzesi. ISBN 978-1-58839-441-5.
- Sickman, Laurence, in: Sickman L., & A. Soper, "The Art and Architecture of China", Pelikan Sanat Tarihi, 3rd edn 1971, Penguin (now Yale History of Art), LOC 70-125675
- Simon, Joshua. Neomateryalizm, Berlin: Sternberg Press, 2013, ISBN 978-3-943365-08-5
- Smith, W. Stevenson ve Simpson, William Kelly. Eski Mısır Sanatı ve Mimarisi3. baskı 1998, Yale University Press (Penguin / Yale History of Art), ISBN 0-300-07747-5
- Snyder, James. Kuzey Rönesans Sanatı, 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0-13-623596-4
- Sobania, Neal W. (2012), "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Afrika Biyografisi Sözlüğü, Oxford: Oxford University Press, s. 462, ISBN 978-0-19-538207-5.
- Sobania, Neal W. (2012). "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Afrika Biyografisi Sözlüğü. Oxford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-538207-5.
- Strong, Donald, vd., Roma Sanatı, 1995 (2nd edn), Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN 0-300-05293-6
- Williams, Dyfri. Klasik Sanat Başyapıtları, 2009, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2254-0
Dış bağlantılar
- Sculpture "hub" -de Victoria ve Albert Müzesi
- Corning Cam Müzesi
- Cass Heykel Vakfı, a charity dedicated to commissioning monumental sculpture.
- Archive.org The Encyclopædia Britannica Eleventh Edition, Sculpture, pp. 488–517
- Current research on polychromy on ancient sculpture at the Ny Carlsberg Glyptotek [4]
_01.JPG){kind=link}
