Sanat eleştirisi tarihi - History of art criticism

Bu makale kopyalar diğer makalelerin kapsamı, özellikle, Sanat Tarihi. Lütfen tartışmak bu konuyu konuşma sayfasında bulun ve uyması için düzenleyin Wikipedia'nın Stil El Kitabı. (Ekim 2017)

Venus de Milo sergileniyor Louvre.

sanat eleştirisi tarihisanat tarihinin bir parçası olarak, sanat nesnelerinin kendi içinde incelenmesidir. tarihi geliştirme ve üslup bağlamları, yani Tür, tasarım, biçim, ve stil estetik kaygılar içeren.^[1] Bu, "büyük" resim, heykel ve mimari sanatlarının yanı sıra seramik, mobilya ve diğer dekoratif objelerin "küçük" sanatlarını içerir.

Bir terim olarak, sanat tarihi tarihi (ayrıca Sanat Tarihi ) çeşitli çalışma ve değerlendirme yöntemlerini kapsar. görsel Sanatlar; ortak kullanımda sanat ve mimariye atıfta bulunur. Disiplinin yönleri örtüşüyor. Sanat tarihçisi olarak Ernst Gombrich bir kez gözlemlendiğinde, "sanat tarihi alanı çok benzer Sezar 's Galya düşman kabileler olmasa da üç farklı kabilenin yaşadığı üç kısma bölünmüştür: (i) bilenler, (ii) eleştirmenler ve (iii) akademik sanat tarihçileri ".^[2]

Bir disiplin olarak, sanat eleştirisi tarihi, karşılaştırılabilir üsluptaki diğerlerine göre bireysel eserler üzerinde göreli bir sanatsal değer oluşturmakla veya tüm bir tarzı veya hareketi kendi tarihi ve tarihi açısından onaylamakla ilgilenen sanat eleştirisinden ayrılır. onun büyük bilim adamları. Ayrıca şunlardan da ayırt edilir: sanat teorisi veya "sanat felsefesi ", sanatın temel doğasıyla ilgilenir. Bu çalışma alanının bir dalı, estetik muammasının araştırılmasını içeren yüce ve güzelliğin özünü belirlemek. Teknik olarak sanat tarihi böyle şeyler değildir, çünkü sanat tarihçisi tarihsel yöntem soruları cevaplamak için: Sanatçı eseri nasıl yarattı ?, Müşterileri kimlerdi ?, Öğretmenleri kimlerdi ?, İzleyiciler kimlerdi? Öğrencileri kimlerdi? Sanatçının eserini hangi tarihsel güçler şekillendirdi? külliyat ve O ve yaratılış, sanatsal, politik ve sosyal olayların seyrini nasıl etkiledi? Bununla birlikte, bu türden birçok sorunun, sanatın doğasıyla ilgili temel sorular da dikkate alınmadan tatmin edici bir şekilde yanıtlanıp yanıtlanamayacağı şüphelidir. Maalesef sanat tarihi ile sanat felsefesi (estetik) arasındaki mevcut disiplin boşluğu bunu genellikle engelliyor.^[3]

Sanat eleştirisi tarihi sadece bir biyografik gayret. Sanat eleştirisi tarihi, çalışmalarını genellikle tek tek nesnelerin incelenmesine dayandırır. Tarihsel olarak belirli şekillerde yanıtlamaya çalışır, örneğin: Bu tarzın temel özellikleri nelerdir ?, Bu nesne ne anlama geldi? Görsel olarak nasıl işliyor ?, Sanatçı hedeflerine iyi bir şekilde ulaştı mı ?, Hangi semboller dahil edildi ? ve söylemsel olarak işliyor mu?

Disiplinin tarihsel omurgası, Batı Avrupa'daki kamusal veya dini kurumlar veya varlıklı bireyler tarafından yaptırılan güzel kreasyonların kutlama kronolojisidir. Böyle bir "kanon "sanat tarihi ders kitaplarında bulunan nesnelerin seçilmesinin gösterdiği gibi, öne çıkmaktadır. Bununla birlikte, 20. yüzyıldan beri, disiplini Batı dışı sanatı, kadınlar tarafından yapılan sanatı ve daha kapsayıcı olacak şekilde yeniden tanımlama çabası olmuştur. yerel yaratıcılık.

Sanat Tarihi

Tarihöncesi Antik Avrupalı Asya Hintli İslami Boyama  (Batı )

Sanat Tarihi

Tanım

21. yüzyılda bildiğimiz şekliyle sanat eleştirisi tarihi 19. yüzyılda başlamıştır, ancak antik dünyaya kadar uzanan emsalleri vardır. Politika, edebiyat ve bilimlerdeki tarihsel eğilimlerin analizi gibi, disiplin de yazılı kelimenin açıklığından ve taşınabilirliğinden yararlanır, ancak sanat tarihçileri de resmi analiz, göstergebilim, psikanaliz ve ikonografi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra fotografik reprodüksiyon ve baskı tekniklerindeki gelişmeler, sanat eserlerinin reprodüksiyon yeteneğini artırdı. Bu tür teknolojiler, nesnelerin kolay karşılaştırılmasını sağladıkları için disiplinin derin yollarla ilerlemesine yardımcı oldu. Bu şekilde açıklanan görsel sanat çalışması, anlamayı içeren bir uygulama olabilir. bağlam, form ve sosyal önemi.

Metodolojiler

Sanat tarihçileri, değerlendirmelerini sanat eleştirisi tarihi içinde gerçekleştirirken, yöntemler araştırmalarında ontoloji ve nesnelerin tarihi.

Sanat eleştirisi uygulayıcıları, genellikle çalışmayı zamanı bağlamında inceler. En iyi ihtimalle bu, yaratıcısının motivasyonlarına ve zorunluluklarına saygı duyan bir şekilde yapılır; patronlarının ve sponsorlarının isteklerini ve önyargılarını dikkate alarak; yaratıcının meslektaşlarının ve öğretmenlerinin temalarının ve yaklaşımlarının karşılaştırmalı bir analizi ile; ve ikonografi dikkate alınarak ve sembolizm. Kısacası bu yaklaşım, sanat eserini yaratıldığı dünya bağlamında inceler.

Sanat eleştirisi uygulayıcıları da çoğu kez çalışmaları bir biçim analizi yoluyla inceler; yani, yaratıcının kullanımı hat, şekil, renk, doku ve kompozisyon. Bu yaklaşım, sanatçının bir iki boyutlu resim düzlemi veya üç boyut nın-nin heykelsi veya mimari sanatını yaratmak için alan. Bu bireysel unsurların kullanılma şekli, temsili veya temsili olmayan Sanat. Sanatçı doğada bulunan bir nesneyi veya imgeyi mi taklit ediyor? Eğer öyleyse, temsili. Sanat mükemmel taklide ne kadar yakınsa, sanat o kadar fazladır. gerçekçi. Sanatçı taklit etmiyor, bunun yerine sembolizme mi güveniyor, yoksa önemli bir şekilde doğanın özünü doğrudan kopyalamak yerine yakalamaya çalışıyor mu? Eğer öyleyse, sanat temsili değildir - aynı zamanda Öz. Gerçekçilik ve soyutlama bir süreklilik üzerinde var olur. İzlenimcilik doğrudan taklit edici olmayan, ancak bir doğa "izlenimi" yaratmaya çalışan bir temsil tarzı örneğidir. Çalışma temsili değilse ve sanatçının duygularının, özlemlerinin ve özlemlerinin bir ifadesiyse veya güzellik ve biçim idealleri arayışındaysa, eser temsili değildir veya bir eserdir. DIŞAVURUMCULUK.

Bir ikonografik analiz, bir nesnenin belirli tasarım öğelerine odaklanan bir analizdir. Bu tür unsurların yakından okunmasıyla, soylarının izini sürmek ve onunla bunların kökenleri ve yörüngeleri hakkında sonuçlar çıkarmak mümkündür. motifler. Buna karşılık, nesneyi üretmekten sorumlu olanların sosyal, kültürel, ekonomik ve estetik değerlerine ilişkin herhangi bir sayıda gözlem yapmak mümkündür.

Birçok sanat eleştirisi uygulayıcısı, Kritik teori araştırmalarını nesnelerle çerçevelemek. Teori, çoğunlukla 19. yüzyılın sonlarından itibaren daha yeni nesnelerle uğraşırken kullanılır. Sanat tarihindeki eleştirel teori genellikle edebiyat bilginleri ve sanat nesnelerinin incelenmesine sanatsal olmayan bir analitik çerçevenin uygulanmasını içerir. Feminist, Marksist, kritik yarış, kuir, ve sömürge sonrası teorilerin hepsi disiplinde iyi kurulmuştur. Edebiyat araştırmalarında olduğu gibi bilim adamları arasında doğa ve çevreye ilgi vardır, ancak bunun disiplinde alacağı yön henüz belirlenmemiştir.

Daha yakın zamanlarda, medya ve dijital teknoloji görsel, mekansal ve deneysel analiz olanaklarını ortaya çıkardı. İlgili biçimler filmlerden, sanal ortamlar, artırılmış ortamlar, konumlandırılmış ortam, ağa bağlı ortam vb. Dahil olmak üzere etkileşimli biçimlere kadar çeşitlilik gösterir. Bu tür tekniklerin sağladığı yöntemler, aktif geliştirme aşamasındadır ve anlatı, dramatik, duygusallığı vurgulayabilecek niteliksel yaklaşımları içerme sözü verir ve tarih ve sanatın gülünç özellikleri.^[4]

Öne Çıkan Yöntemlerin Zaman Çizelgesi

Yaşlı Plinius ve eski örnekler

Sanat tarihi veya sanat eleştirisi olarak sınıflandırılabilen sanat üzerine hayatta kalan en eski yazılar, Yaşlı Plinius 's Doğal Tarih (c. AD 77-79), gelişimiyle ilgili Yunan heykel ve resim.^[5] Onlardan fikirlerini izlemek mümkündür Sicyonlu Xenokrates (MÖ 280), belki de ilk sanat tarihçisi olan bir Yunan heykeltıraş.^[6] Pliny'nin işi, esas olarak bir ansiklopedi bilimler, bu nedenle Rönesans ileriye. (Ressamın kullandığı tekniklerle ilgili pasajlar Apelles c. (M.Ö. 332-329), özellikle iyi bilinmektedir.) Benzer, bağımsız da olsa, gelişmeler, akademisyen-resmi sınıfındaki yazarlar tarafından bir değerli sanatçı kanonunun kurulduğu 6. yüzyılda Çin'de meydana geldi. Hat sanatında ustalaşmış olan bu yazarlar, bizzat sanatçılardı. Sanatçılar, Altı Resmin İlkesi tarafından formüle edildi Xie He.^[7]

Vasari ve sanatçıların biyografileri

Giorgio Vasari, Otoportre c. 1567

Anton von Maron, Portresi Johann Joachim Winckelmann, 1768

Sanatın ve sanatçıların kişisel hatıraları uzun zamandır yazılmış ve okunmuştur (bkz. Lorenzo Ghiberti Commentarii, en iyi erken örnek için),^[8] Toskana ressamı, heykeltıraş ve eserin yazarı Giorgio Vasari'ydi. Ressamların Yaşamları ilk doğruyu kim yazdı Tarih sanatın.^[9] Napoli'deki erken modern sanatçı kültüründeki yazıları Giovanni Previtali tarafından değerlendirildi.^[10] Bu alanda bir dönüm noktası olan sanatın ilerleyişini ve gelişimini vurguladı. Birçoğu çağdaşları ve kişisel tanıdıkları olan bireysel İtalyan sanatçıların biyografilerini içeren kişisel ve tarihi bir hikayeydi. Bunlardan en ünlüsü Michelangelo ve Vasari'nin açıklaması, yer yer önyargılı olsa da aydınlatıcıdır.

Vasari'nin sanat hakkındaki fikirleri son derece etkiliydi ve Avrupa'nın kuzeyi de dahil olmak üzere birçok kişi için bir model oluşturdu. Karel van Mander 's Schilder-boeck ve Joachim von Sandrart 's Teutsche Akademie. Vasari'nin yaklaşımı, eleştirinin tarihin biyografik açıklamasına yöneltildiği 18. yüzyıla kadar etkili oldu.

Winckelmann ve sanat eleştirisi

Gibi bilim adamları Johann Joachim Winckelmann (1717–1768), Vasari'nin sanatsal kişilik "kültünü" eleştirdi ve sanat çalışmalarındaki asıl vurgunun, karizmatik sanatçının benzersiz bakış açısı değil, bilgili bakanın görüşleri olması gerektiğini savundu. Winckelmann'ın yazıları böylece sanat eleştirisinin başlangıcı oldu. Sanat eleştirisi kavramını tanıtan en önemli iki eseri, 1755'te Roma'ya gitmeden kısa bir süre önce yayınlanan "Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst'du (Fuseli, 1765'te Reflections on Yunanlıların Resim ve Heykelleri) ve Geschichte der Kunst des Altertums (Antik Sanat Tarihi), 1764'te yayınlanmıştır (bu, bir kitabın başlığındaki 'sanat tarihi' ifadesinin ilk geçişidir) ".^[11] Winckelmann, sanatçıların sanatsal aşırılıklarını eleştirdi. Barok ve Rokoko formlar ve daha ayık olanlar lehine tadı yeniden biçimlendirmede etkili oldu Neoklasizm. Jacob Burckhardt Sanat tarihinin kurucularından biri olan (1818–1897), Winckelmann'ın “antik sanat dönemlerini birbirinden ayıran ve stil tarihini dünya tarihi ile ilişkilendiren ilk kişi” olduğunu kaydetti. Winckelmann'dan 20. yüzyılın ortalarına kadar sanat tarihi alanında Almanca konuşan akademisyenler egemendi. Winckelmann'ın çalışması, sanat tarihinin Alman kültürünün yüksek felsefi söylemine girişini işaret ediyordu.

Winckelmann hevesle okudu Johann Wolfgang Goethe ve Friedrich Schiller Her ikisi de sanat tarihi üzerine yazmaya başladı ve Laocoön grubu tarafından yanıt verdi Lessing. Sanatın felsefi spekülasyonun ana konusu olarak ortaya çıkışı, Immanuel Kant 's Yargı Eleştirisi 1790'da Hegel 's Estetik Konulu Dersler. Hegel'in felsefesi, Karl Schnaase iş. Schnaase's Niederländische Briefe özerk bir disiplin olarak sanat tarihinin teorik temellerini kurdu ve onun Geschichte der bildenden KünsteAntik çağdan Rönesans'a sanat tarihinin ilk tarihi araştırmalarından biri olan Almanca konuşulan üniversitelerde sanat tarihi öğretimini kolaylaştırdı. Schnaase'nin anketi, benzer bir çalışma ile eşzamanlı olarak yayınlandı. Franz Theodor Kugler.

Wölfflin ve üslup analizi

Görmek: Biçimsel analiz.

Heinrich Wölfflin Basel'de Burckhardt'ın yanında eğitim gören (1864–1945), modern sanat tarihinin "babası" dır. Wölfflin, Berlin, Basel, Münih ve Zürih üniversitelerinde ders verdi. Bir dizi öğrenci sanat tarihinde seçkin kariyerlere devam etti. Jakob Rosenberg ve Frida Schottmuller. Sanat tarihine üç kavrama odaklanarak bilimsel bir yaklaşım getirdi. İlk olarak, psikolojiyi kullanarak, özellikle eserlerini uygulayarak sanat incelemeye çalıştı. Wilhelm Wundt. Diğer şeylerin yanı sıra, sanat ve mimarinin insan vücuduna benziyorlarsa iyi olduğunu savundu. Örneğin evler iyiydi cepheler yüzlere benziyordu. İkinci olarak, karşılaştırma yoluyla sanatı inceleme fikrini ortaya attı. Tek tek resimleri birbiriyle karşılaştırarak, stil. Onun kitabı Rönesans ve Barok bu fikri geliştirdi ve bu stilistik dönemlerin birbirinden nasıl farklı olduğunu ilk gösteren kişi oldu. Kıyasla Giorgio Vasari Wölfflin, sanatçıların biyografileriyle ilgilenmiyordu. Aslında, "isimsiz bir sanat tarihi" yaratılmasını önerdi. Sonunda, fikirlerine dayalı sanat okudu. millet. Doğası gereği bir "İtalyan" ve doğası gereği bir "İtalyan" olup olmadığıyla özellikle ilgileniyordu.Almanca "tarz. Bu son ilgi en çok Alman sanatçı hakkındaki monografisinde tam olarak ifade edilmiştir. Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff ve Viyana Okulu

Wölfflin'in kariyeriyle eşzamanlı olarak, büyük bir sanat tarihi düşünce okulu gelişti. Viyana Üniversitesi. Viyana Okulu'nun ilk nesline, Alois Riegl ve Franz Wickhoff, her iki öğrenci Moritz Thausing sanat tarihinde ihmal edilmiş veya küçümsenmiş dönemleri yeniden değerlendirme eğilimi ile karakterize edildi. Riegl ve Wickhoff'un ikisi de sanat eseri üzerine kapsamlı bir şekilde yazdı. geç antik dönem Onlardan önce klasik idealden bir gerileme dönemi olarak kabul edilmişti. Riegl ayrıca Barok'un yeniden değerlendirilmesine de katkıda bulundu.

Viyana'daki yeni nesil profesörler dahil Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda ve Josef Strzygowski. Yirminci yüzyılın en önemli sanat tarihçilerinden bazıları Ernst Gombrich, derecelerini bu sırada Viyana'da aldı. "İkinci Viyana Okulu" (veya "Yeni Viyana Okulu") terimi genellikle sonraki nesil Viyanalı akademisyenlere atıfta bulunur. Hans Sedlmayr, Otto Pächt ve Guido Kaschnitz von Weinberg. Bu akademisyenler 1930'larda ilk neslin çalışmalarına, özellikle Riegl'e ve onun kavramına geri dönmeye başladılar. Kunstwollenve onu tam anlamıyla bir sanat tarihi metodolojisi haline getirmeye çalıştı. Özellikle Sedlmayr, ikonografi, himaye ve diğer yaklaşımların tarihsel bağlamda temellendirilmiş bir dakikalık incelemesini reddetti ve bunun yerine bir sanat eserinin estetik niteliklerine odaklanmayı tercih etti. Sonuç olarak, İkinci Viyana Okulu, kontrolsüz ve sorumsuz bir ün kazandı. biçimcilik ve ayrıca Sedlmayr'ın açık ırkçılığı ve Nazi partisine üyeliği ile renklendi. Ancak bu ikinci eğilim, hiçbir şekilde okulun tüm üyeleri tarafından paylaşılmadı; Örneğin Pächt, Yahudiydi ve 1930'larda Viyana'yı terk etmek zorunda kaldı.

Panofsky ve ikonografi

Fotoğrafçı bilinmiyor, Aby Warburg c. 1900

21. yüzyıl sanatın sembolik içeriğine dair anlayışımız, bir grup bilim adamından gelmektedir. Hamburg 1920'lerde. Aralarında en öne çıkanlar şunlardı: Erwin Panofsky, Aby Warburg, ve Fritz Saxl. 21. yüzyılda sanat tarihçileri tarafından kullanılmaya devam eden kelime dağarcığının çoğunu birlikte geliştirdiler. "İkonografi" - kökleri "yazıdan gelen semboller" anlamına gelen yazılı kaynaklardan - özellikle kutsal kitap ve mitoloji - türetilen sanat konusuna atıfta bulunur. "İkonoloji", belirli bir metinden türetilmiş olsun veya olmasın tüm sembolizmi ifade eden daha geniş bir terimdir. Günümüzde sanat tarihçileri bazen bu terimleri birbirinin yerine kullanmaktadır.

Panofsky, ilk çalışmalarında da Riegl'in teorilerini geliştirdi, ancak sonunda ikonografiyle ve özellikle Orta Çağ ve Rönesans'taki klasik antik dönemle ilgili temaların aktarımı ile daha fazla meşgul oldu. Bu bakımdan onun ilgi alanları, Hamburg'da daha sonraki sanat ve kültürde klasik geleneğin incelenmesine adanmış etkileyici bir kütüphane kurmuş olan zengin bir ailenin oğlu Warburg'unkilerle örtüşüyordu. Saxl'ın himayesi altında, bu kütüphane bir araştırma enstitüsü olarak geliştirildi. Hamburg Üniversitesi, Panofsky öğretti.

Warburg 1929'da öldü ve 1930'larda her ikisi de Yahudi olan Saxl ve Panofsky Hamburg'u terk etmek zorunda kaldı. Saxl Londra'ya yerleşti ve Warburg'un kütüphanesini yanında getirdi ve Warburg Enstitüsü. Panofsky, Princeton'a yerleşti. İleri Araştırmalar Enstitüsü. Bu bakımdan, Alman sanat tarihçilerinin 1930'larda İngilizce konuşulan akademiye olağanüstü akınının bir parçasıydılar. Bu akademisyenler, sanat tarihini İngilizce konuşulan dünyada meşru bir çalışma alanı olarak kurmaktan büyük ölçüde sorumluydu ve özellikle Panofsky'nin metodolojisinin etkisi, Amerikan sanat tarihinin bir nesil için gidişatını belirledi.

Freud ve psikanaliz

Heinrich Wölfflin, sanat araştırmalarında psikolojik teorilere başvuran tek bilim adamı değildi. Psikanalist Sigmund Freud sanatçı hakkında bir kitap yazdı Leonardo da Vinci Leonardo'nun resimlerini sanatçının resimlerini sorgulamak için kullandığı ruh ve cinsel yönelim. Freud, yaptığı analizden Leonardo'nun muhtemelen eşcinsel.

1909 numaralı grup fotoğrafı Clark Üniversitesi. Ön sıra: Sigmund Freud, Granville Stanley Salonu, Carl Jung; arka sıra: Abraham A. Brill, Ernest Jones, Akbar Ferenczi

Psikanaliz yapmak için ölümünden sonra materyal kullanımı sanat tarihçileri arasında tartışmalı olsa da, özellikle Leonardo'nun ve Freud'un cinsel gelenekleri farklı olduğu için, sıklıkla denenir. En tanınmış psikanaliz bilimcilerinden biri, popüler bir ders kitabı yazan Laurie Schneider Adams'tır. Zaman Boyunca Sanatve bir kitap Sanat ve Psikanaliz.

1914'te Sigmund Freud, Michelangelo'nun Musa adlı Musa adlı eserinin bir sanat eseri üzerine psikoloji temelli ilk analizlerden biri olarak psikanalitik bir yorumunu yayınladığında, sanat eleştirisi tarihine şüphe duyulmayan bir dönüş geldi.^[12] Freud bu çalışmayı ilk olarak Vasari'nin kitabını okuduktan kısa bir süre sonra yayınladı. Hayatları. Freud, bilinmeyen amaçlar için, makaleyi orijinal olarak isimsiz olarak yayınladı.

Jung ve arketipler

Carl Jung psikanalitik teoriyi de sanata uyguladı. C.G. Jung bir İsviçre psikiyatrist, etkili bir düşünür ve kurucusu analitik psikoloji. Jung'un psikolojiye yaklaşımı, ruh dünyalarını keşfederek rüyalar, Sanat, mitoloji, dünya din ve Felsefe. Hayatının büyük bir kısmı Doğu ve Batı felsefesini keşfetmekle geçti. simya, astroloji, sosyoloji, Hem de Edebiyat ve sanat. En dikkate değer katkıları arasında psikolojik arketip, kolektif bilinçsiz ve onun teorisi eşzamanlılık. Jung, birçok deneyimin şu şekilde algılandığına inanıyordu: tesadüf sadece sebebi değildi şans ancak bunun yerine, bu yönetim dinamiğini yansıtan paralel olayların veya koşulların tezahürünü önerdi.^[13] O tartıştı kolektif bilinçsiz ve arketipsel imgeler sanatta tespit edilebiliyordu. Fikirleri özellikle Amerikalılar arasında popülerdi Soyut dışavurumcular 1940'larda ve 1950'lerde.^[14] Çalışması ilham verdi sürrealist rüyalardan ve bilinçdışından görüntü çizme kavramı.

Jung, denge ve uyumun önemini vurguladı. Modern insanların bilime ve mantığa çok fazla güvendikleri ve bilinçdışı alemin maneviyatı ve takdirini bütünleştirmekten fayda sağlayacağı konusunda uyardı. Çalışmaları yalnızca sanat tarihçilerinin analitik çalışmalarını tetiklemekle kalmadı, aynı zamanda sanat yapımının ayrılmaz bir parçası oldu. Jackson Pollock Örneğin, Jungcu psikanalisti Dr. Joseph Henderson'la yaptığı psikanaliz seanslarına eşlik etmek için bir dizi çizim yaptı. Daha sonra çizimleri Pollock'un oturumlarına ayrılmış bir metinde yayınlayan Henderson, çizimlerin terapötik bir araç olarak ne kadar güçlü olduğunu fark etti.^[15]

Sanat tarihindeki psikanalizin mirası derin olmuştur ve beyone Freud ve Jung'u genişletmiştir. Örneğin önde gelen feminist sanat tarihçisi Griselda Pollock, hem çağdaş sanata ilişkin okumalarında hem de modernist sanatı yeniden okumasında psikanalizden yararlanır. İle Griselda Pollock Fransız feminist psikanaliz okuması ve özellikle de Julia Kristeva ve Bracha L. Ettinger Rosalind Krauss'un okumalarında olduğu gibi Jacques Lacan ve Jean-François Lyotard ve Catherine de Zegher'in küratöryel sanatı yeniden okuması, Feminist teori alanlarında yazılmış Fransız feminizmi ve Psikanaliz, sanat tarihinde hem erkek hem de kadın sanatçıların yeniden çerçevelenmesini güçlü bir şekilde bilgilendirdi.

Marx ve ideoloji

20. yüzyılın ortalarında sanat tarihçileri kucaklaştı sosyal Tarih kritik yaklaşımları kullanarak. Amaç, sanatın toplumdaki güç yapılarıyla nasıl etkileşime girdiğini göstermekti. Sanat tarihçilerinin eleştirel yaklaşımlarından biri^{[DSÖ? ]} Marksizm kullanıldı. Marksist sanat tarihi, sanatın nasıl belirli sınıflara bağlı olduğunu, görüntülerin ekonomi hakkında nasıl bilgi içerdiğini ve görüntülerin statükoyu nasıl doğal gösterebileceğini göstermeye çalıştı (ideoloji ).^{[kaynak belirtilmeli ][16]}

Belki de en iyi bilinen Marksist, Clement Greenberg, 1930'ların sonlarında denemesiyle öne çıkanAvangart ve Kitsch ".^[17] Greenberg makalesinde şunu iddia etti: avangart savunmak için ortaya çıktı estetik düşüşün standartları damak zevki dahil tüketici Derneği ve kitsch ile sanatı zıt olarak görmek. Greenberg ayrıca şunu iddia etti: avangart ve Modernist sanat, ürettiği kültürün tesviye edilmesine direnmenin bir yoluydu. kapitalist propaganda. Greenberg, Alman kelimesini benimsedi 'Kitsch 'bu tüketiciliği tanımlamak için çağrışımlar o zamandan beri, kapitalist kültürün artık malzemelerinin daha olumlu bir mefhumuna dönüştü. Greenberg sonra^{[ne zaman? ]} modern sanatın biçimsel özelliklerini incelemesiyle tanındı.^{[kaynak belirtilmeli ]}

Meyer Schapiro 20. yüzyılın ortalarının en çok hatırlanan Marksist sanat tarihçilerinden biridir. Sanatta sayısız zaman dilimi ve tema hakkında yazmış olmasına rağmen, en çok son dönemlerden heykel üzerine yaptığı yorumlar ile hatırlanır. Ortaçağ ve erken Rönesans, o sırada kanıt gördü kapitalizm ortaya çıkan ve feodalizm azalan.^{[kaynak belirtilmeli ]}

Arnold Hauser Batı Sanatının ilk Marksist araştırmasını yazdı. Sosyal Sanat Tarihi. Büyük sanat dönemlerinde sınıf bilincinin nasıl yansıtıldığını göstermeye çalıştı. Kitap 1950'lerde yayınlandığında tartışmalıydı çünkü tüm dönemler hakkında genellemeler yapıyordu, artık "kaba Marksizm ".^{[kaynak belirtilmeli ]}

Marksist Sanat Tarihi, Sanat Tarihi bölümünde rafine edildi. UCLA T.J. gibi akademisyenlerle Clark, tamam. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno ve Max Horkheimer. T.J. Clark Marksist bir bakış açısıyla yazan ilk sanat tarihçisiydi. kaba Marksizm. Çeşitli Marksist sanat tarihlerini yazdı. izlenimci ve gerçekçi dahil sanatçılar Gustave Courbet ve Édouard Manet. Bu kitaplar, sanatın yaratıldığı politik ve ekonomik ortamlara yakından odaklandı.^{[kaynak belirtilmeli ][18][19]}

Nochlin ve feminizm

Linda Nochlin "Neden büyük kadın sanatçılar olmadı?" 1970'lerde feminist sanat tarihinin ateşlenmesine yardımcı oldu ve kadın sanatçılar hakkında en çok okunan denemelerden biri olmaya devam ediyor. İçinde kadınların sanat eğitiminden sistematik olarak dışlandığını göstermek için feminist eleştirel bir çerçeve uyguluyor. Nochlin, sanatın yanı sıra kanonik sanat tarihini uygulamadan dışlanmanın, kadınları sanat üretim alanlarından kısıtlayan ve kısıtlayan kültürel koşulların sonucu olduğunu savunuyor. Başarılı olan birkaç kişi anormal olarak değerlendirildi ve sonraki başarı için bir model sağlamadı.Griselda Pollock psikanalitik teori kullanımı yukarıda anlatılan bir diğer önemli feminist sanat tarihçisidir. Feminist sanat tarihi herhangi bir zaman dilimine ve konuma odaklanabilirken, Modern çağa çok fazla ilgi gösterildi. Bu burs merkezlerinden bazıları feminist sanat hareketi, özellikle kadınların deneyimlerine atıfta bulunan.

Barthes ve göstergebilim

Anlamı belirlemeye çalışan ikonografinin aksine, göstergebilim anlamın nasıl yaratıldığı ile ilgilenir. Roland Barthes İma edilen ve gösterilen anlamları bu incelemede çok önemlidir. Herhangi bir özel sanat eserinde yorum, gösterilen anlam - görsel bir işaretin tanınması ve çağrışım anlamı - tanıma ile gelen anlık kültürel dernekler. Göstergebilimsel sanat tarihçisinin temel kaygısı, çağrıştırılan anlamı yönlendirmek ve yorumlamak için yollar bulmaktır.^[20]

Göstergebilim sanat tarihi, estetik bir nesnedeki kodlanmış anlam veya anlamları, onun bir nesneye bağlılığını inceleyerek ortaya çıkarmaya çalışır. kolektif bilinç.^[21] Sanat tarihçileri genellikle belirli bir göstergebilim markasına bağlı kalmazlar, aksine analitik araç koleksiyonlarına dahil ettikleri birleştirilmiş bir versiyon oluştururlar. Örneğin, Meyer Schapiro ödünç Saussure Bir sistem içinde var oldukları gibi işaretleri okuma çabasındaki farklı anlamı.^[22] Schapiro'ya göre, belirli bir resimsel bağlamda önlüğün anlamını anlamak için, ön cephenin aşağıdakiler gibi alternatif olasılıklardan farklılaştırılması veya bunlarla ilişkili olarak görülmesi gerekir. profil veya a üç çeyrek görünüm. Schapiro bu yöntemi şu çalışmalarla birleştirdi: Charles Sanders Peirce nesnesi, işareti ve yorumcusu onun yaklaşımı için bir yapı oluşturdu. Alex Potts, Peirce’in kavramlarının görsel temsile uygulanışını, onları Mona Lisa. Örneğin Mona Lisa'yı maddeselliğinin ötesinde bir şey olarak görmek, onu bir işaret olarak tanımlamaktır. Daha sonra kendi dışındaki bir nesneye, bir kadına veya Mona Lisa'ya atıfta bulunduğu kabul edilir. Görsel, dini anlamı ifade etmiyor gibi görünmektedir ve bu nedenle bir portre olarak kabul edilebilir. Bu yorum, bir olası yorumlar zincirine yol açar: Leonardo ? Onun için ne önemi vardı? Veya belki de tüm kadınlar için bir simgedir. Bu yorumlama zinciri veya “sınırsız semiyosis” sonsuzdur; sanat tarihçisinin işi, yeni olasılıkları ortaya çıkarmak kadar, olası yorumlara da sınırlar koymaktır.^[23]

Göstergebilim, bir görüntünün ancak izleyicinin bakış açısından anlaşılabileceği teorisi altında çalışır. Sanatçı, anlamın tedarikçisi olarak izleyicinin yerini alır, hatta bir yorum, yaratıcının kastı olsun olmasın, hala geçerli olduğu ölçüde.^[23] Rosalind Krauss "In the Name of Picasso" adlı makalesinde bu kavramı benimsedi. Sanatçının anlam üzerindeki tekelini kınadı ve anlamın ancak eserin tarihsel ve toplumsal bağlamından çıkarıldıktan sonra türetilebileceğini vurguladı. Mieke Bal Benzer şekilde, görüntü izleyici tarafından gözlemlenene kadar anlamın bile var olmadığını savundu. Ancak bunu kabul ettikten sonra anlam, feminizm veya psikanaliz gibi diğer olasılıklara açılabilir.^[24]

Müze Çalışmaları ve Koleksiyonculuk

Konunun son yıllarda öne çıkan yönleri arasında, sanat piyasasının ekonomisi de dahil olmak üzere sanatın himayesine ve tüketimine olan ilgi, koleksiyonerlerin rolü, bu görevlendirme çalışmalarının niyetleri ve özlemleri ve çağdaşların tepkileri yer alıyor. ve daha sonra izleyiciler ve sahipler. Müze çalışmaları Müze koleksiyonculuğu ve teşhir tarihi de dahil olmak üzere, koleksiyonculuk tarihi gibi artık özel bir çalışma alanıdır.

Yeni Materyalizm

Bilimsel gelişmeler, özellikle eser oluşturmak için kullanılan malzeme ve tekniklerin çok daha doğru bir şekilde araştırılmasını mümkün kılmıştır. kızılötesi ve röntgen Birçok resim altının yeniden görülmesine izin veren fotoğraf teknikleri. Doğru analizi pigmentler boyada kullanılması artık mümkün, bu da birçok özelliği alt üst etti. Dendrokronoloji için panel resimleri ve radyo-karbon yaş tayini organik malzemelerdeki eski nesneler için, nesnelerin tarihlendirilmesine yönelik bilimsel yöntemlerin, stilistik analiz veya belgesel kanıtlardan elde edilen tarihleri ​​doğrulamasına veya altüst etmesine izin vermiştir. Artık dijital olarak tutulan ve internette veya başka yollarla elde edilebilen iyi renkli fotoğrafçılığın gelişimi, birçok sanat türünün, özellikle koleksiyonlar arasında geniş bir şekilde dağılmış olan çok sayıda var olan nesneleri kapsayan çalışmaları dönüştürmüştür. ışıklı el yazmaları ve İran minyatürleri ve birçok arkeolojik sanat eseri türü.

Döneme göre bölümler

Sanat Tarihi alanı geleneksel olarak, çağlara ve bölgelere dayalı olarak uzmanlıklara veya yoğunlaşmalara bölünmüştür ve medyaya dayalı daha fazla alt bölüm vardır. Böylece, birisi "19. yüzyıl Almancası" konusunda uzmanlaşabilir. mimari "veya" 16. yüzyılda Toskana heykel. "Alt alanlar genellikle bir uzmanlık kapsamına alınır. Örneğin, Antik Çağ Yakın Doğu Yunanistan, Roma ve Mısır'ın tümü tipik olarak özel Tarihi Sanat. Bazı durumlarda, bu uzmanlıklar yakından bağlantılı olabilir (örneğin, Yunanistan ve Roma gibi), diğerlerinde bu tür ittifaklar çok daha az doğaldır (Hint sanatına karşı Koreli sanat, örneğin).

Batı dışı sanat Sanat Tarihi kanonuna göreceli bir yenidir. Sanat ve eser arasındaki anlambilimsel ayrımın son revizyonları, Batı dışı kültürlerde yaratılan nesneleri daha estetik terimlerle yeniden şekillendirdi. Okuyanlara göre Antik Roma ya da İtalyan Rönesansı Afrika'da uzmanlaşmış akademisyenler, Antik Amerika ve Asya büyüyen bir azınlık.

Çağdaş Sanat Tarihi 1960'lardan günümüze kadar olan dönemin varsayımlarından kopuşu yansıtan araştırmayı ifade eder. modernizm sanatçıları tarafından getirildi neo-avangart ve çağdaş sanatta uygulama açısından bir süreklilik kavramsalcı ve post-kavramsalcı uygulamalar.

Profesyonel organizasyonlar

Amerika Birleşik Devletleri'nde en önemli sanat tarihi organizasyonu, Kolej Sanat Derneği.^[25] Yıllık bir konferans düzenler ve Sanat Bülteni ve Sanat Dergisi. Dünyanın diğer bölgelerinde ve aşağıdaki gibi uzmanlık alanlarında benzer kuruluşlar mevcuttur. mimari tarih ve Rönesans Sanat Tarihi. Örneğin Birleşik Krallık'ta Sanat Tarihçileri Derneği prömiyer organizasyondur ve başlıklı bir dergi yayınlamaktadır. Sanat Tarihi.^[26]

Ayrıca bakınız

• Estetik
• Sanat eleştirisi
• Sanat tarihi alanında kadınlar

Referanslar ve notlar

daha fazla okuma

Tarihe göre listelendi

• Pollock, Griselda (ed.) (2006). Psikanaliz ve İmaj. Oxford: Blackwell. ISBN  1-4051-3461-5
• Charlene Spretnak, Modern Sanatta Spiritüel Dinamik: Sanat Tarihi Yeniden Değerlendirildi, 1800 Günümüze.^[1]
• Parlatıcı Larry. (2003). "Sanatın İcadı: Bir Kültür Tarihi ". Chicago: University of Chicago Press. ISBN  978-0-226-75342-3
• Mansfield, Elizabeth (2002). Art History and Its Institutions: Foundations of a Discipline. Routledge. ISBN  0-415-22868-9
• Harrison, Charles, and Paul Wood. (2003). Art in Theory, 1900–2000: An Anthology of Changing Ideas. 2. baskı Malden, MA: Blackwell.
• Murray, Chris. (2003). Key Writers on Art. 2 vols, Routledge Key Guides. Londra: Routledge.
• Harrison, Charles, Paul Wood, and Jason Gaiger. (2000). Art in Theory 1648-1815: An Anthology of Changing Ideas. Malden, MA: Blackwell.
• Harrison, Charles, Paul Wood, and Jason Gaiger. (2001). Art in theory, 1815–1900: an anthology of changing ideas. Malden, MA: Blackwell.
• Buchloh, Benjamin. (2001). Neo-Avantgarde and Culture Industry. Cambridge, MA: MIT Press.
• Clark, T.J. (2001). Farewell to an Idea: Episodes from a History of Modernism. New Haven: Yale Üniversitesi Yayınları.
• Robinson, Hilary. (2001). Feminism-Art-Theory: An Anthology, 1968–2000. Malden, MA: Blackwell.
• Minor, Vernon Hyde. (2001). Art history's history. 2. baskı Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall.
• Pollock, G., (1999). Canon'un Farkı. Routledge. ISBN  0-415-06700-6
• Frazier, N. (1999). The Penguin concise dictionary of art history. New York: Penguin Reference.
• Adams, L. (1996). The methodologies of art: an introduction. New York, NY: IconEditions.
• Nelson, R. S., & Shiff, R. (1996). Critical terms for art history. Chicago: Chicago Press Üniversitesi.
• Minor, Vernon Hyde. (1994). Critical Theory of Art History. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall.
• Fitzpatrick, V. L. N. V. D. (1992). Art history: a contextual inquiry course. Point of view series. Reston, VA: National Art Education Association.
• Kemal, Salim, and Ivan Gaskell (1991). The Language of Art History. Cambridge University Press. ISBN  0-521-44598-1
• Carrier, D. (1991). Principles of art history writing. University Park, Pa: Pennsylvania State University Press.
• Johnson, W. M. (1988). Art history: its use and abuse. Toronto: Toronto Üniversitesi Yayınları.
• Holly, M. A. (1984). Panofsky and the foundations of art history. Ithaca, N.Y.: Cornell University Press.
• Arntzen, E., & Rainwater, R. (1980). Guide to the literature of art history. Chicago: Amerikan Kütüphane Derneği.
• Hauser, A. (1959). The philosophy of art history. New York: Knopf.
• Wölfflin, H. (1915, trans. 1932). Principles of art history; the problem of the development of style in later art. [New York]: Dover Publications.

Dış bağlantılar

• Art History Resources on the Web in-depth directory of web links, divided by period
• Sanat Tarihçileri Sözlüğü, a database of notable art historians maintained by Duke Üniversitesi
• Rhode Island College LibGuide - Art and Art History Resources