Avangart sanat ve Amerikan pop kültürü arasındaki ilişki - Relationship between avant-garde art and American pop culture - Wikipedia

Bu makale gibi yazılmıştır kişisel düşünme, kişisel deneme veya tartışmaya dayalı deneme bir Wikipedia editörünün kişisel duygularını ifade eden veya bir konu hakkında orijinal bir argüman sunan. Lütfen geliştirmeye yardım et yeniden yazarak ansiklopedik tarz. (Şubat 2020) (Bu şablon mesajını nasıl ve ne zaman kaldıracağınızı öğrenin)

Avangart Amerika'da sanat formunun başlangıcından günümüze kadar sanat ve Amerikan pop kültürü ilginç bir ilişki içindedir. On dokuzuncu yüzyılın başlarında başlayan sanat formu Avrupa,^[1] yavaş yavaş yükselmeye başladı Amerika kisvesi altında Dadaizm 1915'te. Aslen bir grup sanatçı altında kurulmuş olsa da New York City kim karşı koymak istedi pop kültürü 1940'lardan 1970'lere kadar çeşitli etkenler nedeniyle sanat formu, sanat, müzik ve edebiyatıyla Amerikan pop kültürü ile ön plana çıkmaya başladı. Bununla birlikte, 1970'lerin sonlarında ortaya çıkan birçok faktörden dolayı, avangard hem önemini azaltmaya başladı hem de çoğu sanat eleştirmeninin sanat formunun yok olduğunu düşündüğü noktaya kadar pop kültürle kaynaşmaya başladı.

Avangart ve Kitsch

Yayınlanan ilk denemeleri ağırlıklı olarak edebiyat ve tiyatro ile ilgili olsa da, sanat hala güçlü bir Clement Greenberg 1939'da muhtemelen en çok bilinen ve en çok alıntı yapılan denemesiyle görsel sanatlar yazarı olarak aniden bir isim yaptı. "Avangart ve Kitsch ", ilk olarak dergide yayınlandı Partizan İnceleme. Greenberg, Marksistten etkilenen bu denemede, avangart Sanat, Aydınlanma'nın eleştirel düşünme devriminin bir ürünüdür ve bu nedenle, hem ana akım kapitalist hem de komünist toplumda kültürün bozulmasına direnir ve geri çekilirken, aynı zamanda sanatçının piyasaya ya da pazara bağımlı olduğu paradoksu kabul eder. devlet, amansız bir şekilde bağlı kalır "göbek bağıyla altın". Öte yandan Kitsch, işçi sınıfının tüketimi için yapılan bir dolgu maddesi olan sanayileşme ve işçi sınıfının kentleşmesinin bir ürünüydü: kültüre aç, ancak en son avangart kültürün tadını çıkaracak kaynakları ve eğitimi olmayan bir halk. . Greenberg şöyle yazıyor:

"Kitsch, hammadde olarak, gerçek kültürün aşağılayıcı ve akademikleştirilmiş simulacrasını kullanarak, bu duyarsızlığı memnuniyetle karşılar ve geliştirir. Kârının kaynağıdır. Kitsch mekaniktir ve formüllerle çalışır. Kitsch, dolaylı deneyim ve sahte hislerdir. Kitsch, tarzı, ancak her zaman aynı kalır. Kitsch, zamanımızın hayatında sahte olan her şeyin özüdür. Kitsch müşterilerinden paraları dışında hiçbir şey talep etmiyormuş gibi davranır - onların zamanı bile. " ^[2]

Greenberg'e göre avangart sanat, propaganda olarak etkili bir şekilde kullanılamayacak kadar "masumdu" veya bir amaca yönelikti, kitsch ise yanlış duyguları uyandırmak için idealdi.

Greenberg, Almanca kelimeyi benimsedi "Kitsch "bu alçak, uydurma" kültür "biçimini tanımlamak için, çağrışımlar o zamandan beri, kapitalist / komünist kültürün nostaljik materyallerinin daha olumlu bir kabulüne dönüştü. "Avant Garde and Kitsch" açıkça politik olarak motive edilmiş bir denemedir, kısmen de Modernist Sanatın baskı ve yıkımına bir yanıttır. Nazi Almanyası ve Sovyetler Birliği ve Avrupa'da artan totaliter tehdidin ve faşizmin "gerilemesinin" kınanmasını temsil ediyor.

Daha fazla tanım

Avangart sosyolog Diana Crane'in belirttiği gibi, "Avrupa'da on dokuzuncu yüzyılın başlarında başlayan bir sanat formuydu". Sanat formu bu kadar uzun süredir varlığını sürdürürken, sanat formu kavramının "son derece belirsiz" olduğunu ve varoluşu boyunca birçok aşamadan geçtiğini belirtir. Dadaizm, Soyut Dışavurumculuk, Minimalizm, ve Pop sanat. Bununla birlikte, toplumsal olarak, her avangart biçimi, yüksek kültür tanımının bir parçası olduğu fikriyle birleşir, ancak bu kendi içinde çeşitli modalarda tanımlanır.^[1]

Avangardı belirleme yolları

Terimin belirsizliğinden dolayı Crane, neyin avangard olarak kabul edilebileceğine ve neyin olmadığına dair birkaç fikir veriyor. Avangardın, kendi yaklaşımında belirlenebileceğini belirtir. estetik sanat yapıtının toplumsal içeriği ve sanat yapıtının üretimi ve dağıtımı aracılığıyla.^[1]

Estetik

Estetik yoluyla, bir sanat eseri aşağıdakilerden herhangi birini yaparsa avangart belirlenebilir:

• Sanat eseri sanatsal kuralları yeniden tanımlıyorsa.
• Yeni sanatsal araç ve teknikler kullanıyorsa.
• Ve sanat nesnelerinin doğasını yeniden tanımlarsa.

Avant-garde'da kullanılan estetiğin bir örneği, Marcel Duchamp. Duchamp's için Çeşme, sadece bir pisuar aldı ve bunu bir hazır sanat formu olarak tanımladı. Bunda, zaten yapılmış bir eşyayı alıp sanatsal bir amaç için kullanarak sanatsal gelenekleri yeniden tanımladı. Bunu yaparak, daha önce üretilmiş bir şeyi alıp, pisuarı alıp sanat için kullanarak kullandığı nesneyi yeniden tanımlayarak sanat üretiminde yeni bir teknik de kullandı.

Sosyal İçerik Yoluyla

Sosyal içerik aracılığıyla, bir sanat eseri aşağıdakilerden birini yaparsa avangart belirlenebilir:

• Sanat eseri, sanat eserlerinde çoğunluk kültürünü eleştiren veya ondan farklı sosyal veya politik değerleri içeriyorsa.

Örneğin, Hümanizm Sanatı: Değişim Zamanında SanatBarry Schwartz, avangart sanatın rollerinden birinin sanat dünyasına karşı kültürel bir güç sağlamak olduğunu belirtiyor.

• Yüksek ve popüler kültür arasındaki ilişkiyi yeniden tanımlarsa

Bu görsellere farklı bir anlam katmak için reklamlardan ve çizgi romanlardan görseller kullanan pop sanatçıları gibi

• Sanat kurumlarına karşı eleştirel bir tavır alırsa

Bu, Dadaistlerin sanatın meşruiyetine saldırısında görülüyor.

Üretim ve dağıtım yoluyla

Bir sanat eseri, üretimi ve dağıtımı yoluyla, sanat üretimi için toplumsal bağlamı eleştirmenler, rol modeller ve izleyici açısından yeniden tanımlıyorsa, avangart olarak tanımlanabilir; aşağıdakilerden birini yaparsa:

• Sanat eseri, sanatın üretimi, sergilenmesi ve dağıtımı için organizasyonel bağlamı yeniden tanımlıyor

Sanatın satılamaz görünmesi için alternatif mekanların kullanılması buna güzel bir örnektir.

• Sanat eseri, sanatsal rolün doğasını ya da sanatçının diğer sosyal kurumlara katılım derecesini yeniden tanımlayarak orta sınıftaki avangart sanatçılara iyi bir niş sağlar.

Post-Modernizm ile Farklar

Bugün iki terim birbirinin yerine kullanılsa da, bazıları ikisi arasındaki farkın, sanatı yenileştirmeye yaklaşımlarında yattığını iddia ediyor. Jochen Schulte-Sasse'ye göre,^[3] iki gerçeği farklıdır Postmodernizm (sanatın toplumsal etkisine herhangi bir atıfta bulunmadan) onları yeniyle değiştirmek için eski sanat anlayışlarını yok etmek istiyor. Diana Crane'e göre postmodernistler bunu çeşitli yollarla, yani çok anlamlılık, belirsizlik ve parodinin etkilerini yaratarak yaparlar. Post-modernistler, sanatlarının sosyal etkilerinden ziyade yalnızca sanatlarının tekniğine odaklandılar. Bununla birlikte, avangart sanatı yenileştirmek ve aynı zamanda içindeki sosyal sorunları iletmek istiyor. Postmodernizmin sanatını avangart izleyen kişiyi şok etmek amacıyla kullandığı, aynı zamanda izleyiciyi sıklıkla şok ettiği, sanatı kullanırken bir yandan da sanat aracılığıyla bir mesaj iletmek için kullandığı da tanımlanabilir. izleyiciyi şok etmek için.^[4]

Avangardın alt türleri

Avangart, tek başına bir sanat biçimi olsa da, tarihi boyunca sanat biçimine bağlı, her biri kendi farklı mesajlarını ileten çeşitli alt türlere sahip olmuştur. Dadaizm ve Pop Art gibi bazıları, sanatı sosyal bir yorum sağlamak için kullanıyor.^[1] Soyut Dışavurumculuk gibi diğerleri, duygusal bir tepkiyi uyandırmak için dış dünyasal figürleri ve renkleri kullanır.^[5] Son olarak, Minimalizm gibi bazıları var^[6] sanatını duygusal ya da sosyal hiçbir anlamı olmayan sanat yapmak için kullananlar. Amerika'daki popülaritesi sırasında ortaya çıkan sayısız farklı avangart alt tür varken, Amerikan Popüler Kültüründe en büyük rolü oynayan dört alt tür Dadaizm, Soyut Dışavurumculuk, Minimalizm ve Pop Art'tır.

Dadaizm

Marcel Duchamp 's Çeşme Dadaist'in bir örneğidir Hazır Mades

Dadaizm, avangart sanatın Amerika'ya geçen ilk büyük alt türüydü. Dadaist sanatçılar, birçok yönden, o zamanki tipik sanatçıyla o zamanın tipik sanatsal geleneklerine karşı olma ve sanat karşıtı olma fikirleriyle karşılaştırmak istediler. Sanat karşıtı yaklaşımlarının güzel bir örneği, Dadaistlerin en dikkat çekici varlık olan "hazır deliler" dedikleri şeyden geldi. Marcel Duchamp Porselen bir pisuar olan Çeşmesi. Bunun gibi hazırlıklar, sanat camiasında sanatın tanımı ve Dadacıların bu tanımda nasıl oynaması gerektiği konusunda büyük tartışmalara neden oldu.^[7]

Parçalar Arası Ortaklıklar

Dadaist parçaları belirli bir sanatsal form aracılığıyla belirlenemezken, birçok Dadaist sanatçı, sanatlarını yaratmak için gruplar halinde işbirliği yaptı, ya sosyal meselelere dayalı sanat yaratmak için (özellikle Avrupa'da) ya da sanat dünyasıyla alay etmek için birleşti. genel (çoğunlukla Amerika'da). Amerika'da, bu hareketin merkezi New York bölgesindeki iki yerden geldi: Alfred Stieglitz'in New York galerisi "291" ve Walter Arensberg'in stüdyosunda. Grup işbirliğine ek olarak, Dada hareketinin sanatçıları, diğer yerleşik sanatçıları takip etmekten çok kendiliğindenlik ve şansa bağlıydı. Yerleşik sanatçıların ve sanat yaratımının oluşturduğu fikirleri reddetmeye odaklandılar ve sanatlarını yaratmak için kolaj, fotomontaj ve buluntu nesne yapımı gibi yöntemleri kullandılar. Bu sanat formu 1916'da Almanya'da güçlü bir şekilde başlarken, sonunda 1922'de hem Avrupa'da hem de Amerika'da kayboldu. Bununla birlikte, düşüşüne rağmen, Dada, 1970'lerdeki Punk hareketi de dahil olmak üzere, gelecekte diğer avangart ve nihilist sanat formları üzerinde büyük bir etki yapacaktı.^[7][8]

Soyut Dışavurumculuk

Soyut Dışavurumculuk, Dadaizm'den farklı olarak Amerika Birleşik Devletleri'nde doğmuş ve popüler olan bir başka önemli avangart türdü. Bu sanat formunun uygulayıcıları olan bir dizi sanatçı arasında Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, ve Mark Rothko. Amerika'daki Dadaizm gibi, hareketin merkezi New York'daydı.^[5]

Ortaklıklar

Ayrıca, Dadaizm gibi, sanatçıların çoğu sanatlarını yaratmada birlikte çalışsa da, sanat eserleri belirli bir sanat formu aracılığıyla belirlenemez. Parçalar, hem parçada kullanılan tekniklerden hem de parçaların ifade kalitesinden kaynaklanan boyama stilleri arasında genellikle farklı farklılıklar gösteriyordu. Parçalar arasındaki büyük farklılıklara rağmen, Soyut Dışavurumculuk birkaç geniş özelliği paylaşır. Bu özellikler şunları içerir:

• Her parça, görünür dünyada bulunmayan formları tasvir ediyor
• Her biri özgür, spontane ve kişisel duygusal dışavurumculuğu vurgular
• İfade edici nitelikleri (şiddet, lirizm, vb.) Uyandırmak için boyanın fiziksel karakterinin sömürülmesine vurgu yaparak bir teknik özgürlüğü kullanırlar.
• Sanatta yaratıcı bilinçdışının gücünü ifade etmek gibi benzer bir niyetle, bu boyanın, Sürrealistlerin otomatizmine benzer bir psişik doğaçlama formunda çalışılmamış ve sezgisel uygulanmasına benzer bir vurgu gösterirler.
• Ayrık ve ayrılabilir öğelerden oluşan geleneksel olarak yapılandırılmış kompozisyonun terk edilmesini ve bunların yerine tek bir birleşik, farklılaşmamış alan, ağ veya yapılandırılmamış uzayda var olan başka bir görüntü ile yer değiştirmelerini gösterirler.
• Son olarak, resimler, yukarıda bahsedilen görsel efektlere hem anıtsallık hem de sürükleyici güç vermek için büyük tuvalleri dolduruyor.

Ayrıca Soyut Dışavurumculuğu kategorize eden üç ana teknik vardır. Birincisi, var Eylem Boyama Süpürme veya kesme fırça darbelerinde ve boyanın doğrudan kanvas üzerine damlama veya dökülme gibi kısmen tesadüfen dikte edilen tekniklerde boyanın gevşek, hızlı, dinamik veya kuvvetli kullanımı ile karakterize edilen. Buna örnek olarak Jackson Pollock, karmaşık ve karışık boya çukurlarını heyecan verici ve düşündürücü doğrusal desenlere dönüştürmek için ham tuval üzerine damlayan ticari boyaları içerir ve Willem de Kooning, zengin renkli ve dokulu görüntüler oluşturmak için son derece güçlü ve etkileyici fırça darbeleri kullanmıştır. Soyut Dışavurumculuğun ikinci kategorisi, çeşitli stillerle temsil edilir. Renk alanı, için Lirik soyutlama; hassas görüntüler ve akışkan şekiller ve renk alanları Clyfford Still, Philip Guston, ve Helen Frankenthaler daha net yapılandırılmış, güçlü, neredeyse kaligrafi resimlerine Robert Motherwell ve Adolph Gottlieb. Son olarak, Soyut Dışavurumculuğun son biçimi üçüncü ve duygusal olarak en az ifade eden yaklaşım Rothko'nunkiydi, Barnett Newman, ve Ad Reinhardt. Bu ressamlar, sessiz, ince, neredeyse meditatif etkiler elde etmek için düz renkli ve ince, saydam boyadan oluşan geniş alanlar veya alanlar kullandılar. Soyut Dışavurumculuğun kökleri 1919'a kadar uzanırken, popülaritesinin zirvesi 1950'lerden 1960'lara kadardı. Bu, daha önce Dadaizm gibi, kısa bir popülerlik zirvesinden muzdarip olan başka bir etkili avangart sanatsal türü gösteriyor.^[5]

Minimalizm

Minimalizm, 1910'lardan 1960'ların sonlarına kadar bir formun aşırı sadeliği ve gerçek bir yaklaşımla karakterize edilen avangart bir türdü. Kökenleri, sanatı temel unsuruna indirgemeye odaklanan Kandinsky, Picabia, Delaunay, Kupka, Survage ve Malevich gibi birçok sanatçıdan kaynaklanıyor olabilir. Sanatının en güzel örneği, beyaz zemin üzerine siyah bir karenin resmidir. O zamanlar ünlü olan diğer minimalist sanatçılar arasında Jack Youngerman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held ve Gene Davis gibi ressamlar ve Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Tony Smith, Anthony Caro gibi heykeltıraşlar vardı. ve Sol LeWitt.^[6]

Kazimir Malevich, Kara Kare, 1923, tuval üzerine yağlıboya, Devlet Rus Müzesi, St.Petersburg

Minimalizmin yükselişi birçok yönden Soyut Dışavurumcu hareketten, özellikle hareketin Eylem Resimlerinden memnun olmayanların bir sonucu olarak geldi. Birçoğunun nedeni, Action resminin çok kişisel ve aslına uygun olmadığına inanmaları ve bir sanat eserinin kendisinden başka hiçbir şeye atıfta bulunmaması gerektiği görüşünü benimsemeleriydi.^[6]

Benzerlikler

Zamanın diğer avangart türlerinden farklı olarak, minimalist sanat eserlerinin üretimine geldiğinde yalnızca bir dizi felsefi özellik kullanmakla kalmadı, Sanatlarını görsel olmayan herhangi bir etkiden kurtarmak için Minimalist resimler keskin kenarlı resim kullandı. basit bir biçim ve iki boyutluluğu vurgulamak ve izleyiciye diğer herhangi bir tepkiye kıyasla sanata anında, tamamen görsel bir yanıt vermek için doğrusal bir yaklaşım.^[6]

Sert Kenar Boyama

Sert kenarlı boyama, genel olarak düz bir yüzey üzerinde büyük, basitleştirilmiş, genellikle geometrik formlarla karakterize edilir; kesin, keskin hatlar; ve astarsız tuval üzerine boyanmış geniş, parlak, modüle edilmemiş renk alanları. Diğer geometrik soyutlama türlerinden farklıdır, çünkü hem lirik hem de matematiksel kompozisyonu reddeder, çünkü bu basitleştirilmiş alanda bile, sanatçı için kişisel bir ifade aracıdırlar. Minimal sert-kenarlı boyama, basit bir nesnenin anonim yapısıdır. (Ansiklopedi girişinin geldiği kısma atıfta bulunun)^[6]

Minimalist Heykel arasındaki benzerlikler

Minimalist resim gibi, minimalist heykel, cam elyafı, plastik, sac metal veya alüminyumdan yapılmış son derece basit, anıtsal geometrik formlar kullandı; işlenmemiş veya parlak endüstriyel renkle boyanmış, sanatı görsel tepkinin kullanılmasına gerek kalmadan iletmek için. sanatın başka yerlerde yanıtlar oluşturmasına izin vermek. Minimalist Heykel'in bir örneği, Tony Smith'in "Free Ride" adlı eseri, beyaz zemin üzerine açılan bir kapı büyüklüğünde siyah geometrik bir yapıdır.^[6]

Pop sanat

Amerikan pop kültüründe çok etkili olduğu kanıtlanan son büyük avangart sanat formlarından biri Pop Art'dı. Bu sanat formunun kökleri 1950'lerin başlarında Büyük Britanya'ya dayanıyordu, ancak 1950'lerin sonlarında Amerikan kültürüne girdi ve 1960'lardan itibaren Amerika'da popüler bir sanat formu olarak kaldı. Bu dönemin ünlü uygulayıcılarından bazıları Andy Warhol, Roy Lichtenstein ve Claes Oldenburg'dur.^[9]

Benzerlikler

Minimalizm gibi pop art da parçaları arasında açık ortak noktalara sahiptir. Öncelikle, her parça, parçalarının konusu olarak sıradan öğeleri (çizgi romanlar, çorba kutuları, yol işaretleri ve hamburgerler) kullanır. Çağdaş yaşam üzerinde büyük bir etki yaratan herhangi bir ikonografiyi, övgü ya da kınama olmaksızın, ezici bir dolaysızlıkla ve ikonografinin ödünç alındığı medyanın kullandığı kesin ticari teknikler aracılığıyla, kesin bir şekilde sunarlar. Aynı zamanda, son derece kişisel Soyut Dışavurumculuğun hem Amerika Birleşik Devletleri'nde hem de Avrupa'da hakimiyetinden sonra daha nesnel, evrensel olarak kabul edilebilir bir sanat biçimine geri dönme girişimiydi. Aynı zamanda, hem geçmişin "yüksek sanatının" üstünlüğünü hem de diğer çağdaş avangart sanatın iddialarını reddeden ikonoklastikti. Pop art, belirli bir sosyal durumu yakından yansıtması ve kolay anlaşılır görüntüleri kitle iletişim araçları tarafından anında istismar edilmesi nedeniyle kültürel bir olay haline geldi. Pop art, kendi dönemindeki diğer avangart sanat formlarına muhalefet etmesine rağmen, Dada'nın bir türeviydi ve özellikle "hazır malzemeleriyle" Amerikan pop kültürünün birçok nesnesini ve görüntüsünü öven Marcel Duchamp'ın sanatını övüyordu.^[9]

1940'lardan Önce İlişki

İkinci Dünya Savaşı'ndan önce Amerika Birleşik Devletleri'nde bazı önemli sanatçılar ve sanat hareketleri vardı, ancak sosyolog Diana Crane'e göre, bu sanat hareketleri hiçbir zaman doğrudan Avrupa'daki sanat hareketlerinden ilham almadı. Ancak, Avrupa'daki avangart harekete dahil olan Avrupalı ​​göçmenlerin sayısı nedeniyle, Marcel Duchamp gibi Avrupalı ​​Dadaist sanatçılar, avangart ideallerini yanlarında taşıyarak Amerika'ya taşındı. New York'a geldiklerinde, bu Dadaistlerin çoğu işbirliği yapmaya karar verdi ve halka sergileyecek sanat yaptı.^[1]

Başlangıçta, Dadaistler New York sanat sahnesine biraz dikkat çekerken, onun dışında çok az ilgi gördüler. O zamanlar Dadaistlerin ilgisizliğinde rol oynayan bazı faktörler, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki müzelerin eksikliği ve sanatı yaratan ve reklamını yapan sanatçılara fon sağlanamamasıydı.^[1]

Avrupa avangardının kökenleri

Peter Burger'e göre, estetiği içeren bazı teoriler, Karl Marx'ın yazılarına kadar geri gelebilir. Burger'e göre, "Marx için, bu gelişme yalnızca ekonomik teoride bir gelişme değildir. Daha ziyade, bilgide ilerleme olasılığının, içgörünün kendisini yönlendirdiği nesnenin gelişiminin bir işlevi olduğunu hisseder ... Marx, emek kategorisi örneği, sanattaki nesneleştirmeler için de geçerlidir ... sanat olgusunun tam olarak ortaya çıkması yalnızca estetikçilikle olur ve tarihsel avangart akımların tepki verdiği estetikçiliktir ".^[3]

Karl Marx'ın avangart hareket üzerindeki etkisi fikrinin yanı sıra, hareketin çoğu, yükselişi sırasında savaşılan savaşların sosyal yorumlarından geldi. Örneğin dadaizm, grup tarafından burjuva değerlerine yönelik tiksinti ve I.Dünya Savaşı üzerindeki umutsuzluğun doğurduğu anti-estetik yaratımlarına ve protesto faaliyetlerine uygun olarak ele geçirildi. Nazi karşıtı görüşleri.^[7]

1950'ler ve 1980'ler arasındaki ilişki

Daha önce de belirtildiği gibi, 1920'lerde Avrupa'dan birçok Dadaist hareket ABD'ye göç eder etmez, sanatlarını yapmaya ve New York halkına sunmaya başladılar. Başlangıçta havalanmasa da, 1950'lerde, bu bireylerden ilham alan sanatçıların sanatı ve sanatı popülerlik kazanmaya başladı.^[5]

Amerikan Popüler Kültürünün gözünde avangart sanatın yükselişine yol açan bir dizi faktör vardı. Her şeyden önce, II. Dünya Savaşı'ndan sonra Amerikan Ekonomisinin yükselişine bağlı olarak Amerikan Hükümeti, Güzel Sanatlar'ın önemini artırmaya odaklandı. Bunu yapmak için kongre, ülke çapındaki müzelerin sayısını artıran ve sanatçıların daha fazla sanat üretmesine izin vermek için hükümeti finanse eden yasa tasarılarını kabul etti.^[1]

Müzelerin Arttırılması

1940'lardan önce birçok bölgedeki Amerikalılar avangart sanatın varlığından habersizdi, çünkü Dore Ashton'a göre, "Kültür ... hinterlandın içine halk kütüphaneleri, edebiyat toplulukları ve hatta müzik çevreleri biçiminde girmiş olsa da, plastik sanatlar ... çok geride kalmıştı "Halk arasında sanata ilgiyi artırmak ve o dönemde dünyanın geri kalanıyla güncel olmalarını sağlamak için sayıyı artırmaya karar verdiler. 1940'lardan 1980'lere kadar Amerika'daki müzeler.^[10]

Sanatçıya Devlet Finansmanı Sağlıyor

Federal Hükümet, müzelerin inşasının yanı sıra, halkın ilgisini artırmak için daha fazla sanat eserinin olması gerektiğini de fark etti. Buna ek olarak, eğer sanatçılar bunu yapacaksa, sanatçıların sanatlarını üretmek için bir araya gelebilecekleri topluluklar oluşturmaları gerekecektir. Sharon Zukin'e göre, "... emlak geliştiricileri, Manhattan'ın SoHo bölgesinde bir sanatsal topluluğun yaratılmasından kaynaklanan emlak değerlerindeki artıştan kar elde ederken, siyasi liderler sanatla ilgili geniş bir iş havuzunun yaratılmasından yararlandılar. " Federal Hükümetin bu dönemde sanatçıları finanse etme ihtiyacı duymasının bir başka nedeni de halkın vatanseverliğini artırmaktı. Amerika Birleşik Devletleri'nin ne kadar ihtişamlı, görkemli ve özgür olduğunu tasvir eden bir sanat varsa, bunun halk arasında Vatanseverliği artıracağını, böylece halkın hükümetin sunacağı her şeyi kabul etmeye istekli olacağını hissettiler. Sharon Zukin'e göre, "Federal ve eyalet hükümetlerinin sanata ve sanatçılara fon sağlama istekliliği, gezici sergileri Amerikan yaşam tarzı propagandası olarak kullanan politik çıkarlardı.^[1][11]

Erken avangardın sonraki avangart üzerindeki etkisi

Bu dönemden etkili olan avangardın tüm önemli hareketlerine bakıldığında, neredeyse tüm bu sanat formları daha önceki avangart sanat formlarına, yani Dadaizm'e kadar uzanıyor. Örneğin, pratikte Soyut Dışavurumculuk, Dada'dan, sanat formunun benzerliklerinin sanatın inşa edilme biçiminde değil, türlerin örneklediği kavramdan etkilenmesinden etkilenmiştir. Pop Art da etkilerini Dada'dan alıyor, çünkü sıradan eşyaları orijinal olarak tasarlanmadıkları bir şekilde kullanan "hazır malzemeler" gibi. Dada vakası için "hazır ürünler", tuvaletler gibi sanat eserlerinden oluşuyordu. Pop art söz konusu olduğunda, çizgi romanlar, çorba kutuları veya dergi reklamları olsun, popüler kültürde etkili olduğu kanıtlanan herhangi bir şey olabilirdi.^[7][9]

Daha önceki bir avangart türün daha sonraki bir türü nasıl etkilediğinin bir başka örneği, Dada'nın 1970'lerde Punk modasına olan etkisinin örneğidir. Dadaistlerin sanatlarını hiçbir şeye inanma idealini ve sanatlarıyla hiçbir şey olma arzusunu yansıtmak için nasıl kullandıklarına çok benzer (çoğu kez sanat karşıtı olarak adlandırdıkları gibi), Punk kültürü de aynı idealleri kendi modaları ve müzik (müziklerini anti-müzik olarak tanımlayarak). Aynı ideale uyan ikisine ek olarak, ikisi de medyalarını aynı yaklaşımı yansıtmak için kullandı: sanatlarıyla toplumu şok etmek ve eserleri aracılığıyla politik, genellikle Marksist bir mesaj söylemek.^[8]

Yüksek kültür ve popüler kültür arasındaki ilişki

Dadaist başlangıcından kaynaklanan avangart, tipik Popüler Kültürden bir tezat oluşturan bir hareketti. Dada kisvesi altında, Avrupa'da sanat karşıtı söylemlerini sergilemenin yanı sıra, burjuva değerlerine duydukları tiksintiyi ve Birinci Dünya Savaşı'na karşı olan kınamalarını halka duyurmanın bir yolu olarak başladı Amerika'da sanat pek fazla değildi. burjuva değerlerini ve savaşı protesto etmekle ilgili olarak, tipik sanat değerlerine karşı protesto etme ve Amerikan popüler kültürüne karşı yüksek, sanatsal kültürü oluşturmanın bir yolu olarak hizmet etti.^[7]

Benzer şekilde, Soyut Dışavurumcu ve Minimalist sanat da popüler kültürü karşılaştırmanın bir yolu olarak hizmet etti. Soyut Ekspresyonist sanatta, gerçek dünyada var olmayan formları kullanarak sanat yaratarak gerçek dünya niteliklerinin tasvirinden kontrast oluşturma yaklaşımı. Minimalist sanatta yaklaşım, diğer avangart türlerinkiler de dahil olmak üzere, zamanın karmaşık yapıtlarıyla tezat oluşturuyordu. Soyut Dışavurumculuk. Sanatçı bu sayede sanatını yalnızca sanat yapma niyetiyle yarattı; karmaşık bir politik ifadeyle, kültürel referansla vb. değil. Sadece sanat için sanattı.^[5][6]

Bununla birlikte, Pop art ve uygulayıcıları, yüksek kültür ile popüler kültür arasında bir miktar karşıtlık yapmaya devam ederken, popüler kültür unsurlarını kullanarak ve bu görüntüleri, bu unsurların orijinal amacı olmayan bir şekilde dönüştürerek ikisini bulanıklaştırmaya başladılar. kendilerinden önceki Dadaist sanatçıların hazırlıkları gibi. Andy Warhol'un çorba tenekeleri ve aktris Marilyn Monroe resimleri ile yaptığı gibi, bazen görüntülerin renklendirmesi bozuldu. Diğer zamanlarda, bir çizgi roman şeridini ilk bağlamından çıkararak ve bunu bir parça için kullanarak geldi. Bununla birlikte, ikisini karşılaştırmaya çalışmasına rağmen, çoğu zaman sanatçıların çoğu popüler kültürde ünlü oldular ve bununla Yüksek Kültür arasındaki zıtlıklarını uyguladılar.^[9]

Avangardın ölümü

Pop Art hareketinin sona ermesinden sonra, birçok sanat eleştirmeni kısa bir süre önce Pop sanatçılarından etkilenen yükselen sanatçı kuşağını, hatta bazılarının avangard ölü olarak gördüğü noktaya kadar sorgulamaya başladı. Çeşitli nedenler var, ancak ölümünün üç ana göstergesi:

Blink-182, 2009'da canlı performans sergiliyor.

1. Başlangıçta pop sanatçıları, Amerikan toplumu üzerinde büyük bir etki sağlayan öğeler üzerindeki niyetini değiştirerek Amerikan Pop Kültürü ile Yüksek Kültür arasında bir ayrım yaptılar. Bununla birlikte, zaman geçtikçe, hedefleri tanınmış ikonları sanatlarına uyacak şekilde yıkmak olan bu aynı sanatçıların birçoğu kendileri ünlü oldu. Sonuç olarak, Yüksek Kültürü destekleyen birçok avangart sanatçı Popüler kültürde tanınmaya başladığından beri, iki kültür arasındaki farklar zaman geçtikçe daha az ayırt edilebilir hale geliyordu.^[9]
2. 1990'lara yaklaşıldığında, Punk hareketi Amerikan kültürünün bir parçası olmaya başladı. Bu geçişin göstergeleri arasında Nirvana gibi grupların sağladığı punk esintili grunge müziğin yükselişi ve Green Day ve Blink 182 gibi pop-punk gruplarının yükselişi yer alıyor. Punk müziğin bu zamana kadar popülaritesi artmaya başladığında sözler, moda ve müziğin kendisi, avangart etkisinin çoğunun şeffaf göründüğü noktaya kadar Popüler Kültür tarafından doyurulmaya başladı.
3. Yüksek kültürün tanımı, başlangıcından daha belirsiz olduğundan, pek çok sanatçı avangarda benzer görünen sanat yaratmaya çalıştı, ancak Yüksek Kültürü inşa etmeye odaklanmak yerine, sanat daha çok şok yarattı ve geleceğin sanatını yaratmak. Sanatın toplumsal etkisine değil, şoka odaklanan bu tür sanatlar, sanat eleştirmenleri tarafından Postmodernizmin başlangıcı olarak görülüyordu.

Ayrıca bakınız

Alıntılar

Kaynakça

• Vinç, Diana (1987). Avangardın Dönüşümü: New York Sanat Dünyası. Chicago Üniversitesi.
• Büger, Peter (1984). Avangart Teorisi. Minnesota Universitesi.
• Vinç Diana (1997). Postmodernizm ve Avangart: Moda Tasarımında Biçimsel Değişim. Modernizm / Modernite 4.3. s. 123–140
• Marcus, Greil (1989). Ruj İzleri: Yirminci Yüzyılın Gizli Tarihi Harvard Üniversitesi Yayınları.
• Ashton, Dore (1973). New York Okulu: Kültürel Bir Hesaplama. Viking.
• Zukin, Sharon (1982). Loft Living: Kentsel Değişimde Kültür ve Sermaye. Johns Hopkins Üniversitesi Yayınları.

daha fazla okuma

• Schwartz, Barry N. Yeni Hümanizm; Değişim Zamanında Sanat. New York: Praeger, 1974.
• Henry, Tricia. "Punk ve Avant Dereceli Sanat", Popüler Kültür Dergisi, 17: 4 (Bahar 1984) s. 30.
• Porter, Cassandra M. "Dada: Bir Yol Bulucu". Koleksiyon Binası 17.2 (1998): 84–90.
• Kramer, Hilton. "Avangart Çağı", Ortak, 54: 4 (Ekim 1972) s. 37.