Sanat filmi - Art film - Wikipedia

Carl Theodor Dreyer 1965'te burada resmedilen, 1928 filmini yönetti Joan of Arc'ın Tutkusu.

Bir sanat filmi tipik olarak ciddi bağımsız film, bir niş market yerine kitle pazarı seyirci.[1] "Ciddi, sanatsal bir çalışma olması amaçlanmıştır, genellikle deneyseldir ve kitlesel çekicilik için tasarlanmamıştır",[2] "ticari kazançtan ziyade estetik nedenlerle yapılmıştır",[3] ve "alışılmadık veya oldukça sembolik içerik" içeriyor.[4]

Film eleştirmenleri ve film çalışmaları Akademisyenler tipik olarak bir sanat filmini "onları ana akım Hollywood filmlerinden farklı olarak gösteren resmi niteliklere" sahip olarak tanımlarlar.[5] Bu nitelikler şunları içerebilir (diğer unsurların yanı sıra): sosyal gerçekçilik; yönetmenin otoriter ifade gücüne vurgu; ve net, hedef odaklı bir hikayenin ortaya çıkmasının aksine karakterlerin düşüncelerine, hayallerine veya motivasyonlarına odaklanma. Film bilgini David Bordwell sanat sinemasını "bir" film türü, kendine özgü sözleşmeleri ile ".[6]

Sanat filmi yapımcıları genellikle filmlerini özel tiyatrolarda (repertuar sinemaları veya ABD'de sanat evi sinemalarında) ve film festivalleri. Dönem sanat filmi Kuzey Amerika, Birleşik Krallık ve Avustralya'da, şu terimlerin bulunduğu Avrupa anakarasına kıyasla çok daha yaygın olarak kullanılmaktadır. auteur filmleri ve ulusal sinema (örneğin Alman ulusal sineması) bunun yerine kullanılır. Küçük, niş pazar izleyicilerini hedefledikleri için, sanat filmleri nadiren finansal destek alırlar ve bu da büyük prodüksiyon bütçelerine izin verir. yaygın olarak yayınlandı gişe rekorları kıran filmler. Sanat filmi yönetmenleri, bu kısıtlamaları, tipik olarak daha az bilinen film aktörlerini (hatta amatör aktörleri) kullanan farklı bir film türü ve fikir geliştirmeye, yeni anlatı tekniklerini keşfetmeye çok daha fazla odaklanan filmler yapmak için mütevazı setler yaratarak telafi ediyor. ve yeni film yapım kurallarına teşebbüs.

Bu tür filmler, daha çok doğrusal hikaye anlatımı ve eğlenceye yönelik olan ana akım gişe rekorları kıran filmlerle keskin bir tezat oluşturuyor. Film eleştirmeni Roger Ebert aranan Chungking Ekspresi 1994 yılındaki eleştirmenlerce beğenilen bir sanat filmi, "büyük ölçüde beyinsel bir deneyim", "film hakkında bildikleriniz yüzünden" zevk alıyor.[7] Sanat filmleri tanıtım için film eleştirmenlerinin incelemelerinden elde edilen tanıtımlara dayanır; filmin sanat köşe yazarları, yorumcular ve blog yazarları tarafından tartışılması; ve izleyiciler tarafından ağızdan ağza tanıtım. Sanat filmlerinin ilk yatırım maliyetleri düşük olduğundan, yalnızca küçük bir kısmına hitap etmeleri gerekir. ana akım kitlelerin finansal olarak uygulanabilir hale gelmesi.

Tarih

Öncüler: 1910–1920'ler

Tiyatro afişleri L'Inferno ve Hoşgörüsüzlük, genellikle sinema tarihçileri tarafından ilk sanat filmleri olarak anılır.

Sanat filmlerinin öncüleri arasında İtalyan sessiz film L'Inferno (1911), D. W. Griffith 's Hoşgörüsüzlük (1916) ve Rus film yapımcısının eserleri Sergei Eisenstein, onlarca yıldır Avrupa sinema hareketlerinin gelişimini etkileyen.[8][9][10] Eisenstein'ın filmi Battleship Potemkin (1925), bir izleyiciden en büyük duygusal tepkiyi üretmek için film kurgusunu kullanma teorilerini test etmek için kullandığı devrimci bir propaganda filmiydi. Eisenstein'ın bu filmden kazandığı uluslararası eleştirmenlik, ona Ekim 10. yıl dönümü kutlamalarının bir parçası olarak Ekim Devrimi 1917'de. Daha sonra Genel Hat 1929'da.

Sanat filmleri de İspanyol filmlerinden etkilendi avangart içerik oluşturucular, örneğin Luis Buñuel ve Salvador Dalí (kim yaptı L'Age d'Or 1930'da) ve Fransız oyun yazarı ve film yapımcısı tarafından Jean Cocteau, 1930'ların avangart filmi Bir Şairin Kanı kullanır düşsel insan kafasının dönen tel modelleri ve dönen çift taraflı maskeler dahil olmak üzere görüntüler. 1920'lerde film toplulukları, filmlerin "kitlesel bir izleyiciye yönelik eğlence sineması ve entelektüel bir izleyici kitlesine yönelik ciddi bir sanat sineması" olarak ikiye ayrılabileceği fikrini savunmaya başladı. İngiltere'de, Alfred Hitchcock ve Ivor Montagu bir film topluluğu oluşturdu ve "sanatsal başarılar" olduğunu düşündükleri filmleri ithal etti, örneğin "Sovyet diyalektik montaj filmleri ve Universum Film A.G. (UFA) stüdyolarının Almanya'daki dışavurumcu filmleri" gibi.[8]

Cinéma pur 1920'lerde ve 1930'larda Fransız avangart film hareketi, sanat filmi fikrinin gelişimini de etkiledi. sinema salonu film hareketi birkaç önemli içeriyordu Baba sanatçılar. Dadaistler, esnek bir zaman ve mekan montajı yaratarak anlatı öykü anlatımı geleneklerini, burjuva geleneklerini ve geleneksel Aristotelesçi zaman ve mekan kavramlarını aşmak için filmi kullandılar.

ABD'li fotoğrafçı ve film yapımcısı Man Ray (burada 1934'te resmedilmiştir) Dadaist "cinéma pur" sanat filminin gelişimini etkileyen film hareketi.

sinema salonu hareket, Alman "mutlak" film yapımcılarından etkilendi. Hans Richter, Walter Ruttmann ve Viking Eggeling. Richter, 1921 filminin Ritim 21 ilk miydi soyut film hiç yaratılmış. Aslında, ondan önce İtalyan Fütüristler Bruno Corra ve Arnaldo Ginna 1911 ile 1912 arasında[11] (rapor edildiği gibi Fütürist Sinema Manifestosu[11]) ve yapımcılığını üstlenen Alman sanatçı Walter Ruttmann tarafından Lichtspiel Opus 1 1920'de. Yine de Richter'in filmi Ritim 21 önemli bir erken soyut film olarak kabul edilir.

İlk İngiliz "sanat sineması" geçici olarak 1929'da Londra'daki Palais de Luxe'de açıldı. Elsie Cohen. 1931'de Oxford Street'teki Academy Cinema'da kalıcı bir yer kurmaya devam etti.[12]

1930'lar - 1950'ler

1930'larda ve 1940'larda Hollywood filmleri, edebi uyarlamaların sanatsal özlemlerine ayrılabilirdi. John Ford 's Bilgi Veren (1935) ve Eugene O'Neill 's Uzun Yolculuk Ana Sayfası (1940) ve gangster gerilim filmleri gibi para kazandıran "popüler tür filmler". William Siska, İtalyanca'nın Yeni gerçekçi 1940'ların ortalarından sonlarına kadar olan filmler, örneğin Açık Şehir (1945), Paisa (1946) ve Bisiklet Hırsızları başka bir "bilinçli sanat filmi hareketi" olarak kabul edilebilir.[8]

1940'ların sonlarında, ABD kamuoyunun İtalyan yeni-gerçekçi filmlerinin ve diğer ciddi Avrupa ücretlerinin ana akım Hollywood filmlerinden farklı olduğu algısı, büyük ABD şehirlerindeki ve kolej kasabalarındaki "sanat sinemalarının" gelişmesiyle pekiştirildi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, "... gösterime giren Amerikan filminin büyüyen bir kesimi ana akım Hollywood filmlerinden sıkılıyordu" ve "ana caddede gösterilen filmlere alternatifler" görmek için yeni oluşturulan sanat filmi tiyatrolarına gittiler. film sarayları ".[5] Bu sanat sinemalarında gösterilen filmler arasında "İngiliz, yabancı dil ve bağımsız Amerikan filmleri ile Hollywood klasiklerinin belgeselleri ve canlandırmaları" da vardı. Rossellini'ninki gibi filmler Açık Şehir ve Mackendrick's Sıkı Küçük Ada (Bol viski!), Bisiklet Hırsızları ve Kırmızı ayakkabılar önemli ABD izleyicilere gösterildi.[5]

1950'lerin sonlarında, Fransız film yapımcıları etkilenen filmler üretmeye başladı İtalyan Yeni Gerçekçiliği[13] ve klasik Hollywood sineması,[13] eleştirmenlerin dediği bir stil Fransız Yeni Dalgası. Hiçbir zaman resmi olarak organize edilmiş bir hareket olmamakla birlikte, New Wave film yapımcıları, klasik sinematik formu bilinçli olarak reddetmeleri ve gençlik ruhlarıyla birbirine bağlanmıştı. ikonoklazm ve onların filmleri örnek Avrupa sanat sineması.[14] Birçoğu aynı zamanda dönemin sosyal ve politik ayaklanmalarıyla uğraşarak, muhafazakar paradigmadan genel bir kopuşun parçası olan kurgu, görsel stil ve anlatı ile ilgili radikal deneylerini yaptı. Grubun en önde gelen öncülerinden bazıları şunlardır: François Truffaut, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Claude Chabrol, ve Jacques Rivette, film dergisi için eleştirmen olarak başladı Cahiers du cinéma. Auteur teorisi, yönetmenin filmden filme kişisel bir imzaya sahip olan filmlerinin "yazarı" olduğunu savunur.

1960'lar - 1970'ler

Aktris Lena Nyman İsveç filminden Meraklıyım (Sarı)

Fransız Yeni Dalga hareketi 1960'lara kadar devam etti. 1960'larda, "sanat filmi" terimi Amerika Birleşik Devletleri'nde Avrupa'dan çok daha yaygın olarak kullanılmaya başlandı. ABD'de terim genellikle yabancı dili (İngilizce olmayan) içerecek şekilde çok geniş bir şekilde tanımlanır. "auteur" filmler bağımsız filmler, deneysel filmler, belgeseller ve kısa filmler. 1960'larda "sanat filmi" bir örtmece ABD'de müstehcen İtalyan ve Fransız için B-filmler. 1970'lerde, terim tanımlamak için kullanıldı cinsel içerikli İsveç filmi gibi sanatsal yapıya sahip Avrupa filmleri Meraklıyım (Sarı). ABD'de "sanat filmi" terimi, modern Amerikan sanatçılarının filmlerine atıfta bulunabilir. Andy Warhol 1969 filmiyle Mavi Film,[15][16][17] ancak bazen repertuar tiyatrolarında veya "sanat evi sinemalarında" gösterilen geniş film yelpazesine atıfta bulunmak için çok gevşek bir şekilde kullanılır. Bu yaklaşımla, 1960'lar gibi geniş bir film yelpazesi Hitchcock film, 1970'lerin deneysel bir yeraltı filmi, bir Avrupa auteur filmi, bir ABD "bağımsız" filmi ve hatta ana akım bir yabancı dil filmi (altyazılı), hepsi "sanat evi filmleri" başlığı altında yer alabilir.

1980'ler - 2000'ler

1980'lerde ve 1990'larda, ABD'de "sanat filmi" terimi, aynı stilistik özelliklerin çoğunu paylaşan "bağımsız film" ile birleştirildi. Gibi şirketler Miramax Filmleri dağıtılmış bağımsız filmler ticari olarak uygun kabul edildi. Büyük sinema film stüdyoları bağımsız filmlerin niş çekiciliğini fark ettiklerinde, ana akım olmayan ücretlere adanmış özel bölümler oluşturdular. Fox Searchlight Resimleri bölümü Yirminci Yüzyıl Tilkisi, Odaklanma Özellikleri bölümü Evrensel, Sony Pictures Klasikleri bölümü Sony Pictures Entertainment, ve Paramount Vantage bölümü Paramount. Film eleştirmenleri, bu bölümlerdeki filmlerin büyük stüdyolardan mali destek aldıkları için "bağımsız filmler" olarak kabul edilip edilemeyeceğini tartıştılar.

2007 yılında Profesör Camille Paglia "Sanat filmleri: R.I.P." başlıklı makalesinde tartıştı. o "[a] tarafı Francis Ford Coppola 's vaftiz babası dizi, becerikli geri dönüşleri ve cesur sosyal gerçekçiliği ile ... son 35 yılda üretilmiş, muhtemelen felsefi ağırlığa veya uygulama ustalığına eşit olan tek bir film [yok]. Bergman 's Yedinci Mühür veya Persona ". Paglia, 2000'li yılların gençlerinin" bir zamanlar uzmanlaşan derin düşünen Avrupalı ​​yönetmenlerin "en küçük yüz ifadelerinin lüks incelemesini veya soğuk bir yüz ifadesinin soğuk taramasını veren bir yaklaşım olan" uzun, yavaş bakışlara sahip olmadığını "belirtiyor. steril oda veya kasvetli manzara ".[18]

Yönetmen, yapımcı ve dağıtıcıya göre Roger Corman, "1950'ler ve 1960'lar sanat filminin en büyük etkisinin olduğu dönemdi. Bundan sonra etki azaldı. Hollywood, Avrupa filmlerinin derslerini özümsedi ve bu dersleri filmlerine dahil etti." Corman, "İzleyiciler yetmişlerin Hollywood filmlerinde Avrupa sanat sinemasının özünden bir şeyler görebiliyorlardı ... [ve böylece] hiçbir zaman sadece Avrupa sineması meselesi olmayan sanat filmi, giderek gerçek bir dünya sineması haline geldi. - geniş kabul görmeye çabalayan da olsa. " Corman, "Hollywood'un kendisi, estetik yelpazesini radikal bir şekilde genişletti ... çünkü eldeki konu yelpazesi, görüntü oluşturma, film prodüksiyonu, yeni ve prizmatik medya aracılı deneyimin koşullarını içerecek şekilde genişledi. Video mağazasında sanat filmlerini öğrenen yeni bir kitle var. " Corman, Amerikan sanat filminin "şu anda yeniden doğma olasılığı olduğunu" belirtiyor.[19]

Ana akım film normlarından sapmalar

Film akademisyeni David Bordwell, sanat filmlerini klasik Hollywood sinemasının ana akım filmleriyle karşılaştıran "Film Uygulaması Modu Olarak Sanat Sineması" başlıklı 1979 tarihli bir makalede "sanat filmi" nin akademik tanımını özetledi. Ana akım Hollywood tarzı filmler, filmi bir dizi "mekanda ve zamanda meydana gelen nedensel olarak ilişkili olaylar" halinde organize etmek için net bir anlatı biçimi kullanır ve her sahne bir hedefe doğru ilerler. Ana akım filmlerin konusu, iyi tanımlanmış bir baş karakter tarafından yönlendirilir, net karakterlerle ortaya çıkarılır ve "soru-cevap mantığı, problem çözme rutinleri [ve] son ​​tarih olay örgüsü yapıları" ile güçlendirilir. Film daha sonra hızlı tempo, uygun izleyici duygularını belirtmek için müzikal bir film müziği ve sıkı, kusursuz düzenleme ile birbirine bağlanır.[20]

Bordwell, bunun aksine, "sanat sineması, anlatısını iki ilkeyle motive eder: gerçekçilik Sanat filmleri, tipik olarak daha epizodik anlatı yapılarını "neden ve sonuç zincirinin gevşemesi" ile ele aldıklarından, ana akım "klasik" film yapım normlarından saparlar.[20]

Ana akım filmler aynı zamanda ahlaki ikilemler veya kimlik krizleriyle de ilgilenir, ancak bu sorunlar genellikle filmin sonunda çözülür. Sanat filmlerinde, ikilemler dalgın bir şekilde incelenir ve araştırılır, ancak genellikle filmin sonunda net bir çözüm yoktur.[21]

Bir sanat filmindeki hikaye, genellikle karakter gelişimi ve uzun diyalog sekansları yoluyla fikirlerin keşfinde ikincil bir role sahiptir. Bir sanat filminin bir hikayesi varsa, genellikle belirsiz bir şekilde tanımlanmış veya belirsiz bölümlerin sürüklenen bir sekansıdır. Filmde izleyiciyi filmin mesajını öznel olarak kendi yorumunu yapmaya zorlayan açıklanamayan boşluklar, kasıtlı olarak net olmayan sekanslar veya önceki sahnelerle ilgili olmayan yabancı sekanslar olabilir. Sanat filmleri genellikle "ayırt edici bir görsel stilin izlerini taşır" ve yazar yönetmenin yaklaşımı.[22] Bir sanat sineması filmi genellikle "kolayca yanıtlanmış bir sonuç" vermeyi reddeder, bunun yerine sinema izleyicisine "hikaye nasıl anlatılıyor? Neden öyküyü bu şekilde anlatıyor?" Hakkında düşünme görevi yüklüyor.[23]

Bordwell "sanat sinemasının kendisinin kendine özgü gelenekleriyle bir [film] türü olduğunu" iddia ediyor.[6] Film teorisyeni Robert Stam ayrıca "sanat filmi" nin bir film türü olduğunu savunuyor. Bir filmin sanatsal statüye dayalı bir sanat filmi olarak kabul edildiğini, aynı şekilde film türlerinin de filmlerin bütçeleri gibi yönlerine dayandırılabileceğini iddia ediyor (gişe rekorları kıran filmler veya B-filmler ) veya yıldız oyuncuları (Adam Sandler filmler).[24]

Sanat filmi ve film eleştirisi

Hollywood'da üretilenler gibi kitlesel pazar filmlerinin daha az seçici bir izleyici kitlesine hitap ettiğini belirten akademisyenler var.[25] Bu grup daha sonra, onları daha düşünceli ve daha kaliteli filmlere yönlendirmeye yardımcı olabilecek kültürel bir elit olarak film eleştirmenlerine yöneliyor. Popüler zevk ve yüksek kültür arasındaki kopukluğu gidermek için, bu film eleştirmenlerinden alışılmadık kavramları açıklamaları ve filmleri daha seçici bir seyirci kitlesi yetiştirmek için çekici hale getirmeleri bekleniyor. Örneğin, bir film eleştirmeni, bu sanat filmlerinin analiz koşullarını sunarak, izleyicilerine - eleştirileriyle - filmler hakkında ciddi düşünmelerine yardımcı olabilir.[26] Sanatsal bir film analizi ve eleştirisi çerçevesi benimseyen bu film eleştirmenleri, izleyicilere izlediklerini takdir etmeleri için farklı bir yol sunuyor. Bu yüzden tartışmalı temalar araştırıldığında, halk, filmin gerçekçiliği nasıl tasvir ettiği gibi, filmin değerine ilişkin eleştirmenler tarafından bilgilendirildikleri yerde filmi hemen reddetmeyecek veya saldırmayacaktır. Burada sanat filmleri sergileyen sanat tiyatroları veya sanat evleri, eleştirmenleri ve entelektüel izleyicileri benzer şekilde çeken "kültürel aydınlanma alanları" olarak görülüyor. Bu eleştirmenlerin kültürü deneyimleyebilecekleri bir yer ve içgörü ve malzeme çekebilecekleri sanatsal bir atmosfer olarak hizmet ediyor.

Önemli filmlerin zaman çizelgesi

Aşağıdaki liste, yönetmenlerin ve filmlerin hangi "sanat filmi" özelliklerine sahip olduğuna dair genel bir fikir vermek için derlenmiş "sanat filmi" niteliklerine sahip filmlerin küçük, kısmi bir örneğidir. Bu listedeki filmler, sanat filmlerinin bir veya daha fazla özelliğini gösterir: ciddi, ticari olmayan veya kitlesel bir izleyiciyi hedeflemeyen bağımsız olarak yapılmış bir film. Bu listedeki filmlerden bazıları aynı zamanda "auteur" filmler, bağımsız filmler veya deneysel filmler. Bazı durumlarda, eleştirmenler bir filmin ana akım olup olmadığı konusunda anlaşamazlar. Örneğin, bazı eleştirmenler ararken Gus Van Sant 's My Own Private Idaho (1991) "yüksek sanatsal kalitede" bir "film deneyleri alıştırması",[27] Washington post buna iddialı bir ana akım film dedi.[28] Bu listedeki bazı filmler bu özelliklerin çoğuna sahiptir; diğer filmler, ana akım stüdyolar tarafından üretilen, yine de bir yönetmenin "auteur" stilinin özelliklerini taşıyan veya deneysel bir karaktere sahip olan ticari olarak yapılmış filmlerdir. Bu listedeki filmler, ya büyük ödüller kazandıkları ya da etkili film eleştirmenlerinden eleştirel övgü aldıkları ya da yenilikçi bir anlatı ya da film yapım tekniği getirdikleri için dikkate değerdir.

1920'ler - 1940'lar

1920'lerde ve 1930'larda film yapımcıları "sanat filmleri" yapmak için yola çıkmadılar ve film eleştirmenleri "sanat filmi" terimini kullanmadılar. Ancak, sofistike estetik hedefleri olan filmler vardı. Carl Theodor Dreyer 's Joan of Arc'ın Tutkusu (1928) ve Vampir (1932), Luis Buñuel'inki gibi sürrealist filmler Un chien andalou (1929) ve L'Âge d'Or (1930) ve hatta siyasi ve güncel olaylarla ilgili olan filmler gibi Sergei Eisenstein ünlü ve etkili şaheseri Battleship Potemkin. ABD filmi Gün Doğumu: İki İnsanın Şarkısı (1927) tarafından Alman Ekspresyonist yönetmen F. W. Murnau bozuk kullanır Sanat tasarımı ve sembolizm ve imgelerle zengin abartılı, peri masalı benzeri bir dünya yaratmak için çığır açan sinematografi. Jean Renoir filmi Oyunun kuralları (1939) bir görgü komedisi İkinci Dünya Savaşından önceki yıllarda Fransız üst sınıf toplumunun acı ve trajik bir hicivini yaratarak türünün geleneklerini aşan; bir eleştirmen anketi Görme ve Ses onu şimdiye kadarki en büyük dördüncü film olarak sıraladı ve geride bıraktı Vertigo, Vatandaş Kane ve Tokyo Hikayesi.[29]

Dreyer'ın posteri Joan of Arc'ın Tutkusu

Bu erken dönem, sanatsal odaklı filmlerden bazıları, özellikle filmin içeriğinin tartışmalı olduğu veya izleyiciyi çekmesinin pek olası olmadığı durumlarda, film şirketlerinden ziyade zengin kişiler tarafından finanse edildi. 1940'ların sonlarında, İngiltere direktörü Michael Powell ve Emeric Pressburger yapılmış Kırmızı ayakkabılar (1948), dönemin ana akım tür filmlerinden sıyrılan bale hakkında bir film. 1945'te, David Lean yönetilen Kısa Karşılaşma, bir uyarlama Noël Korkak oyun Natürmort, Britanya'nın o dönemde karşılaştığı sosyal ve ekonomik sorunlar arasında üst sınıf bir erkek ile orta sınıf bir kadın arasındaki tutkulu bir aşk ilişkisini gözlemleyen.

1950'ler

1950'lerde, sanatsal duyarlılığa sahip tanınmış filmlerden bazıları şunlardır: La Strada (1954), ailesini desteklemek için acımasız ve insanlık dışı bir sirk sanatçısı için çalışmaya zorlanan ve sonunda durumuyla yüzleşen genç bir kadın hakkında bir film; Carl Theodor Dreyer'in Ordet (1955), inançsız bir aileye odaklanıyor, ancak kendisi olduğuna inanan bir oğlu var. İsa Mesih ve mucizeler yaratabileceğine ikna olmuş; Federico Fellini 's Cabiria Geceleri (1957), bir fahişenin aşkı bulma konusundaki başarısız girişimlerini, ıstırabını ve reddini ele alır; Yabani çilek (1957) anlatısı yaşlı bir tıp doktorunu ilgilendiren, aynı zamanda bir profesör olan ve kabusları onu hayatını yeniden değerlendirmeye iten Ingmar Bergman; ve 400 Darbe (1959), ana karakteri ebeveynleri, öğretmenleri ve toplum tarafından taciz edilmesine rağmen yaşlanmaya çalışan genç bir adam olan François Truffaut tarafından. Polonya'da Kruşçev Çözülme rejimin kültür politikalarında bir miktar gevşemeye izin verdi ve Bir Nesil, Kanal, Küller ve Elmaslar, Lotna (1954–1959), tümü yönetmen Andrzej Wajda gösterdi Polonya Film Okulu tarzı.

Asya

İçinde Hindistan bir sanat filmi hareketi vardı Bengalce sinema "olarak bilinirParalel Sinema "veya" Hint Yeni Dalgası ". Bu, ciddi içeriğiyle bilinen ana akım ticari sinemaya bir alternatifti, gerçekçilik ve zamanın sosyal-politik iklimine keskin bir gözle bakan doğalcılık. Bu hareket ana akımdan farklıdır Bollywood sinema ve aynı zamanda başladı Fransızca ve Japon Yeni Dalgası. Bu harekete dahil olan en etkili film yapımcıları Satyajit Ray, Mrinal Sen ve Ritwik Ghatak. Dönemin uluslararası alanda en beğenilen filmlerinden bazıları Apu Üçlemesi (1955–1959), yoksul bir köylü çocuğunun yetişkinliğe doğru büyümesinin öyküsünü anlatan üç film ve Satyajit Ray 's Uzak Gök Gürültüsü (1973), bir çiftçinin hikâyesini anlatıyor. Bengal'de kıtlık.[30][31] Diğer alkışlananlar Bengalce Bu harekete dahil olan film yapımcıları şunları içerir: Rituparno Ghosh, Aparna Sen ve Gutam Ghose.

Japon film yapımcıları geleneklerden kopan bir dizi film üretti. Akira Kurosawa 's Rashomon Batı'da geniş çapta gösterilen ilk Japon filmi olan (1950), dört tanığın tecavüz ve cinayetle ilgili çelişkili ifadelerini tasvir ediyor. 1952'de Kurosawa, Ikiru, Tokyo'lu bir bürokratın hayatı için bir anlam bulmaya çabaladığını anlatan bir film. Tokyo Hikayesi (1953), yazan Yasujirō Ozu, yetişkin çocuklarını ziyaret etmek için Tokyo'ya giden yaşlanan bir çiftin hikayesini anlatarak çağın sosyal değişimlerini araştırıyor, ancak çocukların onlarla fazla zaman geçiremeyecek kadar bencil olduğunu görüyor. Yedi Samuray (1954), Kurosawa, haydutlarla savaşmak için yedi efendisiz samurayı işe alan bir çiftçi köyünün hikayesini anlatıyor. Ovadaki Yangınlar (1959), yazan Kon Ichikawa, hayatta kalmak için mücadele eden hasta bir Japon askerini tasvir ederek, Japonların İkinci Dünya Savaşı'ndaki deneyimini araştırıyor. Ugetsu (1953), yazan Kenji Mizoguchi, köyü ilerleyen bir ordunun yolunda olan köylülerin hikayesini anlatan, 16. yüzyılın sonlarında geçen bir hayalet hikayesidir. Bir yıl sonra Mizoguchi, Mübaşir Sansho (1954) köleliğe satılan iki aristokrat çocuğun hikayesini anlatır; Özgürlüğün kaybedilmesi gibi ciddi temalarla uğraşmanın yanı sıra filmde güzel görüntüler ve uzun, karmaşık çekimler yer alıyor.

1960'lar

1960'lar, Avrupa sanat sinemasına yol açan bir dizi çığır açan filmle sanat filminde önemli bir dönemdi. Jean-Luc Godard'ın À sufle (Nefessiz) (1960) yenilikçi görsel ve düzenleme tekniklerini kullandı. atlama kesintileri ve el kamerası iş. Fransız Yeni Dalgasının önde gelen isimlerinden Godard, on yıl boyunca yenilikçi filmler yapmaya devam ederek yepyeni bir film yapım tarzı önerdi. Başarısının ardından NefessizGoddard çok etkili iki film daha yaptı, Aşağılama ve Pierrot le fou, sırasıyla 1963 ve 1965'te. Jules et Jim François Truffaut tarafından, yenilikçi senaryo yazarlığı, kurgu ve kamera teknikleriyle üç kişinin oluşturduğu karmaşık bir ilişkiyi yıktı. İtalyan yönetmen Michelangelo Antonioni film yapımında devrim yaratmaya yardımcı oldu La Notte (1961), başarısız bir evliliğin karmaşık bir incelemesi. anomi ve kısırlık; Tutulma (1962), materyalist yapısı nedeniyle erkek arkadaşıyla sağlam bir ilişki kuramayan genç bir kadın hakkında; Kızıl Çöl (1964), modern dünyaya uyum sağlama ihtiyacını ele alan ilk renkli filmi; ve Patlamak (1966), genç bir fotoğrafçının bir cinayeti fotoğraflayıp fotoğraflamadığını keşfetme girişiminin ardından algı ve gerçeklik konularını inceleyen ilk İngilizce filmi.

İsveçli yönetmen Ingmar Bergman, 1960'lara aşağıdaki gibi oda parçalarıyla başladı Kış Işığı (1963) ve Sessizlik (1963), duygusal izolasyon ve iletişim eksikliği gibi temaları ele almaktadır. On yılın ikinci yarısından filmleri, örneğin Persona (1966), Utanç (1968) ve Bir Tutku (1969), film fikrini bir hile olarak ele alır. Entelektüel ve görsel olarak etkileyici filmleri Tadeusz Konwicki, gibi Bütün ruhlar Günü (Zaduszki, 1961) ve Salto (1962), savaş hakkında tartışmalara ilham verdi ve sıradan kahramanları adına varoluşsal sorular ortaya attı.

İtalyan yönetmen Federico Fellini

Federico Fellini'nin tatlı Hayat (1960), alaycı bir gazetecinin tanık olduğu Roma'da bir dizi gece ve şafağı tasvir eder. 1963'te Fellini 8½, görüntü yönetmeni tarafından siyah-beyaz olarak filme alınan yaratıcı, evlilikle ilgili ve ruhsal zorlukların bir keşfi Gianni di Venanzo. 1961 filmi Geçen Yıl Marienbad'da yönetmen tarafından Alain Resnais Geniş ölçüde etkili hale gelen büyük izleme çekimleri kullanarak algıyı ve gerçekliği inceler. Robert Bresson 's Au Hasard Balthazar (1966) ve Mouchette (1967), doğalcı, eliptik tarzlarıyla dikkat çekiyor. İspanyol yönetmen Luis Buñuel ayrıca film sanatına şok edici, sürrealist hicivlerle büyük katkıda bulundu. Viridiana (1961) ve Yok Edici Melek (1962).

Rus yönetmen Andrei Tarkovsky filmi Andrei Rublev (1966) ortaçağ Rusçasının bir portresi simge ressamı aynı isimde. Film aynı zamanda sanatsal özgürlük ve baskıcı bir otorite için ve onun karşısında sanat yapmanın imkânı ve gerekliliği hakkında. Filmin kesilmiş bir versiyonu, 1969 Cannes Film Festivali, nerede kazandı FIPRESCI ödül.[32] On yılın sonunda, Stanley Kubrick 's 2001: Bir Uzay Macerası (1968) bilimsel gerçekçiliği, öncü özel efekt kullanımı ve sıra dışı görsel imgeleriyle izleyicileri büyüledi. 1969'da Andy Warhol piyasaya sürüldü Mavi FilmAmerika Birleşik Devletleri'nde geniş çapta sinemalarda gösterime girecek açık seksi tasvir eden ilk yetişkin sanat filmi.[15][16][17] Warhol'a göre, Mavi Film yapımında büyük bir etkiydi Paris'teki Son Tango, uluslararası tartışmalı bir erotik sanat filmi, yönetmenliğini Bernardo Bertolucci ve birkaç yıl sonra yayınlandı Mavi Film yapıldığı.[17] Sovyet'te Gürcistan, Sergei Parajanov 's Narın Rengi içinde Gürcü aktris Sofiko Chiaureli Beş farklı karakteri oynuyor, Sovyet yetkilileri tarafından yasaklanmış, Batı'da uzun süredir mevcut değil ve eleştirmenler tarafından övgüyle karşılanmıştır. Mikhail Vartanov "devrimci" olarak;[33] ve 1980'lerin başında Les Cahiers du Cinéma filmi ilk 10 listesine yerleştirdi.[34] 1967'de Sovyet Gürcistan, etkili Gürcü film yönetmeni Tengiz Abuladze yönetilen Vedreba (Entreaty), motiflerine dayanan Vaja-Pshavela Hikayenin şiirsel anlatım tarzında anlatıldığı, felsefi anlamlarla dolu sembolik sahnelerle dolu edebi eserleri. İran'da, Dariush Mehrjui 's İnek (1969), sevgili ineğinin ölümünden sonra çıldıran bir adam hakkında, yeni dalgayı ateşledi. İran sineması.

1970'ler

1970'lerin başında, yönetmenler izleyicileri aşağıdaki gibi şiddet içeren filmlerle şok etti: Otomatik portakal (1971), Stanley Kubrick'in fütüristik gençlik çetelerini acımasız keşfi ve Paris'teki Son Tango (1972), Bernardo Bertolucci tabu yıkan, cinsel içerikli ve tartışmalı film. Aynı zamanda, diğer yönetmenler daha çok içe dönük filmler yaptılar. Andrei Tarkovsky meditatif bilim kurgu filmi Solaris (1972), sözde bir Sovyet karşıtı 2001. Sırasıyla 1975 ve 1979'da Tarkovsky, yurtdışında büyük beğeni toplayan iki film daha çekti: Ayna ve Takipçi. Terrence Malick, kim yönetti Badlands (1973) ve Cennet Günleri (1978), Tarkovsky ile uzun, kalıcı doğal güzellik çekimleri, çağrıştıran imgeler ve şiirsel anlatım tarzı gibi birçok özelliği paylaştı.

1970'lerin sanat filmlerinin bir başka özelliği de, tuhaf karakterlerin ve görüntülerin öne çıkmasıydı; bu, işkence görmüş, takıntılı başlık karakterinde bolca yer alıyor. Alman Yeni Dalgası yönetmen Werner Herzog 's Aguirre, Tanrı'nın Gazabı (1973) ve kült filmler gibi Alejandro Jodorowsky saykedelik Kutsal Dağ (1973) bir hırsız ve efsanevi olanı arayan bir simyacı hakkında Lotus Adası.[35] Film Taksi sürücüsü (1976), tarafından Martin Scorsese temalara devam ediyor Otomatik portakal keşfedildi: şiddetli, çürüyen bir toplumda yaşayan yabancılaşmış bir nüfus. Scorsese'nin filminin sert şiddeti ve içten içe öfkesi, aynı dönemde yayınlanan diğer filmlerle tezat oluşturuyor. David Lynch rüya gibi, gerçeküstü ve endüstriyel siyah beyaz klasiği Silgi kafası (1977).[36] 1974'te, John Cassavetes Amerikan mavi yakalı yaşamına dair keskin bir yorum sundu. Etki Altındaki Kadın, yavaş yavaş deliliğe doğru inen eksantrik bir ev hanımına sahip.

Ayrıca 1970'lerde Radley Metzger birkaçını yönetti yetişkin sanat filmleri, gibi Barbara Yayın (1977), bir gerçeküstü "Buñellian" atmosfer,[37] ve Misty Beethoven'in Açılışı (1976), oyuna göre Pygmalion tarafından George Bernard Shaw (ve türevi, My Fair Lady ), ödüllü yazara göre değerlendirildi Toni Bentley, "taç mücevheri" olmak Altın Çağ,[38][39] Andy Warhol'un serbest bırakılmasıyla başlayan modern Amerikan kültüründe bir dönem Mavi Film (1969) ve "porno şık "[40][41] içinde yetişkin erotik filmler geniş bir şekilde gösterilmeye başlandı, ünlüler tarafından kamuoyunda tartışıldı (örneğin Johnny Carson ve Bob Hope )[42] ve film eleştirmenleri tarafından ciddiye alınır (örneğin Roger Ebert ).[43][44]

1980'ler

1980'de yönetmen Martin Scorsese kaçan gişe rekorları kıran maceralarına alışmış olan izleyiciler verdi Steven Spielberg ve George Lucas, filminin cesur, sert gerçekçiliği Azgın boğa. Bu filmde aktör Robert De Niro aldı yöntem oyunculuk bir boksörün ödül kazanan genç bir dövüşçüden fazla kilolu, "geçmişte kalmış" bir gece kulübü sahibine düşüşünü tasvir etmek için uç bir noktaya. Ridley Scott 's Bıçak Sırtı (1982) aynı zamanda bir bilim kurgu sanat filmi olarak da görülebilir. 2001: Bir Uzay Macerası (1968). Bıçak Sırtı temalarını araştırır varoluşçuluk veya insan olmanın ne anlama geldiğini. Bir gişe başarısızlığı olan film sanat evi devresinde popüler oldu. kült tuhaflık bir "yönetmen kesiminin" serbest bırakılmasının ardından VHS ev videosu. On yılın ortasında, Japon yönetmen Akira Kurosawa, 16. yüzyılda Japon samuray savaşının acımasız, kanlı şiddetini resmetmek için gerçekçiliği kullandı. Koştu (1985). Koştu arsa takip Kral Lear Yaşlı bir kralın çocukları tarafından ihanete uğradığı. Sergio Leone aynı zamanda acımasız şiddeti duygusal içerikle karşılaştırdı. Bir Zamanlar Amerika'da.

Kapsamlı setler sanat filmlerinden çok ana akımla ilişkilendirilirken, Japon yönetmen Akira Kurosawa 1985 filmi için birçok set yaptırdı. Koştu bir ortaçağ kapısının bu rekreasyonu dahil.

1980'lerde diğer yönetmenler felsefi ve etik konuları keşfederek daha entelektüel bir yol seçtiler. Andrzej Wajda 's Demir Adam (1981), Polonya komünist hükümetinin eleştirisi, 1981'i kazandı Palme d'Or -de Cannes Film Festivali. Başka bir Polonyalı yönetmen, Krzysztof Kieślowski, yapılmış On emir 1988'de televizyon için, etik sorunları ve ahlaki bulmacaları araştıran bir film dizisi. Bu filmlerden ikisi tiyatral olarak yayınlandı. Aşk Üzerine Kısa Bir Film ve Öldürme Üzerine Kısa Bir Film. 1989'da, Woody Allen sözleriyle yapılmış New York Times eleştirmen Vincent Canby, "bugüne kadarki en güvenli ciddi ve eğlenceli filmi", Suçlar ve Kabahatler, yaptıkları seçimleri çevreleyen korkunç sorunlar ve düşüncelerle yüzleşirken ahlaki ve manevi sadeliği bulmaya çalışan insanların birden çok hikayesini içerir. Fransız yönetmen Louis Malle gerçek hayattaki çocukluk deneyimlerinin dramatize edilmesiyle keşfetmek için başka bir ahlaki yol seçti. Au revoir, les enfants İşgalci Nazi hükümetinin II.Dünya Savaşı sırasında Fransız Yahudilerini toplama kamplarına sınır dışı etmesini tasvir ediyor.

Bu dönemden eleştirmenlerce övülen bir başka sanat filmi, Wim Wenders yol filmi Paris, Teksas (1984), Altın Palmiye'yi de kazandı.[45][46]

Kieślowski, sinema ve televizyon arasındaki farkı aşan tek yönetmen değildi. Ingmar Bergman yapılmış Fanny ve Alexander (1982), televizyonda beş saatlik uzatılmış bir versiyonda gösterildi. Birleşik Krallık'ta, Kanal 4 yeni bir televizyon kanalı, tamamen veya kısmen finanse edilen birçok film, Film 4 yan kuruluş. Wim Wenders 1987 filminde manevi açıdan hayata başka bir yaklaşım sundu Arzuların kanatları erkekler arasında yaşayan "düşmüş bir melek" tasviri En İyi Yönetmen Ödülü -de Cannes Film Festivali. 1982'de deneysel yönetmen Godfrey Reggio yayınlandı Koyaanisqatsi sinematografi ve felsefi ideolojiyi vurgulayan diyalogsuz bir film. Öncelikle şunlardan oluşur: ağır çekim ve hızlandırılmış bir görselle sonuçlanan şehirlerin ve doğal manzaraların sinematografisi ses şiiri.[47]

1980'lerde yönetmenler tarafından kullanılan bir başka yaklaşım, tuhaf, gerçeküstü alternatif dünyalar yaratmaktı. Martin Scorsese 's Saatler sonra (1985), bir adamın gizemli karakterlerle karşılaştığı gerçeküstü bir gece dünyasında şaşırtıcı maceralarını anlatan bir komedi-gerilim filmi. David Lynch 's Mavi kadife (1986), bir Kara film Küçük bir kasabanın çirkin yeraltı dünyasında saklı çarpıtılmış karakterlerin yaşadığı ve kutuplaşmış dünyalar hakkında sembolizm ve metaforlarla dolu stil gerilim-gizem, son derece rahatsız edici konusu düşünüldüğünde şaşırtıcı derecede başarılı oldu. Peter Greenaway 's Aşçı, Hırsız, Karısı ve Aşığı (1989) bir fantezidir /Kara mizah hakkında yamyamlık ve entelektüel temalı aşırı şiddet: bir "elit kültür" eleştirisi Thatcherian Britanya.

Göre Raphaël Bassan, makalesinde "Melek: Un météore dans le ciel de l'animation ",[48] Patrick Bokanowski 's Melek, gösterilen 1982 Cannes Film Festivali, çağdaş animasyonun başlangıcı sayılabilir. Karakterlerin maskeleri, tüm insan kişiliğini siler ve çarpık alanlar, belirsiz görüntüler, başkalaşımlar ve sentetik nesneler kullanarak görüntünün "maddesi" ve optik bileşimi üzerinde tam bir kontrol izlenimi verir.

1990'lar

1990'larda yönetmenler, filmin başarısından ilham aldı. David Lynch 's Mavi kadife (1986) ve Peter Greenaway 's Aşçı, Hırsız, Karısı ve Aşığı (1989) ve tuhaf alternatif dünyalar ve sürrealizm unsurları içeren filmler yarattı. Japon yönetmen Akira Kurosawa'nın Düşler (1990), hayal gücüne dayalı revizyonlarını, pastoral kırsal kır manzaralarından eziyete uğramış iblislerin korkunç vizyonlarına ve nükleer savaş sonrası felaket bir manzaraya kadar uzanan bir dizi vinyet şeklinde tasvir etti. Coen kardeşler ' Barton Fink (1991), kazanan Palme d'Or -de Cannes Film Festivali, bir alkolik, tacizci romancı ve bir seri katil de dahil olmak üzere bir dizi tuhaf karakterle karşılaşan bir yazar hakkındaki esrarengiz bir hikayede çeşitli edebi imalar içeriyor. Kayıp otoyol (1997), aynı yönetmenden Mavi kadife, psikolojik gerilim gerçeküstü görüntüleri kullanarak fantezi dünyalarını, tuhaf zaman-uzay dönüşümlerini ve zihinsel çöküşleri araştırıyor.

1990'larda diğer yönetmenler kimlik, şans, ölüm ve varoluşçuluk gibi felsefi konuları ve temaları araştırdılar. Gus Van Sant 's My Own Private Idaho (1991) ve Wong Kar-wai 's Chungking Ekspresi (1994) kimlik temasını araştırdı. İlki, iki genç sokak dolandırıcısını konu alan, ev ve kimlik arayışı temasını araştıran bağımsız bir yol filmi / arkadaş filmidir. Buna "90'ların bağımsız filminde yüksek su işareti" deniyordu,[49] "saf, şiirsel bir ruminasyon",[50] ve "film deneylerinde alıştırma"[51] "yüksek sanatsal kalite".[27] Chungking Ekspresi[52] modern Hong Kong'un "metaforik beton ormanında" kimlik, kopukluk, yalnızlık ve izolasyon temalarını araştırıyor.

Daryush Shokof filmi Yedi Hizmetli (1996), son nefesine kadar dünya ırklarını "birleştirmek" için çabalayan bir adamı konu alan orijinal bir yüksek sanat filmidir. Bir yıl sonra Yedi Hizmetli, Abbas Kiarostami filmi Kiraz Tadı (1997),[53] Cannes Film Festivali'nde Altın Palmiye ödülünü kazanan film, benzer bir hikayeyi farklı bir kıvrımla anlatıyor; her iki film de intihar ettikten sonra onu gömmesi için birini tutmaya çalışan bir adam hakkındadır. Yedi Hizmetli minimalist bir tarzda, uzun çekimler, yavaş bir hız ve uzun sessizlik dönemleriyle çekildi. Film, izleyici ve karakterler arasında bir mesafe duygusu yaratmak için uzun çekimler ve yukarıdan çekimler kullanmasıyla da dikkat çekiyor. Zhang Yimou 1990'ların başındaki gibi işler Ju Dou (1990), Kızıl Feneri Yükselt (1991), Qiu Ju'nun Hikayesi (1992) ve Yaşamak (1994) dokunaklı anlatılar aracılığıyla insan duygularını araştırıyor. Yaşamak Büyük Jüri Ödülü'nü kazandı.

1990'ların birkaç filmi yaşam, şans ve ölümle ilgili varoluşçu merkezli temaları araştırdı. Robert Altman 's Kısa Yollar (1993) 10 paralel ve iç içe geçmiş hikayenin izini sürerek şans, ölüm ve sadakatsizlik temalarını araştırıyor. Kazanan film altın Aslan ve Volpi Kupası Venedik Film Festivali, tarafından "çok taraflı, birçok ruh hali içinde, göz kamaştırıcı bir şekilde yapılandırılmış eklektik caz duvar resmi" olarak adlandırıldı. Chicago Tribune eleştirmen Michael Wilmington. Krzysztof Kieślowski 's Véronique'in İkili Yaşamı (1991), kimlik temasıyla ilgili bir dram ve Avrupa'da Doğu / Batı bölünmesine ilişkin siyasi bir alegori; film stilize sinematografi, ruhani bir atmosfer ve açıklanamayan doğaüstü unsurlar içeriyor.

Darren Aronofsky filmi Pi (1998), paranoyak bir matematikçinin "barış arayışı" nı konu alan "hem inanılmaz üslup hem de özle dolu inanılmaz derecede karmaşık ve belirsiz bir filmdir.[54] Film bir David Lynch esinlenmiş "ürkütücü Silgi kafası dünya benzeri "[55] Tüm süreçlere rüya gibi bir hava katan ve "metafizik ve maneviyat" gibi konuları araştıran "siyah-beyaz" olarak çekilmiş.[56] Matthew Barney 's Cremaster Döngüsü (1994–2002) is a cycle of five symbolic, allegorical films that creates a self-enclosed aesthetic system, aimed to explore the process of creation. The films are filled with allusions to reproductive organs and sexual development, and use narrative models drawn from biography, mythology, and geology.

1997'de, Terrence Malick returned from a 20-year absence with İnce kırmızı çizgi, a war film that uses poetry and nature to stand apart from typical war movies. It was nominated for seven Akademi Ödülleri, including Best Picture and Best Director.[57]

Some 1990s films mix an ethereal or surreal visual atmosphere with the exploration of philosophical issues. Satantango (1994), by the Hungarian director Bela Tarr, bir7 1⁄2-hour-long film, shot in black and white, that deals with Tarr's favorite theme, inadequacy, as con man Irimias comes back to a village at an unspecified location in Hungary, presenting himself as a leader and Messiah figure to the gullible villagers. Kieslowski's Three Colors trilogy (1993–94), particularly Mavi (1993) ve Kırmızı (1994), deal with human relationships and how people cope with them in their day-to-day lives. The trilogy of films was called "explorations of spirituality and existentialism"[58] that created a "truly transcendent experience".[59] Gardiyan listelenmiş Dalgaları kırmak (1996) as one of its top 25 arthouse films. The reviewer stated that "[a]ll the ingredients that have come to define Lars von trier 's career (and in turn, much of modern European cinema) are present here: high-wire acting, innovative visual techniques, a suffering heroine, issue-grappling drama, and a galvanising shot of controversy to make the whole thing unmissable".[60]

2000'ler

Lewis Beale of Film Journal International stated that Australian director Andrew Dominik 's western film Korkak Robert Ford Tarafından Jesse James Suikastı (2007) is "a fascinating, literary-based work that succeeds as both art and genre film".[61] Unlike the action-oriented Jesse James films of the past, Dominik's unconventional epic perhaps more accurately details the outlaw's relinquishing psyche during the final months of his life as he succumbs to the paranoia of being captured and develops a precarious friendship with his eventual assassin, Robert Ford. In 2009, director Paul Thomas Anderson claimed that his 2002 film Punch-Sarhoş Aşk about a shy, repressed rage-aholic was "an art house Adam Sandler film", a reference to the unlikely inclusion of "frat boy" comic Sandler in the film; critic Roger Ebert claims that Punch Sarhoş Aşk "may be the key to all of the Adam Sandler films, and may liberate Sandler for a new direction in his work. He can't go on making those moronic comedies forever, can he? Who would have guessed he had such uncharted depths?"[62]

2010'lar

Apichatpong Weerasethakul 's Geçmiş Yaşamlarını Hatırlayabilen Amca Boonmee, which won the 2010 Cannes Palme d'Or, "ties together what might just be a series of beautifully shot scenes with moving and funny musings on the nature of death and reincarnation, love, loss, and karma".[63] Weerasethakul is an independent film director, screenwriter, and film producer, who works outside the strict confines of the Thai film studio system. His films deal with dreams, nature, sexuality, including his own homosexuality,[64] and Western perceptions of Tayland ve Asya. Weerasethakul's films display a preference for unconventional narrative structures (such as placing titles/credits at the middle of a film) and for working with non-actors.

Terrence Malick 's Hayat Ağacı (2011) was released after decades of development and won the Palme d'Or at the 2011 Cannes Film Festivali; it was highly praised by critics. At the Avon Theater in Stamford, Connecticut, a message was posted about the theater's no-refund policy due to "some customer feedback and a polarized audience response" to the film. The theater stated that it "stands behind this ambitious work of art and other challenging films".[65] Sürüş (2011), yönetmen Nicolas Sarma Refn, is commonly called an arthouse action film.[66] Also in 2011, director Lars von trier yayınlandı Melankoli, a movie dealing with depresyon and other mental disorders while also showing a family's reaction to an approaching planet that could collide with the Earth. The movie was well received, some claiming it to be Von Trier's masterpiece with others highlighting Kirsten Dunst 's performance, the visuals, and realism depicted in the movie.

Jonathan Glazer 's Derinin Altında was screened at the 2013 Venedik Film Festivali and received a theatrical release through indie studio A24 gelecek yıl. The film, starring Scarlett Johansson, follows an yabancı in human form as she travels around Glasgow, picking up unwary men for sex, harvesting their flesh and stripping them of their humanity. Dealing with themes such as sexuality, humanity, and objectification, the film received positive reviews[67] and was hailed by some as a masterpiece;[68] eleştirmen Richard Roeper described the film as "what we talk about when we talk about film as art".[69]

The critically acclaimed coming of age film Call Me By Your Name yöneten Luca Guadagnino başrolde Timothée Chalamet ve Armie Hammer was released in 2017. It was considered by many to be an art house style film, and an immediate classic of queer cinema.

This decade also saw a re-emergence of "art horror " with the success of films like Siyah Kuğu (2010), Stoker (2013), Düşman (2013), Babadook (2014), Only Lovers Left Alive (2014), Bir Kız Geceleri Evde Yalnız Yürür (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), Takip eder (2015), Cadı (2015), Ağlama (2016), Bölünmüş (2016), social thriller Defol (2017), Anne! (2017), Yok etme (2018), Sessiz Bir Yer (2018), Kalıtsal (2018), Suspiria (2018), Mandy (2018), Bülbül (2018), Jack'in Yaptığı Ev (2018), Bize (2019), Midsommar (2019), Deniz Feneri (2019), Alan Dışında Renk (2019) and the En İyi Film Akademi Ödülü kazanan Parazit (2019).[70][71][72][73]

Roma (2018), is a film by Alfonso Cuarón inspired by his childhood living in 1970's Mexico. Shot in black-and-white, it deals with themes shared with Cuarón's past films, such as mortality and class. The film was distributed through Netflix, earning the streaming giant their first Akademi Ödülü için adaylık En iyi fotoğraf.[74]

Eleştiri

Criticisms of art films include being too pretentious and self-indulgent for mainstream audiences.[75][76]

Ilgili kavramlar

Artistic television

Ayrıca bakınız: Kaliteli televizyon

Quality artistic television,[77] a television genre or style which shares some of the same traits as art films, has been identified. Television shows, such as David Lynch's İkiz tepeler ve BBC 's The Singing Detective, also have "a loosening of causality, a greater emphasis on psychological or anecdotal realism, violations of classical clarity of space and time, explicit authorial comment, and ambiguity".[78]

As with much of Lynch's other work (notably the film Mavi kadife), İkiz tepeler explores the gulf between the veneer of small-town respectability and the seedier layers of life lurking beneath its surface. The show is difficult to place in a defined television genre; stylistically, it borrows the unsettling tone and supernatural premises of horror films and simultaneously offers a bizarrely comical parody of American soap operas with a kampçı, melodramatic presentation of the morally dubious activities of its quirky characters. The show represents an earnest moral inquiry distinguished by both weird humor and a deep vein of sürrealizm, incorporating highly stylized vignettes, surrealist and often inaccessible artistic images alongside the otherwise comprehensible narrative of events.

Charlie Brooker 's UK-focused Siyah ayna television series explores the dark and sometimes satirical themes in modern society, particularly with regard to the unanticipated consequences of new technologies; while classified as "speculative fiction", rather than art television, it received rave reviews. HBO'lar The Wire might also qualify as "artistic television", as it has garnered a greater amount of critical attention from academics than most television shows receive. Örneğin, film teorisi günlük Üç Aylık Film has featured the show on its cover.[79]

Examples of arthouse animated films

Notable arthouse animators

Popüler medyada

Art films have been part of popular culture from animated sitcoms like Simpsonlar[90] ve Yüksek Klonla spoofing and satirizing them[91] to even the comedic film review webseries Brows Held High (hosted by Kyle Kallgren).[92][93]

Ayrıca bakınız

Referanslar

  1. ^ "Art film definition". MSN Encarta. Arşivlenen orijinal 25 Mayıs 2011. Alındı 23 Ocak 2007.
  2. ^ İngiliz Dili Amerikan Miras Sözlüğü, Dördüncü Baskı. Houghton Mifflin Company: 2009.
  3. ^ Random House Kernerman Webster's College Dictionary. Random House: 2010.
  4. ^ "Art film". Google. Alındı 21 Nisan 2015.
  5. ^ a b c Wilinsky, Barbara (2001). "Sure Seaters: The Emergence of Art House Cinema". Popüler Film ve Televizyon Dergisi. Minnesota Universitesi. 32: 171.
  6. ^ a b Barry, Keith (2007). Film Genres: From Iconography to Ideology. Wallflower Press. s. 1.
  7. ^ Ebert, Roger (15 March 1996). "Chungking Express Movie Review (1996)". Chicago Sun-Times. Alındı 22 Şubat 2018 – via www.rogerebert.com.
  8. ^ a b c Siska, William C. (1980). Modernism in the narrative cinema: the art film as a genre. Arno Press.
  9. ^ Manchel, Frank (1990). Film study: an analytical bibliography. Fairleigh Dickinson Üniversitesi Yayınları. s. 118.
  10. ^ Peter Bondanella (2009). İtalyan Sinemasının Tarihi. A&C Siyah. ISBN  9781441160690.
  11. ^ a b Marinetti, F. T.; Corra, Bruno; Settimelli, Emilio; Ginna, Arnaldo; Balla, Giacomo; Chiti, Remo (15 November 1916). "The Futurist Cinema Manifesto".
  12. ^ "Cohen [Kellner ile evli], Elsie (1895–1972), sinema sahibi". Oxford Ulusal Biyografi Sözlüğü. doi:10.1093 / ref: odnb / 56535. Alındı 23 Ekim 2020.
  13. ^ a b Michel, Marie (2002). Fransız Yeni Dalgası: Sanatsal Bir Okul. Translated by Richard Neupert. New York: John Wiley & Sons, Incorporated.
  14. ^ "French Cinema: Making Waves". archive.org. Arşivlenen orijinal 11 Mayıs 2008.
  15. ^ a b Canby, Vincent (22 July 1969). "Movie Review – Blue Movie (1968) Screen: Andy Warhol's 'Blue Movie'". New York Times. Alındı 29 Aralık 2015.
  16. ^ a b Canby, Vincent (10 August 1969). "Warhol's Red Hot and 'Blue' Movie. D1. Print. (behind paywall)". New York Times. Alındı 29 Aralık 2015.
  17. ^ a b c Comenas, Gary (2005). "Blue Movie (1968)". WarholStars.org. Alındı 29 Aralık 2015.
  18. ^ Paglia, Camille (8 August 2007). "Art movies: R.I.P." Salon.com. Alındı 22 Şubat 2018.
  19. ^ Brody, Richard (17 January 2013). "The State of the "Art Film"". The New Yorker. Alındı 21 Nisan 2015.
  20. ^ a b Bordwell, David (Fall 1979). "The Art Cinema as a Mode of Film Practice" (PDF). Film Criticism. Arşivlenen orijinal (PDF) 13 Kasım 2008'de. Alındı 13 Kasım 2008 – via The Wayback Machine.
  21. ^ Elsaesser, Thomas (29 July 2007). "Putting on a Show: The European Art Movie". Bergmanorama: The Magic Works of Ingmar Bergman. Arşivlenen orijinal 29 Temmuz 2007'de. Alındı 22 Şubat 2018.
  22. ^ Williams, Christopher (5 July 2007). "The Social Art Cinema: A Moment of History in the History of British Film and Television Culture" (PDF). Cinema: The Beginnings and the Future. Arşivlenen orijinal (PDF) 5 Temmuz 2007'de. Alındı 22 Şubat 2017 – via The Wayback Machine.
  23. ^ Arnold Helminski, Allison. "Memories of a Revolutionary Cinema". Sinema Duyguları. Arşivlenen orijinal on 21 July 2001. Alındı 22 Şubat 2018.
  24. ^ Stam, Robert; Miller, Toby (2000). Film and Theory: An Introduction. Hoboken, New Jersey: Blackwell Yayınları.
  25. ^ Hark, Ina Rae (2002). Exhibition, the Film Reader. Londra: Routledge. s. 71. ISBN  0-415-23517-0.
  26. ^ Wilinsky, Barbara (2001). Sure Seaters: The Emergence of Art House Cinema. Minneapolis: Minnesota Üniversitesi Yayınları. pp.92. ISBN  0-8166-3562-5.
  27. ^ a b Allmovie.com
  28. ^ Howe, Desson (18 October 1991). "My Own Private Idaho". Washington post. Alındı 22 Şubat 2018.
  29. ^ "Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – Critics Top Ten 2002". BFI. 5 Eylül 2006. Arşivlenen orijinal on 16 December 2006. Alındı 6 Ekim 2010.
  30. ^ Movie Review – Ashani Sanket Tarafından Vincent Canby, New York Times, 12 Ekim 1973.
  31. ^ Genel Bakış New York Times.
  32. ^ "Festival de Cannes: Andrei Rublev". festival-cannes.com. Arşivlenen orijinal 18 Ocak 2012'de. Alındı 10 Nisan 2009.
  33. ^ "The Color of Pomegranates at Paradjanov.com". Parajanov.com. 9 January 2001. Arşivlendi 14 Eylül 2010'daki orjinalinden. Alındı 6 Ekim 2010.
  34. ^ "The Color of Pomegranates in Cahiers du Cinema Top 10". Parajanov.com. Alındı 6 Ekim 2010.
  35. ^ This was Jodorowsky's second film from the 1970s. O da yaptı El Topo (1970), a surrealistic western film.
  36. ^ "13 Greatest Art-House Horror Films – Dread Central". 19 February 2016 – via www.dreadcentral.com.
  37. ^ "Barbara Broadcast – BluRay DVD Review". Mondo-digital.com. 27 Ağustos 2013. Alındı 21 Şubat 2016.
  38. ^ Bentley, Toni (Haziran 2014). "The Legend of Henry Paris". Playboy. Arşivlenen orijinal 4 Şubat 2016'da. Alındı 26 Ocak 2016.
  39. ^ Bentley, Toni (Haziran 2014). "The Legend of Henry Paris" (PDF). ToniBentley.com. Alındı 26 Ocak 2016.
  40. ^ Blumenthal, Ralph (21 January 1973). "Şık porno; 'Sert çekirdek' modaya uygun ve çok karlı hale geliyor". New York Times Dergisi. Alındı 20 Ocak 2016.
  41. ^ "Porno Chic". www.jahsonic.com.
  42. ^ Corliss, Richard (29 March 2005). "O Eski His: Porno Şık Olduğunda". Zaman. Alındı 27 Ocak 2016.
  43. ^ Ebert, Roger (13 June 1973). "The Devil In Miss Jones – Film Review". RogerEbert.com. Alındı 7 Şubat 2015.
  44. ^ Ebert, Roger (24 November 1976). "Alice Harikalar Diyarında: Yüksek Dereceli Müzikal Fantezi". RogerEbert.com. Alındı 26 Şubat 2016.
  45. ^ Yanaga, Tynan (14 December 2018). "PARIS, TEXAS: European Art House Meets The Great American Road Movie In Stunning Fashion".
  46. ^ Roddick, Nick. "Paris, Teksas: Yine Yolda". Criterion Koleksiyonu.
  47. ^ "Koyaanisqatsi". Spirit of Baraka. 21 Mayıs 2007. Arşivlendi 30 Ocak 2010'daki orjinalinden. Alındı 28 Mayıs 2008.
  48. ^ La Revue du cinéma, n° 393, avril 1984.
  49. ^ Filmcritic.com critic Jake Euler.
  50. ^ Reviewer Nick Schager.
  51. ^ Critic Matt Brunson.
  52. ^ Prior to Chungking Express, he directed Vahşi Olmanın Günleri. Later in the 1990s, Kar-wai directed Happy Together (film) (1997).
  53. ^ In 1990, Kiarostami directed Kapatmak.
  54. ^ "Pi Movie Review, DVD Release –". Filmcritic.com. Arşivlenen orijinal 30 Aralık 2005. Alındı 6 Ekim 2010.
  55. ^ "Current Movie Reviews, Independent Movies – Film Threat". Filmthreat.com. 15 June 1998. Archived from orijinal 23 Haziran 2008'de. Alındı 6 Ekim 2010.
  56. ^ Critic James Berardinelli.
  57. ^ 1999|Oscars.org
  58. ^ Emanuel Levy, incelemesi Three Colors: Blue. Retrieved 9 January 2012.
  59. ^ Matt Brunson.
  60. ^ Steve Rose. "Breaking the Waves: No 24 best arthouse film of all time". gardiyan. Alındı 21 Nisan 2015.
  61. ^ Lewis Beale. "The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford". Film Journal International. Arşivlenen orijinal 11 Ekim 2007'de. Alındı 27 Eylül 2007.
  62. ^ "Punch-Drunk Love". Chicago Sun-Times.
  63. ^ Satraroj, Nick. Movie review: "Uncle Boonmee", an art film for everyone Arşivlendi 23 Ağustos 2010 Wayback Makinesi. CNN. Accessed on 2 October 2010.
  64. ^ "Creating His Own Language: An Interview With Apichatpong Weerasethakul", Romers, H. Cineaste, page 34, vol. 30, hayır. 4, Fall 2005, New York.
  65. ^ Austin Dale (24 June 2011). "INTERVIEW: Here's the Story Behind That Theater's No Refund Policy for "Tree of Life"". indieWIRE. Arşivlenen orijinal 26 Haziran 2011'de. Alındı 16 Temmuz 2011.
  66. ^ "Drive (2011)". Çürük domates. Flixster. Alındı 17 Eylül 2011.
  67. ^ "Derinin Altında". rottentomatoes.com. 4 Nisan 2014. Alındı 21 Nisan 2015.
  68. ^ Collin, Robbie (13 March 2014). "Under the Skin: 'simply a masterpiece'". Telgraf. Alındı 22 Şubat 2018.
  69. ^ Roeper, Richard (13 April 2014). "'Under the Skin': Brilliant mood piece about a fascinating femme fatale". Chicago Sun-Times. Alındı 21 Nisan 2015 – via Richard Roeper Blog.
  70. ^ Clarke, Donald (21 January 2011). "Siyah Kuğu". Irish Times. Alındı 14 Mart 2016.
  71. ^ Ebiri, Bilge (17 April 2014). "Under the Skin and a History of Art-Horror Film". Akbaba. Alındı 14 Mart 2016.
  72. ^ D'Alessandro, Anthony (29 October 2015). "Radius Horror Film 'Goodnight Mommy' Set To Wake Up Oscar Voters As Austria's Entry". deadline.com. Alındı 14 Mart 2016.
  73. ^ Lee, Benjamin (22 February 2016). "Did arthouse horror hit The Witch trick mainstream US audiences?". Gardiyan. Alındı 26 Şubat 2017.
  74. ^ Tapley, Kristopher (22 January 2019). "'Roma' Becomes Netflix's First Best Picture Oscar Nominee".
  75. ^ Billson, Anne (5 September 2013). "The Top 10 Most Pretentious Films" - www.telegraph.co.uk aracılığıyla.
  76. ^ Dekin, Mert (1 October 2019). "10 Famous Arthouse Movies That Are Too Self-Indulgent". Taste of Cinema.
  77. ^ Thornton Caldwell, John (1995). Televisuality: Style, Crisis, and Authority in American Television. Rutgers University Press. s.67.
  78. ^ Thompson, Kristin (2003). Storytelling in Film and Television. Cambridge, Massachusetts: Harvard University Press.
  79. ^ Driscoll, D. (2 November 2009). "The Wire Being Taught at Harvard". Machines.pomona.edu. Arşivlenen orijinal 20 Temmuz 2011'de. Alındı 6 Ekim 2010.
  80. ^ Lodge, Guy (29 August 2019). "Film Review: 'Bombay Rose'".
  81. ^ a b c d "Euro Animated Films Offer "Darker" Art House Alternative to Hollywood, Exec Says". The Hollywood Reporter.
  82. ^ a b c d "Animated Movies To Look Forward To". www.amctheatres.com.
  83. ^ a b c d e "Leave the Kids at Home: The Rebirth of Arthouse Animation". IFC.
  84. ^ Hall, Stan; Oregonian, Special to The (3 February 2012). "Indie & Arthouse films: Don Hertzfeldt 'Everything Will Be OK', Mike Vogel's 'Did You Kiss Anyone' and more". Oregonlive.
  85. ^ a b "Dream Is Destiny: Waking Life". Animasyon Dünyası Ağı.
  86. ^ "The 10 Best Animated Films You've Probably Never Seen". ScreenRant. 1 July 2019.
  87. ^ a b "10 Essential Arthouse Sci-Fi Films". Film Okulu Reddediyor. 1 Eylül 2018.
  88. ^ Thielman, Sam (24 November 2016). "The Simpsons Thanksgiving marathon: the 25 best episodes to gorge on" - www.theguardian.com aracılığıyla.
  89. ^ "Arthouse Movie Listings December 12–18, 2012". SF Haftalık. 12 December 2012.
  90. ^ "Any Given Sundance" - www.imdb.com aracılığıyla.
  91. ^ "Film Fest: Tears of a Clone" - www.imdb.com aracılığıyla.
  92. ^ "Real Good You Guys: Kyle Kallgren and Brows Held High". 7 Kasım 2017.
  93. ^ Kallgren, Kyle (17 September 2019). "My Own Private Idaho | Brows Held High" - Vimeo aracılığıyla.

Dış bağlantılar